Bericht vom 11. Filmfest Bremen – Tag 3

Veröffentlicht am 26. Juni 2026 von Marco Koch

Tag 3 auf dem Filmfest Bremen Samstag ging sehr früh mit „Der Psycho Coach“ in der Schauburg los. Eine gelungene Komödie um einen Serienkiller im Ruhestand und einen Autor mit Eheproblemen. Der hochsympathische Regisseur Tolga Karaçelik war mit seiner bezaubernden Frau anwesend und ebenso unterhaltsam wie sein Film.

DER PSYCHO COACH

Keane ist ein Schriftsteller, dessen erstes Buch kein besonders großer Erfolg war, auch wenn er noch immer Stolz darauf ist, den 1. Preis eines universitären Lesezirkels gewonnen zu haben. Sein neues Buch soll von Urmenschen und Neandertalern in der Slowakei handeln. Kein Stoff mit Publikumsappel. Da trifft es sich gut, dass Keane eines Tages von einem Unbekannten angesprochen wird, der sich als Fan seines Erstlings zu erkennen gibt und Keane vorschlägt, doch seine Lebensgeschichte in Romanform zu bringen. Denn der Mann, der sich als Kollmick vorstellt, ist Serienkiller im Ruhestand. Und so nimmt eine Handlung voller Missverständnisse ihren Lauf. Denn während Kollmick Keane in die Feinheiten des Tötens einweist, gibt dieser Kollmick gegenüber seiner Frau Suzie als Eheberater aus, der die kriselnde Beziehung der Beiden kitten soll. Bald schon aber glaubt Suzie, Keane plane sie umzubringen, während der dank Kollmick Stress mit der lokalen Mafia bekommt.

Man sieht also, es ist viel los in dieser schwarzen Komödie, die man mit Fug und Recht als „crowd pleaser“ bezeichnen kann. Mit Steve Buscemi als Kollmick befindet sich auch ein bekannter Name in der Besetzung, was bei Festivals immer für viel Publikum sorgt. Und so war auch dieser Film ausgesprochen gut besucht. Angekündigt war er unter dem Originaltitel „Psycho Therapy” (Langtitel: Psycho Therapy: The Shallow Tale of a Writer Who Decided to Write About a Serial Killer) und so bekamen vermutlich die allerwenigsten mit, dass er auch zeitglich (sehr zum Ärger der Festivalsverantwortlichen) in der ARD-Mediathek als „Der Psycho-Coach“ zu sehen war.

„Der Psycho Coach“ ist der erste englischsprachige Film des türkischen Regisseurs und Drehbuchautoren Tolga Karaçelik, der diesen rasant und sehr humorvoll inszeniert. Er macht Spaß, auch wenn er dem Genre nur wenig hinzufügt. Aber er verlässt sich auf das Prinzip der fortwährenden Eskalation, was hervorragend funktioniert. Dies liegt auch an dem sehr guten Ensemble. Steve Buscemi hat sichtlich Freude an seiner Rolle als Serienkiller („Im Ruhestand!“) und John Magaro als verwuschelter Keane ist ein sympathischer Loser, den man gerne hat. Das Juwel ist allerdings Britt Lower als Keanes Ehefrau Suzie, die im Laufe des Filmes immer mehr eigene Abgründe offenbart.

Der Humor ist sehr schwarz, was einige im Publikum erschreckt hat, wenn hier mal ein Kopf zerplatzt oder dort jemand durchsiebt wird. Im Grunde fühlt man sich an die Zeit Mitte/Ende der 90er zurückversetzt, als der Erfolg von „Pulp Fiction“ eine ganze Reihe solcher Filme inspiriert hat. Ich hatte meine Freude.

Danach gab es eine lecker Pizza bei Vera Delizia, die so riesig war, dass ich fast „Bayaan“ im City46 verpasst habe. Tatsächlich kam wir an, als der Film gerade eben begonnen hatte. Leider war das Bild auf der Leinwand in diesen ersten Minuten sehr dunkel. Und erstmals musste ich bemerken, wie dunkel es dann im Kinosaal werden kann. So stolperte ich mehr oder weniger, immer eine Hand an der Wand nach vorne. Völlig ohne Orientierung, wo denn die Reihen anfangen und ob da überhaupt Menschen sitzen. Auch eine Erfahrung. Irgendwann entschieden wir uns dann für eine Reihe, scheuchten einige Leute auf, ich trat aus versehen und blind auf den einen oder andere Fuß dann ließ ich mich endlich im Kinosessel nieder. Als das Bild auf der Leinwand heller wurde, konnte man deutlich sehen, dass alle Reihen vor uns leer waren. Man hätte also nur einen Meter weiter gehen müssen und hätte sich das Spektakel erspart. Naja…

BAYAAN

Die junge Kommissarin Roohi wird in eine kleine Stadt in Indien geschickt. Hier soll sie die Vorgänge um einen geheimnisvollen Brief aufklären. In diesem wird dem Kultführer Maharaj vorgeworfen, minderjährige Anhängerinnen seines Kultes systematisch zu missbrauchen. Roohi ist die Tochter eines erfolgreichen Polizeibeamten, der auf der Karriereleiter gerade auf dem Sprung nach ganz oben ist. Der Job ist für sie die Chance sich von ihm zu emanzipieren und gleichzeitig zu zeigen, dass sie eine gute Polizistin ist. Doch dies gestaltet sich schwierig, denn Roohi trifft auf eine Mauer des Schweigens. Maharaj wird hier, wie ein barmherziger Gott bedingungslos verehrt, und hat die Kontrolle nicht nur über die Mitglieder seines Kults, sondern auch die ganze Stadt, die von ihm abhängig ist. Dies betrifft auch die Beamtinnen und Beamten mit denen Roohi zusammenarbeiten muss. Nur langsam und mit viel Mühen und Anfeindungen, gelingt es Roohi ein wenig Licht ins Dunkel zu bringen.

„Bayaan“, was so viel wie „Erklärung“ bedeutet, beruht auf einer wahren Geschichte. Der Thriller gewährt nicht nur Einblicke in eine fremde Kultur, sondern seziert auch die Mechanismen von Macht und Einfluss. Maharaj ist nicht nur ein Bösewicht, sondern hat tatsächlich viel für die kleine Stadt und die Region getan. Für viele Bewohner*innen hat er ihr Leben zum Besseren gewandt, was aber auch dazu führt, dass man von ihm abhängig ist. Einmal an die Spitze der Macht gekommen, kann Maharaj handeln, wie er will – das von ihm geschaffene System von Günstlingen, männlich, aber vor allem auch weiblich, schützt ihn. Das muss Roohi auch in ihrem eigenen Team feststellen. Zudem herrscht auch „von oben“ Zweifel daran, ob Roohi nicht zu nah an den mächtigen und wichtigen Maharaj kommt. Und auch ihr eigener, hochangesehener Vater und ihr großes Vorbild stellt hier Karriere bei der Polizei über Integrität und möchte ihr den Fall entziehen.

Roohi kämpft also an mehreren Fronten und rennt sich wortwörtlich den Schädel ein. Nur langsam kann sie das Dickicht der Abhängigkeiten und des Glaubens an Maharaj durchdringen, und immer wieder wird sie zurückgeworfen. Es ist vor allem Huma Qureshi sehr präsenten und sensiblen Darstellung der Roohi zu verdanken, dass man immer mit ihr mitfiebert. Qureshi ist ebenso verletzlich, wie robust und entspricht nicht dem üblichen Klischee des Rookies, der sich beweisen muss. Dazu ist ihre Figur zu vielschichtig angelegt. Wie man hervorheben muss, dass dies für alle Charaktere in diesem Film gilt. Maharaj ist gütig und zuvorkommend – und da man seine Taten nie sieht, könnte man ihm schnell auf den Leim gehen. Man fühlt sich hier an solche Gurus wie Maharishi Mahesh Yogi oder Bikram Choudhury erinnert. Auch den Opfern fällt es schwer, ihr Schweigen zu brechen und sich von ihrem Guru abzuwenden.

Regisseur Bikas Ranjan Mishra entscheidet sich ab spätesten der Hälfte des Filmes, Genre-Konventionen zu folgen und Roohis Team zusammenzuschweißen, damit sie gemeinsam gegen Maharaj vorgehen und seinen Opfern eine Stimme zu geben. Einerseits orientiert sich der Film nun an westlichen Standards, andererseits ist er dadurch auch für ein westliches Publikum vorhersehbarer und einfacher zu konsumieren und Mishra weiß, die Spannungsschraube anzuziehen. Ein guter Film mit überzeugenden Schauspieler*innen, von denen vor allem Huma Qureshi mit ihrer zurückhaltenden, aber gleichzeitig selbstbewussten Darstellung glänzt.

Danach dann allein zurück in die Schauburg. Im kleinen Saal lief der russische Film „Sanding Dreams“. Ein Familiendrama mit leichtem magischem Realismus.

SANDING DREAMS

Der hochbegabte Student Pasha hat einen großen Traum: Er will unbedingt Teil eines internationalen Raumfahrtprogramms werden, denn das Weltall hat ihn schon immer fasziniert und begeistert. Tatsächlich steht Pasha kurz davor, seinen Traum verwirklichen zu können. Doch dann erhält er einen Brief aus seinem Heimatdorf. Seine Mutter kommt nicht über den Tod des Vaters hinweg und verbringt ihre Tage im Dämmerzustand und sein kleiner Bruder ist mit der Situation überfordert. Also macht sich Pasha auf den Weg in die Heimat. Das Dorf (eigentlich eine willkürliche Anhäufung einzelner Holzhäuser) liegt in der Nähe zum Meer inmitten einer wüstenähnlichen Umgebung, die die Häuser unter Sand zu vergraben droht. Pascha kümmert sich um seinen kleinen Bruder, der selbst ein genialer Bastler ist und übernimmt die Aufgabe mit dem Traktor der Familie die Häuser vom Sand zu befreien. Doch dann geschieht eine Katastrophe und Pasha weiß, dass er seine Familie nicht so einfach verlassen kann, um seinem Traum zu folgen.

Der russische Film von Anton Mamykin lebt vor allem von seinen Bildern und der in den magischen Realismus kippende Stimmung. Das Heimatdorf von Pasha, welches langsam unter dem Sand versinkt und immer wieder freigeschaufelt werden muss ist eine tolle Idee, die natürlich sehr zur Metapher taugt. Überhaupt die Landschaften. Die unendlichen, wüstenartigen Dünen und das Meer welches nicht so weit weg ist. Die Raketen, die von irgendwoher immer wieder aufsteigen und die skandinavischen Fischer, denen man die Gemälde der Mutter verkaufen will.

Dies alles fügt sich zu einem sehr stimmungsvollen Gesamtbild, welches allerdings ein etwas merkwürdigen Beigeschmack hat. Denn man kann all dies auch als ein Plädoyer dafür lesen, dass man seine persönlichen Bedürfnisse, denen der Familie und der Gemeinschaft unterordnen soll, um ein erfülltes Leben zu führen. Und ist nicht der allgegenwärtige Sand die Moderne, welche droht die traditionelle Familie und die „gute alte Zeit“ zu begraben und in Vergessenheit versinken zu lassen? Liest man den Film auf diese Art und Weise, bekommt er – je nach eigener Lebensanschauung – einen unangenehmen, reaktionären Touch.

So sehr ein gewisses Pflichtgefühl eine durchaus gute Tugend ist und so schön auch das Ende geraten ist, so zwiespältig bleibt man doch auch zurück.

Beim Verlassen des Saales traf ich Norbert Paffenbichler wieder. Denn im Anschluss an „Sanding Dreams“ sollte am selben Ort die zweite Weird-Xperience-Vorstellung auf dem diesjährigen Filmfest stattfinden. Noch einmal „2551.03 – The End“ mit mir als Moderator der Q&A. Ein drittes Mal (ich hatte den Film ja auch bereits in Rahmen der Sichtungskommission „Innovation“ gesehen) habe ich ihn mir dann aber nicht mehr angeschaut. Stattdessen habe ich mich mit Regisseur Norbert Pfaffenbichler sehr nett im Foyer unterhalten. Und nach dem Film haben wir uns weiterunterhalten und als „guter Gastgeber“ habe ich ihn danach sicher durch den Werder-Fan-Mob der gerade sehr exzessiv den Sieg über den HSV „feierte“ zum Parkhotel gebracht, wo die Filmfest-Gäste untergebracht waren. Das lag auch so halbwegs auf dem Heimweg. Ein intensiver und auch schöner Tag.

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Bericht vom 11. Filmfest Bremen – Tag 2

Veröffentlicht am 19. Juni 2026 von Marco Koch

Der zweite Tag bestätigte für mich darin, dass sich das Programm des Filmfests dieses Jahr wieder auf extrem hohem Niveau befand. Denn der Tag begann in der Schauburg gleich mit dem fantastischen „Anorgasmia“ vom isländischen Filmemacher Jon Einarsson Gustafsson, der in der Q&A sehr viel Interessantes zu erzählen hatte, wodurch ich leider die eigentlich fest eingeplant Case Study zu „2551.03 – The End“ im Institute Francais verpasst habe. Schade.

ANORGASMIA (all the things we do to survive)

Der Fotograf Sam ist Engländer – beziehungsunfähig, aber stets auf der Suche nach dem nächsten unverbindlichen, emotionslosen Sex. Die Touristin Naomi ist Französin – unsicher in ihrer Beziehung und voller Sorge, die falsche Entscheidung für ihre Zukunft zu treffen. Die beiden begegnen sich in Reykjavík, und ihre erste Begegnung ist nicht unbedingt von gegenseitiger Zuneigung geprägt. Trotzdem verbringen sie den Abend miteinander, nähern sich an, und beinahe kommt es zu einem One-Night-Stand, doch Naomi flüchtet im letzten Moment.

Eigentlich sollten sie sich danach nicht wiedersehen, doch ein Vulkanausbruch verhindert ihre Abreise in die jeweiligen Heimatländer. Sam macht sich auf, um als Erster Bilder vom Vulkan zu machen, und Naomi schließt sich ihm an. Das passt Sam zwar überhaupt nicht, doch widerwillig lässt er sich darauf ein, und so begeben sie sich gemeinsam auf die Reise.

Von hier aus könnte der Film viele wohlbekannte Wege einschlagen: Er könnte zur Romantic Comedy, zum Buddy-Movie oder zu einem kitschigen Liebesfilm werden. Doch Regisseur Rúnar Rúnarsson ignoriert all diese Routen und begleitet einfach dieses ungleiche Paar, das in seiner Verlorenheit doch auch Gemeinsamkeiten aufweist. Sam ist dabei nicht unbedingt sympathisch. Im Gegenteil: Er ist schroff, verschlossen, abweisend und trägt eine schwere Last mit sich. Auch Naomi hat ihre Probleme, ist aber auf eine Weise von Sam fasziniert und versucht, hinter seine Fassade zu blicken. Was die beiden auf ihrer Reise erleben, ist nicht sonderlich spektakulär. Es gibt keine Action, kein großes Geheimnis, und die Menschen, denen sie begegnen, sind allesamt liebenswürdig.

Weshalb ist dieser Film also ein kleines Meisterwerk? Das liegt zum einen an der isländischen Landschaft, die der gelernte Landschaftsfotograf Rúnarsson beeindruckend in Szene setzt. Noch viel mehr aber liegt es an dem Paar Sam und Naomi und ihren beiden Darstellern, Edward Hayter und vor allem der wundervollen Mathilde Warnier. Beide spielen so natürlich und unaufgeregt, dass man als Zuschauer unmittelbar mit den Figuren mitfühlt. Die Chemie zwischen ihnen springt geradezu körperlich spürbar auf das Publikum über. So überrascht es kaum, wenn der Regisseur im Publikumsgespräch verriet, dass die beiden während des Drehs ein Paar wurden und ihr erstes Kind erwarten.

Und dies ist auch absolut nachvollziehbar. Ich muss zugeben, dass auch ich mich während des Films in Mathilde Warnier (beziehungsweise ihre Figur Naomi) verliebt habe. Ihre quirlige, ein wenig verrückte und entschlossene Art, durch die aber auch eine gewisse Verletzlichkeit durchscheint, hat mich tief berührt. Umso trauriger war ich, als der Abspann lief und ich mich von ihr verabschieden musste. Getröstet wurde ich jedoch durch ein perfektes Filmende, bei dem Rúnarsson allen möglichen Fallstricken geschickt aus dem Weg geht und der Versuchung widersteht, es dem Publikum recht machen zu wollen. Der Film blieb mir so noch lange im Kopf und im Herzen. Laut Rúnarsson beruht der Film auf einem persönlichen Erlebnis – und das merkt man ihm in jeder Sekunde an.

Danach ging es mit meinem Kompagnon Holger ins Cinema, wo der koreanische Thriller „Sisterhood“ von Yoon Eun-kyoung, die ebenfalls anwesend war, lief. Yoon Eun-kyoung war bereits das zweite Mal auf dem Filmfest Bremen. Vor zwei Jahren war sie mit dem surreal-paranoiden „The Tenants“ dabei. Und jener Film, den ich später nach dem Festival schauen konnte, hatte mich damals sehr begeistern. Umso gespannter war ich auf ihren neuen Film.

SISTERHOOD

Nach ihrer Scheidung zieht die erfolgreiche Schriftstellerin Yul-hee mit ihrer Tochter in ein neues Haus. Für ihre Teenager-Tochter So-hee ist dieser Umzug nicht einfach. Sie pflegt ein gutes Verhältnis zu ihrem Vater und muss sich in der neuen Umgebung erst einen Freundeskreis aufbauen. Durch einen Zufall trifft sie auf die etwas ältere Mi-jee, die sich als glühende Verehrerin von Yul-hees letztem Buch „Sisterhood“ herausstellt. Geschmeichelt von der Bewunderung, stellt Yul-hee Mi-jee als Haushaltshilfe ein. Doch schon bald geschehen seltsame Dinge: Yul-hee und ihre Tochter entfernen sich immer mehr voneinander, und in Yul-hee wächst der Verdacht, dass Mi-jee etwas im Schilde führen könnte.

So weit, so bekannt. Tatsächlich birgt der Film für Zuschauer*innen, die bereits den einen oder anderen Film dieses Genres gesehen haben, nur wenige Überraschungen. Dies mag auch die eher unterdurchschnittliche Bewertung auf IMDb erklären. Was den Film jedoch über den üblichen Thriller-Durchschnitt hebt, sind seine Figuren. Blickt man nämlich hinter die Fassade der durchaus spannend inszenierten Thriller-Handlung, entdeckt man tiefer liegende psychologische Mechanismen.

Da ist zum einen das Verhältnis zwischen der erfolgsorientierten, vielleicht sogar krankhaft ehrgeizigen Mutter und ihrer Tochter, die sich nach einem harmonischen Zuhause sehnt. So-hee weiß nicht so recht, wo sie im Leben steht, und sucht in dieser schweren Zeit nach Führung. Sie sehnt sich einerseits nach Emanzipation von ihrer übermächtigen Mutter, andererseits aber auch nach deren Liebe und Zuwendung. Gleichzeitig quält sich Yul-hee mit dem Gedanken, ihrer Tochter nicht die Mutter sein zu können, die sie sein sollte – und es vielleicht auch gar nicht sein zu wollen, was ihr Gewissensbisse bereitet. In diesem fragilen Gefüge wird Mi-jee zum Katalysator, der die angespannte Beziehung zur Eskalation bringt. Regisseurin Yoon Eun-kyoung inszeniert die letzten 15 Minuten voller atemloser Spannung und hält dabei doch noch die eine oder andere kleine Überraschung bereit.

Auch wenn „Sisterhood“ stellenweise etwas vorhersehbar ist und nicht an die surreal-unheimliche Qualität von „The Tenants“ heranreichen kann, ist Yoon Eun-kyoung ein sehr gutes Psychodrama gelungen, das zum Ende hin noch einmal erheblich an Spannung gewinnt.

Leider mussten wir die sicherlich interessante Q&A schwänzen, da um 20:00 Singer-Songwriter Ethan Gold aus dem großartigen Film „Brother Verses Brother“ – der ebenfalls auf dem Filmfest Bremen lief – im Eisen auftreten sollte. Das war auch wunderbar, fing allerdings erst mit großer Verspätung an. Das führte dazu, das wir leider nicht das ganze Konzert mitbekamen, und eher aufbrechen musste. Denn im etwas weiter weg gelegenen City46 wartete bereits der nächste Film auf uns. Auch hier wieder: Schade.

Dort lief der grandiose „Dreaming of Lions“. Der portugiesische Film von Paolo Marinou-Blanco ist knapp vor „Anorgasmia“ mein Liebling auf dem Filmfest geworden. Paolo Marinou-Blanco war auch persönlich anwesend, erzählte interessant und wortgewandt über seinen Film und stand auch nach dem Film noch für ein Pläuschen zur Verfügung.

DREAMING OF LIONS

Gilda ist eine Brasilianerin, die in Portugal lebt. Sie hat Krebs im Endstadium und weiß, dass sie nicht mehr lange zu leben hat. Bevor ihr Zustand sich jedoch zu sehr verschlechtert und ihr Leben nur noch künstlich verlängert wird, will sie selbstbestimmt entscheiden, wann sie von dieser Welt scheidet. Sie hat die Qualen ihrer Mutter miterlebt, als diese ebenfalls an Krebs starb – eine Erfahrung, die sie sich ersparen möchte. Es ist ihr Leben, also soll es auch ihr Tod sein.

Leider gestaltet sich dieses Vorhaben komplizierter als gedacht. Ihre bisherigen Versuche gingen spektakulär schief, und die darauffolgenden Krankenhausaufenthalte und Therapien empfindet sie nur noch als lästig. Daher sucht sie professionelle Hilfe in einem Institut, das Selbsthilfegruppen für Menschen mit missglückten Suizidversuchen anbietet. Hier lernt sie den jungen Amadeu kennen, der ebenfalls an einer tödlichen Krankheit leidet und dessen Versuche, aus dem Leben zu scheiden, bislang ebenso erfolglos waren. Schon bald entwickelt sich zwischen der älteren, kratzbürstigen Gilda und dem sensiblen jungen Amadeu eine zarte Liebesgeschichte. Gemeinsam erkennen sie, dass das Institut ein einziger Schwindel ist, und beschließen, ihr Schicksal selbst in die Hand zu nehmen. Ihr Plan: auf eine spanische Insel zu reisen, wo eine Ärztin sanfte und diskrete Sterbehilfe anbieten soll.

Das klingt alles sehr schwermütig und traurig, doch Paolo Marinou-Blanco inszeniert seinen Film als unglaublich komische Ode an das Leben – zu dem eben auch der Tod gehört. Getragen wird der Film von der herausragenden Denise Fraga, die ihrer Figur eine bemerkenswerte Energie, triefenden Sarkasmus und tiefschwarzen Humor verleiht. Es ist unmöglich, für ihre Gilda keine Sympathie zu empfinden, auch wenn (oder gerade weil) sie mit pointiertem Zynismus um sich wirft. Ihr zur Seite steht João Nunes Monteiro als Amadeu, der handlungsbedingt zurückhaltender agiert, aber gerade deshalb der perfekte Partner für Denise Fraga ist. Die Liebesgeschichte, die sich zwischen ihnen entspinnt, wirkt zu keiner Sekunde aufgesetzt und entwickelt sich vollkommen natürlich. Man kann Amadeu gut verstehen, dass er sich in Gilda verliebt, die nicht nur älter ist, sondern auch charakterlich sein genaues Gegenteil darstellt. Gilda ist eine tolle, kluge und vor allem lebensbejahende Frau.

Dennoch lässt sie sich durch die Liebe von und zu Amadeu nicht von ihrem festen Wunsch abbringen, ihrem Leben ein Ende zu setzen, bevor der Krebs die Überhand gewinnt. Dazu ist ihre Persönlichkeit zu stark. Aber sie will die ihr verbleibende Zeit in vollen Zügen auskosten. Marinou-Blanco streut zudem einen Hauch von magischem Realismus in seinen Film ein: Amadeu, der als Leichenpräparator arbeitet, kann mit den Toten sprechen (oder bildet er es sich nur ein?), und Gilda durchbricht zu Beginn die vierte Wand. Auch diese Elemente fügen sich harmonisch in das Gesamtwerk ein. Ist der Film anfangs teilweise brüllend komisch, so wird er mit fortschreitender Laufzeit ruhiger, verliert aber nie seinen liebenswerten Humanismus und nimmt seine Figuren stets ernst. Marinou-Blanco hat viel über das selbstbestimmte Leben zu erzählen und nutzt den Humor seines Films, um diese Botschaft unaufdringlich in das Bewusstsein des Publikums zu schmuggeln. Ähnlich wie in dem Film „Anorgasmia“ findet er auch hier ein perfektes Ende, das jeder Versuchung der Anbiederung widersteht. Großartig gemacht, Señor Marinou-Blanco

Damit endete dieser an Highlights reicher zweite Tag auf dem 11. Filmfest Bremen.

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Bericht vom 11. Filmfest Bremen – Tag 1

Veröffentlicht am 18. Juni 2026 von Marco Koch

Der erste Tag des 11. Filmfest Bremen fing für mich beruflich bedingt etwas später an. Mein Highlight an diesem Donnerstag war es natürlich, den Film „2551.03 – The End“ im Rahmen unserer Weird-Xperience-Kooperation mit dem Filmfest moderieren zu dürfen, und die Q&A mit dem sympathischen Filmemacher Norbert Pfaffenbichler zu leiten.

Doch zuvor sah ich mir um 17:00 Uhr den Film „The Winter of the Crow“ von Kasia Adamik (Tochter von Agnieszka Holland) an, der auf einer Novelle meiner Lieblingsautorin Olga Tokarczuk beruht.

THE WINTER OF THE CROW

Die englische Psychologie-Professorin Joan Andrews wird im Winter 1981 nach Warschau eingeladen, um im dortigen Kulturpalast eine Lesung zu halten. Zu ihrem großen Ärger wird diese jedoch von protestierenden Studenten gestört. Auch sonst verläuft die Reise nicht wie vorgestellt: Statt im Hotel wird sie im Apartment ihrer polnischen Kontaktperson, der jungen Nadia, einquartiert. Als am nächsten Tag das Kriegsrecht ausgerufen wird, ist Joan von der Außenwelt abgeschnitten. Der Sprache nicht mächtig, gerät sie in einen Strudel aus Gewalt und Repression, denn Nadia und ihr Bruder gehören zum Widerstand gegen das kommunistische Regime, das eine gnadenlose Jagd auf den Untergrund macht. Bald schon wird Joan Zeugin eines politischen Mordes und gerät selbst ins Visier der Behörden.

„Winter of the Crow“ ist ein klassischer Polit- und Paranoia-Thriller vor dem historischen Hintergrund der Solidarność-Bewegung und des Kriegsrechts unter General Jaruzelski. Die Stimmung ist durchgehend trist und finster, das Bild grau und trüb. Warschau wirkt wie der siebte Kreis der Hölle – ein Labyrinth, aus dem es kein Entkommen zu geben scheint. Die unwirklichen Computergrafiken, die die Stadt ins Jahr 1981 zurückversetzen, erzeugen die Ästhetik eines dystopischen Science-Fiction-Films und fügen sich damit kongenial in die spannende Geschichte und die hervorragende Fotografie des Kameramanns Tomasz Naumiuk ein.

Getragen wird der Film von seinen herausragenden Darstellern. Allen voran brilliert Lesley Manville, die ihre „Fish out of water“-Figur facettenreich porträtiert: zunächst arrogant und unsympathisch, später bedauernswert und hilflos, aber zugleich auch kämpferisch. Sie formt einen höchst komplexen, dreidimensionalen Charakter, mit dem man bis zur letzten Minute mitfiebert.

„Winter of the Crow“ ist ein hochspannender, atmosphärischer Thriller, der sein Publikum packt und auch nach dem Ende nicht so schnell wieder loslässt. Ich kenne die zugrundeliegende Novelle von Nobelpreisträgerin Olga Tokarczuk noch nicht, bin nach diesem Film aber sehr gespannt auf die literarische Vorlage.

Bedauerlich war lediglich, dass zu dieser Vorstellung noch kein Gast anwesend sein konnte, da Co-Drehbuchautorin Sandra Buchta erst für das nächste Screening zwei Tage später anreiste.

Danach dann noch eine kurze Vorbereitung auf die Moderation. Im Foyer des Cinema entdeckte ich auch Regisseur Norbert Paffenbichler, so dass ich ein zwei Sachen vorab besprechen konnte. Dann gesellte sich noch Holger dazu, der wie ich auch zur Sichtungskommission „Innovation“ gehörte, und mit dem ich die meisten Filme beim Filmfest zusammen sehen sollte. Was sehr schön war.

2551.03 – THE END

In einer nicht allzu fernen Zukunft irrt ein Mann mit Affenmaske durch eine feindselige, dystopische Unterwelt. Er trifft auf seinen lange vermissten Sohn, gerät in die Mühlen eines absolutistischen Systems und unterzieht sich einem Geschlechterwechsel.

„2551.03 – The End“ ist der dritte Teil einer Trilogie, deren Teile aufeinander aufbauen, aber auch unabhängig voneinander funktionieren. Die Stimmung wird maßgeblich von den schroffen, zweifarbigen Bildern und dem industriellen Soundtrack getragen.

Der No-Budget-Film gleicht sein fehlendes Budget durch überbordende Kreativität und Improvisationstalent aus. Dass die Kulissen aus Sperrmüll und vor Ort vorgefundenem Material gebaut wurden, kommt der dichten Atmosphäre nur zugute. Man mag kaum glauben, dass hier kein Studio im Hintergrund stand, sondern alles in langer Kleinarbeit vom Regisseur und einer kleinen Crew geschaffen wurde. Bis auf den großartigen Kameramann Martin Putz und Regisseur Norbert Paffenbichler selbst waren keine Profis am Werk – was man dem Film erstaunlicherweise nicht ansieht.

Da der Film ohne Sprache gedreht wurde, muss sich das Publikum die Handlung rein über die Bilder erschließen. Dies funktioniert meistens sehr gut, lediglich in der Transformationsszene ist die Vorstellungskraft des Zuschauers besonders gefragt. Denn manches lässt sich hier eher erfühlen als rational verstehen. Alle Darstellerinnen und Darsteller tragen Masken, was die düstere und geheimnisvolle Stimmung weiter verstärkt. Der Film bewegt sich beinahe im Territorium von „Begotten“, erreicht jedoch nie dessen drastische Konsequenz.

Wer möchte, kann viele kluge Filmzitate entdecken. Insgesamt erschafft der Film einen verstörenden Sog aus seltsamen Bildern, dem man sich kaum entziehen kann. Stilistisch erinnert er an den bereits erwähnten „Begotten“, an die Werke von Guy Maddin, „Thunderscrack!“ und vielleicht auch ein wenig an den Landsmann Carl Andersen. Es erübrigt sich fast zu erwähnen, dass ich den Film sehr mochte. Er hätte für meinen Geschmack zwar ruhig noch etwas drastischer sein können, doch dem „normalen“ Publikum dürfte das Gesehene bereits mehr als ausgereicht haben.

Nach der schönen Q&A, die ich mit Norbert Paffenbichler halten durfte, hätte ich mich gerne noch ein wenig mit ihm unterhalten. Aber nachdem ich meine sieben Sachen zusammengerafft hatte, war er schon in die Nacht entschwunden. So tat ich es ihm dann irgendwann gleich und war verhältnismäßig früh wieder Zuhause. Am nächsten Tag ging es ja auch für meine Verhältnisse wieder früh weiter.

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Bericht vom 11. Filmfest Bremen – Die Eröffnungsgala

Veröffentlicht am 16. Juni 2026 von Marco Koch

Das Filmfest Bremen ist nun schon wieder zwei Monate her. Aufgrund anderweitiger Verpflichtungen bin ich aber bislang nicht dazu gekommen, diese wundervolle Veranstaltung – die mich in diesem Jahr wieder sehr begeistern konnte – noch einmal Revue passieren zu lassen. Wie immer begann das Filmfest Bremen mit seiner Eröffnungsgala am Mittwoch im Theater am Goetheplatz.

Wie immer wird zu diesem Anlass auch der Bremer Filmpreis vergeben. Dieser ging in diesem Jahr an Vanessa Redgrave, die aus nachvollziehbaren, gesundheitlichen Gründen leider nicht persönlich zugegen sein konnte. Sie schickte aber eine berührende Videobotschaft.

Stattdessen nahm ihre Enkelin Daisy Bevan den Goldenen Mops entgegen. Die sehr schöne und humorvolle Laudatio hielte Drehbuchautor und Regisseur David Hare, dessen Regiedebüt „Wetherby“ mit Redgrave in der Hauptrolle im Anschluss an die Gala im Theater gezeigt wurde. Per Grußvideo wurde auch noch Ralph Finnes virtuell auf die Bühne geholt. Ich vermute daher mal stark, dass er ursprünglich als Laudator angedacht war, aber dann abgesagt hat. Wie gesagt: Nur eine Vermutung.

Die ganze Zeremonie wurde zackig durchgeführt, sodass es keine ewig langen Reden gab und damit auch keine Langeweile aufkam. Das erfreut, denn oftmals geraten solche Veranstaltungen zäh und respektiv. Hier keine Spur davon, auch dank der mal wieder sehr souveränen und eloquente Moderation durch buten-un-binnen-Moderator Felix Krömer.

Nach einer 20minütigen Pause gab es dann im großen Theatersaal zu Ehren der Preisträgerin Vanessa Redgrave den Film „Wetherby“, welchen Laudator David Hare 1985 inszenierte. Und den dann leider nur ein Bruchteil der Anwesenden schaute. Der überwiegende Teil des Publikums netzwerkte fröhlich und laut an der Bar. Und verpasste einen durchaus interessanten Film mit den schlimmsten und schlechtesten Untertiteln, die ich jemals ertragen musste. Da wurde aus einem „Right“ (im Sinne von genau) ein „Recht“, aus „Who?“ die Weltgesundheitsorganisation „WHO“, aus Orson Welles „Orson Brunnen“ und Cilla Black „cilla-schwarz“. Und so ging das in einer Tour. Da ist die offensichtlich genutzte KI wohl noch nicht ganz ausgereift. Hätte mal jemand Reales noch mal drüber schauen sollen. Aber genug davon.

WEATHERBY
„Weatherby“ ist ein rätselhafter Film des New British Cinema, der vor allem als psychologisches Drama funktioniert. Der aber auch viele Fragezeichen beim Publikum hinterlässt. Eine alleinstehende Lehrerin (Redgrave) gibt eine Party mit zwei befreundeten Ehepaaren (darunter sind Ian Holm, Tom Wilkinson und Judy Dench). Ebenfalls anwesend ist ein junger Mann, von dem jeder denkt, die jeweils andere Person hätte ihn mitgebracht. Tatsächlich taucht er am nächsten Tag wieder bei der Lehrerin auf, gibt zu verstehen, dass er niemanden der Anwesenden kannte – und erschießt sich dann. Der Film spielt mit Rückblenden, konzentriert sich auf die Lehrerin und ihren Versuch etwas über den jungen Mann herauszufinden. Weshalb war er da? Warum brachte er sich um? Welche Beziehung hatte er zu ihr? Auch ein Polizeibeamter, der den Fall untersucht, wird hineingezogen. Es geht um verpasste Gelegenheiten, Lebenslügen und falsche Beziehungen. Irgendwann taucht eine junge Frau auf, die in einer Beziehung zum jungen Mann stand und prompt bei der Lehrerin einzieht. Aber auch die Ereignisse des Party-Abends stehen irgendwann in neuem Licht. Vanessa Redgrave spielt die Lehrerin mit starker Präsenz. Wie sie sich langsam den Lügen und Verhärmungen ihres Lebens stellt, wie es noch unter ihrer spröden Oberfläche kocht ist brillant dargestellt. Unterstützt wird sie von einem furiosen Schauspielensemble, alle voran Tim McInnerny als mysteriöser junger Mann. Ein Film der es einem nicht immer leicht macht. Der in der Zeit springt und auch nicht alles auflöst. Der aber lange im Gedächtnis bleibt.

Insgesamt war es ein sehr gelungener und kurzweiliger Abend und der perfekte Startschuss für das 11. Bremer Filmfest.

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Blu-ray-Rezension: „Das Syndikat des Grauens“

Veröffentlicht am 28. Februar 2026 von Marco Koch

Währen der neapolitanische Schmuggler Luca (Fabio Testi) und seine Mitstreiter am traditionellen Tabakschmuggel festhalten, drängt eine neue, skrupellose Gruppierung aus Marseille auf den Markt und will den deutlich profitableren Drogenhandel etablieren. Der Konflikt zwischen alter Ordnung und neuer Profitlogik führt zu Verrat, Gewalt und persönlichen Tragödien. Luca sieht sich zunehmend isoliert und muss entscheiden, ob er seine Prinzipien bewahrt oder sich den veränderten Machtverhältnissen beugt.

Man schreibt das Jahr 1980. Im Vorjahr ist Lucio Fulci mit „Woodoo – Schreckensinsel der Zombies“ in seine dritte Karrierephase gestartet. Jene Phase, die dem leider bereits 1996 verstorbenen Regisseur bis heute noch viele Fans einbringt – und auf die er zum Teil komplett reduziert wird. Man muss nicht unbedingt Fan seiner Komödien mit dem sehr anstrengenden Komiker-Duo Franco & Ciccio sein, aber sein Oeuvre hat noch viel mehr zu bieten. Gerade in den späten 60ern und frühen 70ern. Bevor Fulci sich ganz auf seine berüchtigten „Zombie“-Filme konzentrierte (von denen allerdings nur der erste ein echter Zombiefilm ist; bei den übrigen wurden vor allem durch die deutsche Titelschmiede Zombies „hinzugefügt“), entstand „Das Syndikat des Grauens“. Dessen deutscher Titel sollte „Luca, der Schmuggler“ (direkt Übersetzung des Originaltitels) höchstwahrscheinlich in die Nähe der gerade populären Horrorschocker aus Italien rücken.

„Das Syndikat des Grauens“ gehört zu den letzten Ausläufern der großen Poliziotteschi-Welle der 70er-Jahre. Hauptdarsteller Fabio Testi, der mit Fulci bereits beim Spätwestern „Zeit zu leben – Zeit zu sterben“ zusammengearbeitet hat, kennt dieses Genre gut. Vor allem zusammen mit Action-Spezialist Enzo G. Castellari hat er mit Filmen wie „Racket“ und „Dealer Connection“ (ebenfalls bei filmArt erschienen, Rezi hier) Großes fürs Genre geleistet. Aber auch in „Der Gorilla“ (ebenfalls in der FilmArt-Reihe erhältlich, Rezi hier) konnte er zeigen, dass er der richtige Darsteller für einen Poliziottesco ist. Hier passt er als Schmuggler Luca wie die sprichwörtliche Faust aufs Auge. Und das ist durchaus wörtlich zu nehmen, da Testi seinen Luca gewohnt körperlich-maskulin, wenn auch stets mit einem Hauch Melancholie, anlegt.

In Saverio Marconi hat er einen durchtriebenen Gegenspieler, der vor keiner Schandtat zurückschreckt und für seine Ziele auch einmal seine engsten Mitarbeiter und seine Geliebte eiskalt über die Klinge springen lässt. Marconi gab sein Leinwanddebüt ausgerechnet im bereits erwähnten „Der Gorilla“, wo er noch Fabio Testis kleinen Bruder spielte. Dort fiel er mit einem psychotischen Blick und aggressiver Hyperaktivität auf, die ihn zum idealen Darsteller eines unzuverlässigen, durch seine hitzige Art alle in Gefahr bringenden Kleinkriminellen machten. Hier hingegen spielt er den Intriganten schlangenhaft unterkühlt.

Neben Marconi ist der Franzose Marcel Bozzuffi als „Marseillaner“ die destruktive Kraft des Bösen. Der Mann, der von außen kommt, um die alteingesessenen italienischen Tabakschmuggler mit ihrem altmodischen Ehrenkodex auszuschalten und eine neue, „moderne“ Art des Verbrechens einzuführen: den Drogenhandel. Bozzuffi ist ein Veteran des Poliziottesco, der bereits in vielen Filmen des Genres mitwirkte – wenn auch interessanterweise fast immer als hochrangiger Polizeibeamter auf der anderen Seite des Gesetzes.

Der Konflikt zwischen Tradition und Moderne spielt die zentrale Rolle in Fulcis Film. Der Hintergrund ist dabei durchaus real. Tatsächlich gab es in den 70ern Verbindungen der Organisierten Kriminalität nach Marseille, als Marseiller Drogenexperten nach Italien geholt wurden – allerdings auf Veranlassung der sizilianischen Mafia. Diese „Konkurrenz“ zwischen Frankreich und Italien im Drogenhandel (die Italien letztlich für sich entschied) spielt in vielen italienischen Gangster- und Polizeifilmen eine Rolle. Ein interessantes Feld, dem man durchaus einmal nachgehen könnte – doch hier soll sich auf die Besprechung von „Das Syndikat des Grauens“ konzentriert werden.

Wie bereits erwähnt, steht hier der Konflikt zwischen einer (romantisierten) Tradition und der Moderne im Mittelpunkt. Wobei es diese Tradition in der Realität so nicht gab. Schon Ende der 60er-Jahre wurde auch in Neapel vom Zigarettenschmuggel auf Drogenschmuggel umgestellt. Dieses „Wir wollen mit Drogen nichts zu tun haben und bleiben beim traditionellen Schmuggel“ stammt vermutlich eher aus dem Roman (und späteren Verfilmung) „Der Pate“. In Wirklichkeit dürfte sich kaum ein Schmuggler solche Gedanken gemacht haben. Im Film funktioniert dieser Ansatz jedoch sehr gut, auch wenn dadurch mal wieder das altbekannte Bild des „guten Kriminellen“ in der „Robin-Hood“-Rolle gepflegt wird.

Am Ende sind es dann auch „die Alten“, die den Status quo wiederherstellen. Sehr gelungen sind dabei jene zunächst willkürlich und wie ein Fremdkörper wirkenden Szenen mit einem Western-Liebhaber im Pensionsalter. Der klassische Western zeigt schließlich ebenfalls ein idealisiertes Bild des „Wilden Westens“, das mit der Realität nur bedingt übereinstimmt. Somit fügt sich alles stimmig in einen Film, der durch die Hintertür vielleicht sogar sein selbst propagiertes Bild der „ehrenwerten“ neapolitanischen Unterwelt hinterfragt.

Davon abgesehen ist die Welt, die Fulci hier zeigt, keine schöne. Durch das Eindringen der fremden Übeltäter und ihrer Mitläufer innerhalb der italienischen Unterwelt existiert kein Ehrenkodex mehr. Mit unerhörter Brutalität gehen die Gegner der – dieser Widerspruch sei erlaubt – „rechtschaffenen“ Zigarettenschmuggler vor. Und Fulci scheut sich nicht, diese Brutalität auch zu zeigen. Menschen werden nicht nur getötet, sondern regelrecht zerstört.

Am Ende steht eine der widerlichsten, verstörendsten und abstoßendsten Vergewaltigungsszenen, die ich bislang im Kino erleben musste. Ein Moment, in dem sich das Blatt nicht nur für den Protagonisten Luca, sondern auch für den Zuschauer wendet. Plötzlich wünscht man sich, dass Luca einknickt, dass er aufgibt – damit diese Szene endet. Damit die betroffene Person vor dem Schlimmsten bewahrt wird. Doch er schweigt. Und man möchte ihn anschreien: „Tu doch etwas!“ Auch wenn es eine Niederlage ist – aber beende es! Eine Reaktion, die man bei sich selbst als Zuschauer nur selten erlebt.

Technisch befand sich Fulci zu dieser Zeit noch auf dem Höhepunkt seines Schaffens. Was auch an seinen herausragenden Mitarbeitern liegt. Allen voran Kameramann Sergio Salvati, mit dem Fulci bis einschließlich „Das Haus an der Friedhofsmauer“ zusammenarbeitete und der seine sogenannten „Zombiefilme“ visuell entscheidend prägte. Vincenzo Tomassi war für den Schnitt verantwortlich und blieb Fulci bis in dessen Spätwerk treu. Die großartige Filmmusik stammt einmal mehr von Fabio Frizzi, ebenfalls ein langjähriger Weggefährte Fulcis, der maßgeblich für den speziellen Sound seiner Filme verantwortlich war. Die krassen und schockierenden Effekte schließlich gehen auf das Konto von Germano Natali, der auch mit Dario Argento an dessen Meisterwerken „Deep Red“, „Suspiria“ und „Horror Infernal“ zusammenarbeitete.

Ich durfte „Das Syndikat des Grauens“ bereits zweimal von 35mm auf der großen Leinwand bewundern. Die neue Blu-ray bringt dieses Erlebnis nun adäquat auf den heimischen Bildschirm. Lange wurde auf diese Veröffentlichung gewartet – und sie dürfte eine der am meisten herbeigesehnten Blu-rays unter Italo-affinen Genrefans gewesen sein. Das lange Warten hat sich gelohnt.

Das Bild ist sehr gut. Das Filmkorn wurde beibehalten und nicht weggefiltert, so dass man ein hervorragendes Bild mit echtem Kinofeeling hat. So muss es sein. Zu Beginn kann man aus drei unterschiedlichen Anfängen wählen: Mit deutschem oder der italienischen Vorspann mit Nachtfilter oder alternativ ohne den Nachtfilter, also nicht mit dunklem blauen Nachtfilter, sondern hell und vollfarbig. Es liegen drei Tonspuren vor: Deutsch, Italienisch und Englisch. Die deutsche Tonspur klingt am Besten und lebendigsten. Die italienische und englische ist etwas leiser und klingt etwas lebloser, wobei die Sprecher der englische Version – wie damals eigentlich immer – recht künstlich/abgelesen klingen. Untertitel sind in Deutsch und Englisch vorhanden. Sehr schön auch die Extras dieser Veröffentlichung für die sich filmArt gut ins Zeug gelegt hat. Es gibt eine gute, 11-minütige Einführung von Marcus Stiglegger, die für Leute, die sich schon länger mit dem Thema beschäftigen zwar nicht viel Neues bringt, aber für Einsteiger – und an die richtet sie sich – sehr wertvoll ist. Dann unterhalten sich Patrick Lohmeier und Heiko Hartmann in einem 55-minütiger Spezial ihres Bahnhofskino-Podcasts, der vor einem starren Filmbild abgespielt werden kann, sehr ausführlich über Fulci, den Film und Begleitendes. Sehr spannend ist ein 10-minütiges Interview mit einem noch erstaunlich jung aussehenden Uwe Schier, der für die Synchronisation unzähliger „Bahnhofskinofilme“ in den 70er und frühen 80er Jahren zuständig war – und auch „Das Syndikat des Grauens“ in deutsche Kinos brachte. Neben dem deutschen, italienischen und englischen Trailer und einer Bildgalerie, muss unbedingt noch das umfangreiche Booklet erwähnt werden. Dieses wurde gemeinsam von Marcus Stiglegger und Pelle Felsch geschrieben. Es unterteilt sich in vier Abschnitte: Über Lucio Fulci, über Poliziotteschi und die bleierne Zeit in Italien Ende der 70er Jahre, über den Film selber und abschließend noch eine hübsche Würdigung Fulcis. Insgesamt also eine sehr empfehlenswerte und liebevoll gemacht Edition.

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Mein ganz persönlicher Jahresrückblick 2025

Veröffentlicht am 30. Dezember 2025 von Marco Koch

Und wieder neigt sich ein weiteres Jahr dem Ende zu und erfüllt mich mit dem Wunsch, es einmal Revue passieren zu lassen. In der Rückschau fallen mir nicht unbedingt einmalige Ereignisse ein, die es ganz besonders gemacht hätten. Zumindest auf der Filmseite und im privaten Leben. Da lief alles in normalen, geregelten Bahnen. Was ja schon mal etwas Gutes ist, wenn schon der Rest der Welt immer düsterer und verrückter (im negativen Sinne) wird. Da tut es gut, wenn man sich seine kleinen Fluchten bewahren kann.

Höhepunkte waren wieder einmal (in chronologischer Reihenfolge) der Mondo Bizarr Weekender in Düsseldorf (Ticketreservierung und Hotelbuchung für 2026 sind auch schon eingetütet), das Filmfest in Bremen (wo ich in diesem Jahr eine aktive Rolle hatte und das wirklich toll war), das Internationale Filmfest in Oldenburg (mit einem saustarken Programm), das jährliche Forentreffen mit Deliria-Italiano.de (auch dies in Düsseldorf, nächstes Jahr dann in Freiburg, worauf ich mich auch schon sehr freue – erste Weichen dafür wurden hier schon gestellt) und der wunderbare Abend bei „Monster machen mobil“ in Hamburg mit einem absoluten Traumprogramm und die erste Gelegenheit für mich „Nightmare – Mörderische Träume“ von 35mm und auf der großen Leinwand zu sehen. Ein Film, der für mich im Videothekenzeitalter super wichtig gewesen war. Nichts von all dem wäre aber dasselbe gewesen ohne die tollen Menschen, die mich dabei begleitet habe, die ich dort treffen konnte und die vielen wunderbaren Gespräche. Film und Kino, das ist für mich auch immer ein Zusammenkommen mit Freund*innen und Gleichgesinnten. Und mir sehr wichtig.

Weiter ging es auch mit unserer Reihe Weird Xperience im Cinema Ostertor. Dieses Jahr ist die Reihe scheinbar nach 13 Jahren endlich etabliert. Haben wir uns lange Zeit darüber gefreut, wenn die Zuschauerzahl es in den zweistelligen Bereich geschafft hat, so waren in diesem Jahr im Schnitt um die 45 Leute da. Viele auch, die jedes Mal kommen. Das tut gut und macht viel Freude. Unsere Vermutung ist ja, dass das Cineville-Abo dabei eine nicht kleine Rolle spielt. Aber egal – die Leute kommen wieder, haben nette Worte für uns und allein das zählt. Danke dafür!

Geschrieben habe ich auch sehr viel. Gefühlt hatte ich ständig eine Deadline vor Augen, was das Hobby oft zur Last werden ließ. Was nicht gut ist. Ich muss zusehen, dass ich da 2026 etwas kürzertrete oder zumindest mir das besser einteile. Texte habe ich natürlich für die 35 Millimeter – Das Retro-Filmmagazin, die von mir selbst verantwortete 70 Millimeter und ein Sonderheft verfasst, aber auch für drei Booklets (plus einen Audiokommentar). Da ist auch für 2026 noch was in der Pipeline.

Daher war auch auf dem Blog hier eher weniger los. Immerhin sind es (ohne diesen hier) 22 Artikel geworden. Das sind deutlich mehr als letztes Jahr und sie sind auch regelmäßiger erschienen. Finde ich jetzt nicht schlecht. Vor allem, da ich mit klangundvision.de einen weiteren Blog (über Musik) habe, den ich dieses Jahr auch regelmäßig bedient habe.

Was mich dazu bringt, weshalb ich hier relativ wenig Zeit investiere. In der Eck- und Kulturkneipe „Helga“ hier in Bremen, Stadtteil Walle, war ich auch dieses Jahr extrem aktiv. Habe dort 13 Konzerte mitveranstaltet und mir mit einem wunderbaren Sonntagnachmittag, bei dem der Bremer „Filmgelehrte“ Christian Keßler und viele Freunde zu Besuch waren, einen kleinen Wunsch erfüllt. Christians Lesung war auch eins der Highlights in diesem Jahr. Neben den Helga-Geschichten, war ich natürlich auch noch auf zahlreichen anderen Konzerten, habe sehr, SEHR viel Vinyl (und auch noch CDs) gekauft und generell hat sich einiges von der Leidenschaft Film auf die Leidenschaft Musik verschoben. Was natürlich auch Zeit wegfrisst.

Trotzdem habe ich es geschafft in diesem Jahr ganze 189 Filme zu schauen. Eigentlich sogar noch viel, viel mehr. Denn auch in diesem Jahr bin ich Mitglied der Sichtungskommission „Innovation/Experimentelles“ beim Filmfest Bremen. Und da habe ich natürlich sehr, sehr viele eingereichte Kurz- und Langfilme geschaut. Die jetzt bis auf ein paar Ausnahmen bei den Langfilmen nicht in den 189 inkludiert sind. Hier nun die obligatorischen Highlights des Jahres.

Top 10 aktuelle Filme (Produktionsjahre 2024/2025)

1. In die Sonne schauen (Mascha Schilinski, 2025)*
2. Los inocentes (Germán Tejada, 2025)* – REVIEW 
3. Flow (Gints Zilbalodis, 2024)*
4. Gatillero (Cristian Tapia Marchiori, 2025)* – REVIEW
5. Jenseits von Schuld (Katharina Köster/Katrin Nemec, 2024)* – REVIEW
6. Cocodrilos (J. Xavier Velasco, 2025)* – REVIEW
7. U Are the Universe (Pavlo Ostrikov, 2024)*
8. Reflection in a Dead Diamond (Hélène Cattet/Bruno Forzani, 2025)*
9. Like A Complete Unknown (James Mangold, 2024)*
10. Another German Tank Story (Jannis Alexander Kiefer, 2024)* – REVIEW

Top 10 ältere Filme (nur Erstsichtungen)

1. Whiplash (Damien Chazelle, 2014)
2. Hunting Ground (Jorge Grau, 1983)
3. Inside Llewyn Davis (Joel & Ethan Coen, 2013)
4. Harley Davidson 344 (James William Guercio, 1973)
5. Dogtooth (Yorgos Lanthimos, 2009)
6. Licorice Pizza (Paul Thomas Anderson, 2021)
7. Rififi am Karfreitag (John Mackenzie, 1980)
8. Die Melodie des Meeres (Tomm Moore, 2014)
9. Phase IV (Saul Bass, 1974)
10. Tödliche Ferien (Robert Fuest, 1970)

* im Kino gesehen

Ich wünsche allen meinen Leser*innen einen guten Rutsch ins neue Jahr! Bleibt gesund! Wir lesen/sehen uns wieder in 2026!

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Bericht: Das Filmmuseum Potsdam

Veröffentlicht am 19. Dezember 2025 von Marco Koch

Im Sommer war ich mit meiner Familie drei Nächte in Potsdam. Für uns alle war es der erste Besuch dort, und wir kamen aus dem Staunen nicht mehr heraus. Eine Stadt wie ein Museum. Irgendwann schaut man gar nicht mehr auf die prachtvollen Fassaden, Villen und Paläste, sondern versucht, irgendwo ein ganz normales Haus zu finden – was erstaunlich schwer ist. Alle touristischen Hotspots haben wir nicht geschafft, beschlossen aber schon, den Besuch im nächsten Jahr zu wiederholen. Eine wunderschöne Stadt.

Auf dem Programm stand natürlich auch das relativ kleine Filmmuseum, das wirklich hübsch ist. Zunächst hatten wir ein wenig Probleme, den Eingang zu finden. Denn scheinbar befand er sich früher an der Ecke des Hauses, und für Unbedarfte sieht es dort so aus, als sei er immer noch dort. Weit gefehlt: Dort ist inzwischen eine Bar. Ein sehr netter Angestellter wies uns schließlich den richtigen Weg. Aus der Bar zur Seite der Hauptstraße hinaus und dann noch ein Stück nach rechts (bzw. links, wenn man vor dem Gebäude steht), dann findet man den eher unscheinbaren Eingang.

Der Besuch ist nicht übermäßig teuer. Sehr schön fanden wir außerdem, dass wir im Foyer von einem etwas älteren Herrn angesprochen wurden, der zum Filmmuseum gehört. Ich vermute, dass er ehrenamtlich dort tätig ist – zumindest hatte ich diesen Eindruck, zumal auf seinem Namensschild ein Doktortitel prangte. Der Herr erzählte uns einiges über das Museum, seinen Aufbau und darüber, was für Kinder besonders interessant sein könnte. Er warnte uns auch davor, dass die Sonderausstellung im ersten Stock (separat vom Filmmuseum, aber im Eintrittspreis inbegriffen) möglicherweise nichts für Kinder im Alter unserer Kinder sei. Dort ging es um einen Netflix-Film, der die Entführung Adolf Eichmanns durch den Mossad und seine spätere Verurteilung in Israel thematisiert. In diesem Zusammenhang wurden Dokumente, Fotos und Filme zum Fall Eichmann gezeigt. Ich habe mir die Ausstellung später allein angesehen und denke, dass unsere Kinder sie in Begleitung durchaus hätten sehen können. Den Hinweis verstehe ich dennoch, da einiges recht hart war.

Doch zurück zum eigentlichen Museum: Im Vergleich zu dem in Berlin ist es regelrecht winzig, im Vergleich zu Düsseldorf klein. Durch die unmittelbare Nähe zum Studio Babelsberg ist es natürlich stark auf Ufa und Defa fokussiert – was für uns „Wessis“ besonders spannend ist. In Berlin und Düsseldorf (mehr Filmmuseen kenne ich bislang nicht) ist der Blick auf die deutsche Filmgeschichte stark bundesdeutsch geprägt. In Potsdam hingegen wird zunächst die Geschichte der Ufa im Deutschen Reich behandelt, anschließend die Defa als deren Fortsetzung, und nach der Wiedervereinigung schließlich Babelsberg als Filmproduktionsstandort. Auch die zahlreichen ausländischen Filmemacher*innen, die dort arbeiteten, werden berücksichtigt.

 

 

Das ist spannend, da es einerseits einen konsequenten roten Faden (Babelsberg) gibt und andererseits die Defa-Produktionen gewürdigt werden, die im Westen oft unter den Tisch fallen. Große Überraschungen bleiben zwar aus, denn die prominent präsentierten Filme waren meist auch in der BRD bekannt, etwa „Die Legende von Paul und Paula“ oder „Solo Sunny“. Die Aufbereitung ist jedoch sehr gelungen. Überall gibt es Möglichkeiten, mithilfe zusätzlicher Infotafeln, Audiostationen und Videogeräte tiefer einzutauchen. Vitrinen mit Requisiten, Modellen und Kostümen kennt man aus anderen Museen ebenfalls, hier wurden jedoch zusätzlich schöne Kulissen gebaut. Auffällig ist, wie liebevoll alles gestaltet ist. Man spürt, dass eine klare Idee dahintersteckt und sich viele Gedanken gemacht wurden.

Im hinteren Teil geht es um Technik – allerdings nicht als seelenlose Parade von Geräten, sondern interaktiv. Schnitt wird anhand eines Interviews erklärt, und man kann selbst aktiv werden, ebenso bei der Vertonung. Dafür steht ein kleines Tonstudio zur Verfügung, in dem man Filmszenen unterschiedliche Tonspuren unterlegen kann, um deren Wirkung zu vergleichen. Das ist sehr schön umgesetzt.

Den Abschluss bildet ein kleines Kino, in dem man es sich gemütlich machen und Ausschnitte aus Ufa-, Defa- und Nachwendeproduktionen ansehen kann. Die Tonqualität könnte hier besser sein, ist aber noch akzeptabel. Spaß macht es auf jeden Fall.

Als Fazit würde ich sagen, dass der Spruch „Klein, aber fein“ hier absolut zutrifft. Das Filmmuseum Potsdam ist für Filminteressierte definitiv einen Besuch wert. Da es übersichtlich ist und einem klaren roten Faden folgt, erschlägt es einen nicht, sondern führt gut durch die Ausstellung. Durch die Interaktivität und die vielen Möglichkeiten, sich intensiver mit der Filmgeschichte Babelsbergs zu beschäftigen, wird es zudem nicht langweilig.

Im Nachhinein fällt mir allerdings auf, dass das kritische Thema des Propagandafilms – das gerade in Bezug auf Babelsberg sowohl zu Ufa- als auch zu Defa-Zeiten relevant ist – sowie ein offensiver Umgang mit der nicht immer einfachen Geschichte des Standorts weitgehend ausgeblendet werden. Stattdessen konzentriert sich die Ausstellung auf positive und ruhmreiche Episoden. Lehrreich ist sie dennoch.

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Die aktuelle Ausgabe des Retro-Filmmagazin 70MM (#9) ist da

Veröffentlicht am 18. Dezember 2025 von Marco Koch

Pünktlich zum Fest ist die neunte Ausgabe des von mir als Chefredakteur betreuten Magazins „70 Millimeter“ erschienen. Dieses beschäftigt sich mit der Filmgeschichte von 1966 bis 1979.

Ich habe darin über den „Citizen Kane des Surf-Films“ geschrieben. Den eher unbekannten „Crystal Voyager“, welcher nicht nur durch die musikalische Begleitung durch Pink Floyds‘ „Echoes“ im letzten Drittel, sondern auch die spektakuläre und damals hoch innovative Kameraarbeit legendär geworden ist.

Ich habe mich auch sehr über die tollen Artikel meiner 70MM-Redakteure und der Gastautoren gefreut. So geht auch Christian Keßlers Kolumne „Christians Pizza-Stüble“ in die nächste Runde und beschäftigt sich diesmal mit italienischen Superhelden.

Die 70 Millimeter #9 gibt es HIER für 4,80 zzgl. Versand.

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DVD-Rezension: “Unter der schwarzen Flagge der Piraten“

Veröffentlicht am 15. November 2025 von Marco Koch

Die geschickte Diebin Mary Read wird verhaftet, als sie gerade als Edelmann verkleidet versucht, eine reiche Dame zu bestehlen. Sie wird in eine Zelle mit dem Sträfling Peter Goodwin geworfen, der ihre Maskerade schnell durchschaut. Die beiden verlieben sich, doch dann wird Goodwin von seinen Freunden aus dem Gefängnis geholt. Er ist nämlich ein Lord, der durch einen unglücklichen Zufall dort landete. Mary bekommt davon nichts mit, kann aber mit einem spektakulären Ausbruch entkommen. Als sie inkognito versucht, Peter zu entlasten, erfährt sie, dass er nicht nur ein reicher Lord ist, sondern sie auch vor seinen Freundinnen verspottet. Wutentbrannt heuert sie auf dem Schiff des Piratenkapitäns Poof an. Als dieser verstirbt, übernimmt sie seinen Platz und auch seinen Namen. Auch Peter verschlägt es zur See, denn durch die Flucht zur Marine versucht er, einer Hochzeit mit einer unattraktiven Dame zu entgehen. Seine erste Mission dort ist es, den Piratenkapitän Poof unschädlich zu machen…

Neben den Sandalenfilmen waren Anfang der 60er insbesondere Mantel-und-Degen-Filme italienische Exportschlager. Einer der häufigen Regisseure dieser Produktionen war Umberto Lenzi. In den vier Jahren zwischen 1961 und 1965 drehte er 12 „Ausstattungsfilme“, oftmals Abenteuer vor exotischer Kulisse, wie seine beiden „Sandokan“-Filme. „Unter der schwarzen Flagge der Piraten“ (auch bekannt als „Piratenkapitän Mary“) war sein zweiter Spielfilm. 1958 hatte er mit der griechisch-italienischen Co-Produktion „Mia Italida stin Ellada“ aka „An Italian in Greece“ debütiert. Der Film ist zugleich der untypischste Lenzi-Film überhaupt, denn es handelt sich um eine Liebeskomödie, in der ein reicher, verwöhnter Sohn sich in Griechenland in eine italienische Touristin verliebt. Nach drei Jahren Pause kehrte Lenzi auf den Regiestuhl zurück und inszenierte das Piratenabenteuer „Unter der schwarzen Flagge der Piraten“. Zur Liebeskomödie sollte er nie wieder zurückkehren.

Dass es sich um Lenzis zweiten Spielfilm handelt, merkt man nicht. Er inszeniert das Piraten-Spektakel bereits sehr routiniert, wenn auch ohne eigene Handschrift. Dies gilt allerdings auch für spätere Werke seiner Abenteuerfilm-Phase. Auch diese sind solides, funktionales Handwerk. Eine eigene Stimme fand Lenzi erst mit seinen Gialli Ende der 60er und den anschließenden Poliziotteschi – welche zu den Höhepunkten des Genres zählen. Heute identifiziert man ihn leider eher mit den Kannibalen-Schockern, die er Anfang der 80er drehte. Schade, denn gerade seine Gialli und Poliziotteschi sind pures Gold. Er selbst bevorzugte die Kriegsfilme, die er Ende der 60er/Anfang der 70er drehte und für die ihm größere Budgets und internationale Stars zur Verfügung standen.

Mit diesen Budgets kann „Unter der schwarzen Flagge der Piraten“ nicht mithalten, allerdings schafft es Lenzi, den Film nicht billig wirken zu lassen. Auch wenn es manchmal seltsam anmutet, dass Beschriftungen und Schriftstücke auf Italienisch sind, obwohl der Film laut Texttafel am Anfang in England spielen soll. Wahrscheinlich wurden einfach Kulissen und Requisiten verwendet, die gerade im Studio in Rom vorhanden waren. Aber das trägt auch zum Charme dieser Filme bei. Schwerer wiegt der Umstand, dass die männliche Hauptfigur ein unsympathischer, selbstverliebter Macho ist. Dass sich Mary sofort in diesen eitlen Fatzken verliebt und später trotz schlechter Behandlung wieder auf ihn hereinfällt, passt zu ihrem rebellisch-selbstbewussten Verhalten in anderen Situationen überhaupt nicht und schwächt die Geschichte. Andererseits gehörten diese übertriebene Männlichkeit und die Schwächen der Frauenfiguren zum damaligen Zeitbild. Heute kann man darüber wahlweise lächeln oder weinen.

Marys Schwarm Lord Peter Goodwin wird von Jerome Courtland gespielt, einem aalglatten Amerikaner, dessen breites Grinsen gut zu seiner Rolle passt. Als Mary macht Lisa Gastoni eine gute Figur, auch wenn ihre Fechtkünste etwas zu wünschen übrig lassen. Als gerissene Straßendiebin, die es bis zur Anführerin einer Piratenbande bringt, weiß sie jedoch zu überzeugen und hat die Sympathien auf ihrer Seite. Neben den beiden Hauptdarstellern hat Agostino Salvietti eine größere Rolle als Marys Großvater (zumindest in der deutschen Fassung) und sorgt ohne Innovationen für das übliche Comic Relief. Als Gaststar konnte man Walter Barnes verpflichten, der als Piratenkapitän gerne lauthals lachend den Kopf in den Nacken wirft. Überhaupt wird hier von den Piraten sehr viel gelacht.

„Unter der schwarzen Flagge der Piraten“ ist ein routinierter Abenteuerfilm mit einer selbstbewussten (wenn sie nicht gerade ihren Lord anhimmelt) Heldin und einer flott erzählten, unterhaltsamen Story. Ideal für verregnete Sonntagnachmittage: kein Meisterwerk, aber auch kein Ärgernis.

Die DVD von filmArt hat ein zufriedenstellendes SD-Bild. Wahrscheinlich war auch kein besseres Master zu finden, das eine HD-Veröffentlichung gerechtfertigt hätte. Außer der bei S-Lauten häufig zischenden deutschen Tonspur liegt keine weitere vor. Da die Filme damals ohnehin nicht mit Originalton gedreht und später auch im Herstellungsland nachsynchronisiert wurden, ist das zu verschmerzen. Zumal die deutsche Synchronisation recht gelungen ist. Als Extras gibt es außer dem deutschen Vor- und Abspann (wahrscheinlich von einer altersschwachen Kinorolle abgetastet) und Trailern keine.

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Bericht vom 32. Internationalen Filmfest Oldenburg – Tag 4

Veröffentlicht am 13. Oktober 2025 von Marco Koch

Und nun der letzte Tag in Oldenburg, den ich dann wieder allein bestritt.

Ich hatte lange überlegt, wie ich den Tag programmtechnisch gestalten sollte, da ich sehr gerne „Wolfen“ gesehen hätte. Allerdings wusste ich nicht, ob Regisseur Michael Wadleigh anwesend sein würde. Letztendlich entschied ich mich dann für „Crazy Love“, was vor allem logistischen Überlegungen geschuldet war. Der erste Film, den ich sehen wollte, lief nämlich im vielleicht schönsten Festivalkino, dem Casablanca.

Während Theaterhof und cineK quasi gegenüber in derselben Straße liegen, muss man zum Casablanca einen – im Vergleich zu anderen Festivals zugegebenermaßen kleinen – Weg in Kauf nehmen. Daher war ich mir nicht sicher, ob ich es nach dem ersten Film überhaupt rechtzeitig ins cineK schaffen würde. Wahrscheinlich hätte ich es nicht. So blieb ich stattdessen für einen zweiten Film im Casablanca. Auch wenn ich mit dem Herzen gerne „Wolfen“ gesehen hätte, war es im Nachhinein die richtige Entscheidung, um den Stresslevel niedrig zu halten.

Der Film „The Girl in the Snow“ der französischen Regisseurin Louise Hémon ist ein sehr ruhig erzählter Film, der im Nachhinein noch wächst. Hémon gelingt das Paradox, einerseits beeindruckende Naturaufnahmen der Berglandschaft in Südfrankreich zu schaffen, andererseits durch die Entscheidung für das 4:3-Format die hohen Gebirge und die Natur klaustrophobisch wirken zu lassen. Die gewaltigen Berge scheinen direkt auf die Protagonisten des Films zu drücken und ihnen den Lebensraum zu beschneiden. Der kleine, winterliche Flecken, weit abgelegen von jeder Zivilisation, wird so zu einem Gefängnis, aus dem es kein Entkommen gibt. Lediglich die Fantasie und Poesie können eine kleine Flucht aus der kargen, menschenfeindlichen Gegend ermöglichen. Doch dies wird von der Gemeinschaft – gerade von den Alten – skeptisch beäugt.

Die Geschichte spielt im Winter 1899. Während der kalten Tage ziehen die Frauen eines kleinen Bergdorfes hinunter ins Tal, um als Bedienstete der Reichen zu arbeiten. Die Alten, die Männer und die Kinder bleiben zurück. Um letztere soll sich die junge Lehrerin Aimée Lazare kümmern, die dafür aus der Stadt gekommen ist. Doch Aimée kommt mit den verschlossenen Menschen, ihren archaischen Riten, ihren Gebräuchen und ihrer Sprache (die Alten sprechen ein altertümliches Französisch, das Aimée nicht versteht) nicht zurecht. Als sie zwei Kinder badet, wird sie angegangen, da die „Dreckkruste doch das Gehirn schützt“. Ein andermal wird ihr Notizbuch entrissen und ins Feuer geworfen, da sie darin die gehörten Geschichten aufgeschrieben und diese – laut den Alten – damit gestohlen und getötet habe. So bekommt sie keinen Zugang zur Dorfgemeinschaft und wird von dieser ausgeschlossen. Doch an dem abgelegenen Ort, an dem Aimée die einzige junge Frau ist und auch sexuelle Bedürfnisse hat, kommt es bald zu ersten intimen Kontakten zwischen ihr und den Männern.

In Besprechungen des Films fällt immer wieder das Wort „Folk-Horror“, was nicht unangebracht ist, werden doch typische Themen des Genres bedient: Die Abgeschiedenheit und die Ankunft eines „aufgeklärten Menschen“, der mit alten Riten und Glaubenssätzen konfrontiert wird. Ja, sogar das Übernatürliche hat hier seinen Platz, auch wenn es fraglich ist, ob die uralte Geschichte von dem männermordenden Geist, welche sich die alten Frauen erzählen, nur eine Geschichte ist oder tatsächlich mit Aimée in Verbindung steht. Generell werden immer wieder alte Volksmärchen in die Handlung überführt.

Galatéa Bellugi spielt die Aimée hervorragend und zeichnet in Gesicht und Gestalt die Verwandlung von einer gesunden, engagierten jungen Frau zu einer kränklichen, geisterhaften Person nach. Auch die Musik weiß zu gefallen und die Geschichte zu unterstreichen. Diese erinnert wahrscheinlich nicht zufällig an Ennio Morricone, der mit „Leichen pflastern seinen Weg“ selbst einmal einen düsteren Schneefilm vertont hat. Der einzige Vorwurf, den man Louise Hémon machen könnte, ist, dass sie ein perfektes, niederschmetterndes Schlussbild gefunden hat, das einem noch lange im Kopf herumgehen würde – ginge der Film nicht noch ein paar Minuten weiter und hätte sich Hémon nicht für eine andere Auflösung entschieden. Diese funktioniert zwar auch, nimmt dem Film aber die gewaltige emotionale Wirkung, die er gehabt hätte, wäre er etwas früher zu Ende gewesen.

Danach blieb ich also im Casablanca, wo es fast nahtlos mit dem nächsten Film weiterging.

Bei „Crazy Love“ hatte ich eine durchgedrehte Komödie erwartet. Laut Regisseur Jason Byrne war der Film im Q&A auch ursprünglich als solche geplant. Nach dem ersten Drehbuchentwurf habe man aber bemerkt, dass die Geschichte mehr beinhaltet. Am Ende ist der ganze Film dann im Schnitt entstanden, den der Regisseur zusammen mit dem Kameramann Kevin Treacy vorgenommen hat. Deshalb wird Treacy nun auch als Co-Regisseur genannt und hat einen Co-Autoren-Credit bekommen.

„Crazy Love“ handelt von Clayton, einem Mann mit suizidalen Tendenzen, der sich nach einem gescheiterten Selbstmordversuch selbst in eine Klinik einweist. Dort lernt er neben einigen skurrilen Mitpatienten auch Anna, eine schizophrene Frau, kennen und lieben. Schnell wird ihm klargemacht, dass Anna die Klinik aufgrund ihrer unheilbaren Krankheit nicht verlassen kann und ihre Liebe somit keine Chance hat. Doch damit will sich Clayton nicht abfinden.

Eine gewisse Traurigkeit durchzieht den ganzen Film, denn beide Protagonisten sind sich ihrer mentalen Probleme und der daraus resultierenden Konsequenzen durchaus bewusst. Wer also eine Komödie erwartet, dürfte enttäuscht sein, obwohl der Film natürlich auch humoristische Momente hat. Hierfür sind insbesondere Claytons Mitpatienten zuständig. Gerade diese Szenen führen noch einmal das ursprüngliche Konzept des Films vor Augen, welches zugunsten eines zarten und berührenden Liebesfilms aufgegeben wurde.

Trotz der unkonventionellen Produktionsgeschichte gelingt dem Duo Byrne & Treacy ein überzeugender Film. Hierzu trägt neben einem effektiven Sounddesign, bei dem immer wieder bedrohliche Geräusche zu hören sind, vor allem die Leistung der beiden Hauptdarsteller bei. John Connor als Clayton erinnert von Sprache und Ausdruck sowohl an Ricky Gervais als auch an Benny Hill, was eine interessante Mischung ergibt. Connor erhielt in Oldenburg zu Recht den Preis als bester Darsteller (er war dann leider nicht beim Q&A zugegen – wahrscheinlich, weil er gerade auf dem Weg zur Preisverleihung war). Seine Partnerin Jade Jordan ist ein Naturtalent, das alle Facetten ihrer vielschichtigen Figur beherrscht und das man – wie Clayton es auch tut – gerne ins Herz schließt. Gewürzt wird dies alles noch durch eine gehörige Portion Kritik an einem Gesundheitssystem, in dem Menschen nur geholfen wird, wenn sie es auch bezahlen können, und bei dem nicht die Interessen der Hilfesuchenden im Vordergrund stehen, sondern die der kapitalistischen Stakeholder.

Die Crew des Films war in großer Zahl (minus Hauptdarsteller) zum Q&A erschienen und erzählte ungezwungen und charmant von den doch eher unkonventionellen Dreharbeiten.

Leider waren das dann auch die einzigen Gäste an diesem Tag, denn J. Xavier Velasco, der Regisseur von „Crocodiles“, war – im Gegensatz zum ersten Screening am Donnerstag – nicht mehr anwesend. Schade, denn von meinem Kollegen Stefan wußte ich, dass Velasco sehr viele spannende und hochinteressante Geschichten zu erzählen gehabt hätte.

Das cineK Studio war für einen Sonntagabend auch noch überraschend gut besucht.

Im Film wird über die „Crocodiles“ im Titel erzählt, dass die Bandenchefs sie sich halten und zum Spaß unliebsame Menschen lebendig an sie verfüttern. Diese Geschichte gibt den Ton für diesen Magenschwinger vor. Obwohl man die Bandenchefs nie zu Gesicht bekommt, schwebt ihr finsterer Schatten über allem und jedem. In Mexiko starben seit 2000 über 140 investigative Journalisten, was Mexiko zu einem der gefährlichsten Länder für Reporter macht. Viele dieser Verbrechen fanden in Xalapa statt, dem Handlungsort dieses Films.

Als die Journalistin Amanda zusammen mit ihrer kleinen Tochter brutal in ihrer Wohnung abgeschlachtet wird, macht sich der junge Fotoreporter Santiago daran, die Hintergründe der Tat und die Korruption innerhalb der Behörden aufzudecken.

So kennt man das auch von vielen US-Filmen. Doch im Gegensatz zu den heroischen Reportern, die in Hollywood Missstände aufdecken und mit denen wir mitfiebern, möchte man Santiago die ganze Zeit zurufen: Lass es! Denn mit seinen Recherchen bringt er nicht nur sich, sondern auch seine Liebsten in tödliche Gefahr. Die gnadenlose Brutalität der Banden und ihre Vernetzung im System ist in jeder Sekunde dieses Films spürbar. Die Spannung ergibt sich also nicht unbedingt daraus, ob Santiago bis an die Mächte im Hintergrund kommt, sondern ob er und sein geliebtes Umfeld diese Suche überleben. Die permanente Bedrohung drückt einen dabei tief in den Kinositz.

Was Santiago droht, weiß man nicht nur aufgrund der Geschichten um die titelgebenden Krokodile, die ihm ein Zeuge zitternd und unter Tränen erzählt, um dann im Schoß seiner Mutter hemmungslos weinend zusammenzubrechen. Man weiß es nicht nur durch den bestialischen Mord an Amanda und ihrer kleinen Tochter, sondern auch durch eine grandiose und bittere Szene, in der Santiago plötzlich realisiert, dass er auf einem schier endlosen Massengrab steht, und von seinen Emotionen überwältigt wird. Eine besonders erschütternde Nebengeschichte betrifft Santiagos Mutter, die, seitdem ihr Mann (ebenfalls ein Journalist, dem Santiago nacheifern will) spurlos verschwunden ist, scheinbar eine heftige Bakterien-Phobie mit Waschzwang entwickelt hat. Dies macht noch einmal deutlich, dass es hier mehr Opfer gibt, als man auf den ersten Blick sieht. Nicht nur die Toten sind Opfer, sondern auch die Überlebenden.

Dies war ein sehr starker Abschluss eines generell exzellenten Jahrgangs in Oldenburg. Vielleicht sogar einer der besten, an dem ich in den letzten 16 Jahren teilhaben durfte. Danke dafür an alle Beteiligten. Allen voran Festivalleiter Torsten Neumann, der wieder ein ganz besonderes und atmosphärisches Festival auf die Beine gestellt hat. Ich ziehe meinen Hut. Dies tue ich auch vor der gesamten Organisation, die diesmal wirklich wie am Schnürchen funktionierte, den vielen netten und entspannten Mitarbeitern sowie den zahlreichen Filmemacherinnen und -machern, die allesamt höchst informative und sympathische Q&As abhielten. Danke für die gute Zeit mit meinen Mitstreitern, für die großartigen Begegnungen und Gespräche. Es war einfach schön, und ich freue mich schon auf die Ausgabe 33!

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