Blu-ray-Rezension: “Schön, nackt und liebestoll“

Veröffentlicht am 13. Juli 2026 von Marco Koch

In Rom werden immer wieder Frauen mit durchschnittener Kehle aufgefunden. Um sie herum verstreut liegen Fotos, die die verheirateten Damen beim Ehebruch zeigen. Bei dem psychopathischen Mörder scheint es sich also um jemanden zu handeln, der es sich zur Aufgabe gemacht hat, untreue Frauen der feinen Gesellschaft ins Jenseits zu befördern. Inspektor Capuana ermittelt, kann aber den nächsten Mord nicht verhindern.

Dieser Giallo, der neben dem wunderbaren Titel „Schön, nackt und liebestoll“ (ich spare mir jetzt an dieser Stelle naheliegende Scherze darüber) auch unter dem etwas zurückhaltenderen Titel „So schön – so nackt – so tot“ firmiert, gehört zur unteren Hälfte der zweiten Liga dieses Genres. Der größte Teil des Budgets dürfte hier in die Gage des ehemaligen Hitchcock-Stars Farley Granger geflossen sein. Dieser spielt seine Rolle als Capuana dann auch professionell, aber merklich ohne allzu großen Enthusiasmus.

Der Originaltitel „Rivelazioni di un maniaco sessuale al capo della squadra mobile“, übersetzt „Geständnisse eines Sexualstraftäters gegenüber dem Leiter der Kriminalpolizei“, spielt einerseits auf Damiano Damianis Mafia-Meisterwerk „Confessione di un commissario di polizia al procuratore della repubblica“ (mit dem der Film überhaupt nichts zu tun hat) und gibt andererseits die Richtung vor, mit der das Publikum ins Kino gelockt werden soll: Sex und nackte Haut. So werden einige unnötig lange Sexszenen, u. a. zwischen Silvano Tranquilli und Nieves Navarro aka Susan Scott, eingestreut. In den USA ging man sogar noch einige Schritte weiter und schnitt den Film in einen Hardcore-Porno namens „Penetrations“ mit Harry Reems um. Worüber Farley Granger selbstverständlich nicht im Geringsten amüsiert war, da dieses Werk mit seinem Namen beworben wurde.

Was Granger möglicherweise an „Schön, nackt und liebestoll“ gereizt haben könnte, ist die Tiefgründigkeit seiner Figur. Während Inspektor Capuana zu Beginn des Films als glücklicher Ehemann und ordnungsliebender Polizist gezeigt wird, kippt dies am Ende des Films – und es zeigt sich, wie wenig es benötigt, um einen sich selbst als aufrechten Bürger definierenden Menschen auf eine Stufe mit einem wahnsinnigen Mörder zu stoßen. Unter diesem Aspekt hat der Film durchaus eine Botschaft.

Leider wird diese durch ein sehr wirres Drehbuch torpediert. Natürlich ist der italienische Giallo per se kein Genre, welches durch messerscharfe Logik glänzt. Hier hat man allerdings das Gefühl, dass die Autoren (Luigi Angelo, Italo Fasan und Regisseur Roberto Bianchi Montero) zeitweise gar nicht so recht wussten, was sie in ihrem Film eigentlich erzählen wollen. Völlig ohne Not machen sie diverse Nebenhandlungen auf, wie beispielsweise die um den wie immer wahnsinnig großartigen Luciano Rossi als nekrophilen Pathologiemitarbeiter oder die von der Tochter eines Verdächtigen und ihrem revolutionären Studentenfreund. Nur um diese auf ihrem Höhepunkt nicht weiter zu verfolgen und die Figuren abrupt aus der Handlung verschwinden zu lassen. Man hat geradezu das Gefühl, die Schauspielerinnen und Schauspieler hätten nicht mehr bezahlt werden können und wären tatsächlich spontan nach Hause gefahren. Im Gegenzug taucht am Ende eine wichtige Figur auf, die vorher noch nicht einmal erwähnt wurde.

Auch sonst bewegt sich die Plausibilität auf gewohntem Giallo-Terrain. Wie Inspektor Capuana auf wichtige Spuren kommt, ist genauso an den Haaren herbeigezogen wie die mal wieder unfassbar willkürlichen Motive des Täters. Was bleibt, sind also die Schauwerte: Die Messermorde des natürlich an den Killer aus Mario Bavas Über-Giallo „Blutige Seide“ angelehnten „Sex Maniacs“ und viel Nacktheit der weiblichen Besetzungsmitglieder. Beides wird allerdings von Roberto Bianchi Montero eher unspektakulär und nicht besonders kreativ in Szene gesetzt.

Am Ende bleibt ein zwar arg uninspirierter, aber in der richtigen Stimmung gerade aufgrund seiner offenkundigen Schwächen durchaus unterhaltsamer Vertreter des Giallo-Kinos. Man sollte nur vorher wissen, worauf man sich einlässt (was bei einem Titel wie „Schön, nackt und liebestoll“ nicht so schwer sein sollte), dann kann man durchaus seine Freude haben. Und immerhin gibt es zwei interessante Aspekte, die man dem Film zugutehalten kann: Einerseits das Verhältnis zwischen Inspektor Capuana und seiner Ehefrau, welches durch große Liebe geprägt zu sein scheint, aber dann in eine Tragödie kippt. Und dann die Grundidee, dass der Täter Frauen für ihre Untreue/Selbstbestimmtheit zum Tode verurteilt. Ein zutiefst katholischer und misogyner Blickwinkel, der zum Nachdenken anregt und sich in einen aktuellen Kontext (Stichwort: Ehrenmord) stellen lässt.

Das HD-Bild des als neunter Teil der filmArt-Giallo-Edition erschienenen „Schön, nackt und liebestoll“ ist sehr gut. Bei der leicht längeren italienischen Kinofassung, die als Extra enthalten ist, fallen die eingefügten Szenen deutlich ab. Offensichtlich stand kein HD-brauchbares Material zur Verfügung. Da die Szenen auch kurz sind, stört dies auch nicht. Der Ton wird auf Deutsch (in einer soliden Synchronisation), Englisch und Italienisch angeboten. Als Extras sei zuallererst der Audiokommentar von Christian Keßler und Prof. Dr. Markus Stiglegger erwähnt, der sehr unterhaltsam ist. Denn während Prof. Stiglegger immer wieder versucht, sich ernsthaft mit dem Film auseinanderzusetzen, schwärmt Christian Keßler auch schon mal länger über die schöne Nase einer der Darstellerinnen oder erleidet Lachanfälle. Das ergänzt sich perfekt und die beiden geben ein tolles Duo ab. Aufmerksam machen muss man auch auf das Extra, welches sich unter „Selbstlaufende Bildergalerie“ versteckt. Denn dabei handelt es sich um einen französischen Fotoroman des Films. Der ihn natürlich stark kürzt, teilweise vom Film abweicht und vor allem aus Fotos besteht, die am Set aufgenommen wurden und damit keine Bilder direkt aus dem Filmmaterial sind. Dieser alternative Blick auf die Handlung ist besonders reizvoll. Hinter dem Extra „Revelations of a Sex Maniac“ verbirgt sich ein 21-minütiges Interview mit Giorgio Gaslini, der den sehr schönen Soundtrack zu „Schön, nackt und liebestoll“ komponierte. Alle Extras inklusive Audiokommentar wurden von der alten Cinema-Obscura-DVD übernommen.

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Bericht vom 11. Filmfest Bremen – Tag 4 (Preisverleihung und letzte Filme)

Veröffentlicht am 9. Juli 2026 von Marco Koch

Am letzten Tag ging es (für mich sozusagen früh morgens) um 11:00 Uhr zur Preisverleihung des 11. Bremer Filmfests. Eine schöne Überraschung war für mich, dass Xav Clarke die musikalische Begleitung übernommen hatte. Der Gute spielte nämlich letztes Jahr in der Helga-Kneipe, wo ich als Teil der Veranstaltungsgruppe des Kneipenvereins Konzerte organisiere. Und dabei habe ich Xav nicht nur als hochtalentierten, sondern auch als supersympathischen Künstler kennengelernt. Daher habe ich mich sehr gefreut, ihn wiederzusehen und zu hören.

Auch bei dieser Abschlussveranstaltung merkte man, dass auf die Zeit geachtet und das Ganze, was bei so vielen zu vergebenden Preisen eh schon seine Zeit dauerte, nicht noch künstlich in die Länge gezogen wurde. Die Moderation übernahmen Ilona und Marc, für mich die Gesichter des Filmfests. Ich weiß natürlich, dass der Mann ganz oben an der Spitze Matthias Greving ist; aber da ich ihn immer nur bei der Gala und dem Abschluss wahrnehme, mag er der kühle Kopf sein, aber für mich schlägt das feurige Herz des Filmfests eben woanders.

Wenn man zu einer der Sichtungsgruppen gehört und auch noch Moderationen übernimmt bzw. mit seiner Kinoreihe Teil des Filmfests sein darf, dann ist man natürlich ganz besonders involviert. Als Mitglied der Sichtungskommission „Innovation“ hat man den Auswahlprozess der Filme ein halbes Jahr begleitet, in dieser Zeit Favoriten gehabt und um diese gekämpft (wobei das immer eine sehr harmonische Diskussion war). Dann hat man natürlich ein ganz anderes Verhältnis zu den Filmen und hofft, dass diese auch etwas gewinnen. Und als dann „When the Phone Rang“ und „Farewell, Emille“ jeweils einen Preis gewannen, freute mich das dann auch persönlich sehr.

Und mein Favorit aus meinen Besuchen beim Filmfest, „Dreaming of Lions“, gewann auch etwas. Wunderbar. Verkündet wurde dieser Gewinn übrigens vom Schauspieler Florian Lukas, der hier auch in der Jury saß.

Spannend auch, dass in diesem Jahr ein Film, „I Am Gitxsan“, gleich in zwei Kategorien (Publikumspreis und den neuen „Global Lokal“-Preis) gewann. Das gab es bislang auch noch nie. Den Film holte ich dann später mal nach – und der Preisregen fand völlig zu Recht statt. Und ein weiterer meiner Favoriten, „Winter of the Crow“, erhielt den 2. Preis bei der Publikumsabstimmung. Da war ich auch mit zufrieden.

Und zu guter Letzt freute ich mich auch sehr darüber, dass der extrem intensive und empfehlenswerte Dokumentarfilm „Einhundertvier“, welcher aufgrund seiner ungewöhnlichen Bildkomposition (die Leinwand ist fast immer in sechs statische Kameraeinstellungen aufgeteilt) auch in der Innovations-Sparte nominiert war, als Bester Langfilm in der Kategorie „Gateways to the World“ gewann.

Mein persönliches Highlight war dann, dass mein Bekannter Jan van Hasselt mit seinem „Manche Dinge sollten ansteckend sein“ völlig zu Recht den Preis für den besten Bremer Kurzfilm gewann. Was für ihn sichtbar eine völlige Überraschung war. Super! Gefreut habe ich mich auch für die Macherinnen der Doku „Freiraum“ über das ehemaligen Bremer Frauenprojekt Buntentor. Den muss ich unbedingt mal nachholen.

Eine wirklich schöne und gelungene Veranstaltung, die auch gleich Appetit auf das nächste Jahr machte. Und irgendwie hatte es auch etwas Familiäres, wo man sich als Teil des Festivals und diesem irgendwie zugehörig fühlte. Und nicht als „bloßer“ Zuschauer.

Da es draußen in Strömen regnete, blieben wir im Noon – dem Foyer des kleinen Theaters –, wo ich ein paar schöne Gespräche führte und mich mit Jan und Mops ablichten ließ. Zudem konnte man dort für günstiges Geld auch noch etwas zu Essen kaufen, was bei einem so langen Tag immer von Vorteil ist.

Um 17:00 Uhr ging es dann mit Kino weiter, denn in der kleinen Schauburg gab es den Film „Kein Koks für Sherlock Holmes“ in der Vanessa-Redgrave-Retro.

KEIN KOKS FÜR SHERLOCK HOLMES

Der weltberühmte Meisterdetektiv Sherlock Holmes leidet nicht nur unter seiner Drogenabhängigkeit, sondern auch an der daraus resultierenden Paranoia. Diese konzentriert sich vor allem auf einen seiner einstigen Hauslehrer, Moriarty, welchen er für ein kriminelles Genie hält, welches die ganze Welt terrorisiert. Holmes’ Freund Doktor Watson macht sich daher die größten Sorgen und lockt Holmes unter dem Vorwand, Moriarty das Handwerk zu legen, nach Wien. Dort soll der Sigmund Freud Holmes von seiner Abhängigkeit heilen. Doch in Wien angekommen, werden Holmes, Watson und Freud in einen Kriminalfall hineingezogen.

Ein durchaus ungewöhnlicher Sherlock-Holmes-Film, bei dem mehr der junge Sigmund Freud im Vordergrund steht, dessen psychologischer Ansatz es durchaus mit Holmes’ legendärer Deduktion aufnehmen kann. Dabei umschifft der Film eine genaue Genre-Zugehörigkeit. Man hätte das als Komödie inszenieren können, doch obwohl der Tonfall oft leicht ist, entscheidet sich Regisseur Herbert Ross gegen diesen Weg. Auch ein psychologisches Drama wäre möglich, doch dafür ist der Film nicht finster genug, auch wenn Holmes hier eine tragische, von Traumata gepeinigte Figur ist. Natürlich ist es irgendwo auch ein Krimi, selbst wenn die Krimihandlung nicht unbedingt im Vordergrund steht. Und am Ende ist es ein Actionfilm mit einer unfassbaren Verfolgungsjagd Zug gegen Zug.

Was man von diesem Genremix aber mit Sicherheit sagen kann, ist, dass er sehr unterhaltsam ist. Daran sind die Hauptdarsteller nicht unschuldig. Allem voran ist „Kein Koks für Sherlock Holmes“ ein Vehikel für Alan Arkin, der seinen Freud mit viel Charme und begeisterter Energie verkörpert. Nicol Williamson ist perfekt als der verzweifelte, paranoide Holmes. Und der Ur-Amerikaner Robert Duvall gibt einen überraschend britischen Watson. Und natürlich der großartige Jeremy Kemp in seiner Paraderolle als aristokratischer Fiesling Baron von Leinsdorf. Dagegen hat Schauspiellegende Sir Laurence Olivier als Moriarty nur sehr wenig zu tun. Was leider auch für Vanessa Redgrave gilt, die eine zwar wichtige Rolle innehat – allerdings nur kurz auf der Leinwand zu sehen ist.

Ein großes Plus dieses Films ist eine atemberaubende Art-déco-Ausstattung und Kostüme. Und natürlich das clevere Drehbuch des unbedingt wiederzuentdeckenden Nicholas Meyer, welches vielleicht manchmal etwas dialoglastig wirkt, aber mit seinem wilden Mix nie langweilig wird. Dafür sorgen Szenen wie das Tennisduell zwischen Freud und von Leinsdorf, der Mordanschlag per Lipizzaner und die bereits erwähnte finale Verfolgungsjagd.

Danach radelte ich blitzschnell ins Cinema, wo unser zweiter Weird-Xperience-Film „Vampire Zombies… from Space“ lief. Statt mit meinem langjährigen Partner Stefan (der im Urlaub weilte) hielt ich die Einführung diesmal mit der wunderbaren Johanna vom HyperHorrorHappening. Das war auch klasse.

VAMPIRE ZOMBIES… FROM SPACE!

Space Dracula will die Herrschaft über die Erde übernehmen, wird aber beim ersten Versuch – den er über eine Tabakplantage in der Provinz durchführt – unbeabsichtigt durch ein kleines Mädchen, welches ein Kreuz um den Hals trägt, zurückgeschlagen. 10 Jahre später kehrt er mit einer größeren Flotte und einem von seinem missratenen Sohn entwickelten Gegenmittel gegen Kreuze zurück. Dummerweise hat das Gegenmittel einen Nebeneffekt. Denn nun verwandelt sich jedes von einem „geimpften“ Vampir gebissene Wesen in einen Zombie-Vampir. Können die Bewohnerinnen und Bewohner der nahegelegenen Kleinstadt die „Vampire Zombies… From Space!“ zurückschlagen?

Diese kanadische Komödie ist eine durchaus liebevolle Hommage sowohl an Ed Woods „Plan 9 From Outer Space“ als auch an George A. Romeros „The Night of the Living Dead“. Wie diese beiden ebenfalls in Schwarz-Weiß gehalten, gibt es hier und da zahlreiche Anspielungen auf diese Klassiker und Artverwandtes.

Der erste Drehbuchentwurf entstand scheinbar schon zur Uni-Zeit der Macher. Und das merkt man auch, was man sowohl als Vor- als auch als Nachteil auffassen kann. Der Vorteil ist der spürbare Enthusiasmus und die Freude am „Anything Goes“. Da wird wild drauflos gesplattert und alle Klischees und Stereotype werden genussvoll ausgewalzt. Das macht nicht immer viel Sinn, aber man merkt den Machern den Spaß an, den sie mit dem Film hatten. Und der sich im besten Falle auf das Publikum überträgt.

Allerdings sind dementsprechend auch viele Jokes nicht immer zielsicher und tragen das „Gütezeichen“ (männlicher) Pennäler-Humor. Da hört man förmlich die Spätpubertierenden hinter der Ecke kichern. Subtilität oder feine Ironie sollte man also besser nicht erwarten. Dafür viele wirklich hübsche und einfallsreiche, von Hand gemachte Effekte. Diese wechseln sich allerdings mit sehr durchschaubaren CGI-Effekten ab, was etwas schade ist.

Die Darsteller changieren zwischen solide und „überenthusiastisch“. Auf jeden gelungenen Gag kommen mindestens drei geschmacksunsichere, die auch mal nach hinten losgehen. In der richtigen Stimmung und einem voll besetzten Kino macht der Film von Regisseur und Mit-Autor Mike Stasko sehr viel Laune. Allein vor dem Laptopbildschirm kann es etwas zäh werden.

Zum Abschluss kamen noch Ilona und Marc von der Filmfestleitung vorbei, und es gab „einen Film, der nicht genannt werden durfte“. Daran werde ich mich auch jetzt halten und lediglich erwähnen, dass dieser für offene Münder sorgte und ganz viel (positiven) Gesprächsbedarf bei einigen Zuschauern auslöste, sodass ich erst um 1:15 Uhr zu Hause war. Es waren fünf wunderbare Tage, voller toller Filme und schöner Begegnungen. Danke an Ilona und Marc, Herz & Seele des Filmfests. Johanna für die super Einführung. Und vor allem Holger Jekel für die Begleitung und gute Zeit!

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Bericht vom 11. Filmfest Bremen – Tag 3

Veröffentlicht am 26. Juni 2026 von Marco Koch

Tag 3 auf dem Filmfest Bremen, Samstag, ging sehr früh mit „Der Psycho Coach“ in der Schauburg los. Eine gelungene Komödie um einen Serienkiller im Ruhestand und einen Autor mit Eheproblemen. Der hochsympathische Regisseur Tolga Karaçelik war mit seiner bezaubernden Frau anwesend und ebenso unterhaltsam wie sein Film.

DER PSYCHO COACH

Keane ist ein Schriftsteller, dessen erstes Buch kein besonders großer Erfolg war, auch wenn er noch immer stolz darauf ist, den 1. Preis eines universitären Lesezirkels gewonnen zu haben. Sein neues Buch soll von Urmenschen und Neandertalern in der Slowakei handeln. Kein Stoff mit Publikumsappell. Da trifft es sich gut, dass Keane eines Tages von einem Unbekannten angesprochen wird, der sich als Fan seines Erstlings zu erkennen gibt und Keane vorschlägt, doch seine Lebensgeschichte in Romanform zu bringen. Denn der Mann, der sich als Kollmick vorstellt, ist Serienkiller im Ruhestand. Und so nimmt eine Handlung voller Missverständnisse ihren Lauf. Denn während Kollmick Keane in die Feinheiten des Tötens einweist, gibt dieser Kollmick gegenüber seiner Frau Suzie als Eheberater aus, der die kriselnde Beziehung der beiden kitten soll. Bald schon aber glaubt Suzie, Keane plane sie umzubringen, während dieser dank Kollmick Stress mit der lokalen Mafia bekommt.

Man sieht also, es ist viel los in dieser schwarzen Komödie, die man mit Fug und Recht als „Crowd-Pleaser“ bezeichnen kann. Mit Steve Buscemi als Kollmick befindet sich auch ein bekannter Name in der Besetzung, was bei Festivals immer für viel Publikum sorgt. Und so war auch dieser Film ausgesprochen gut besucht. Angekündigt war er unter dem Originaltitel „Psycho Therapy” (Langtitel: Psycho Therapy: The Shallow Tale of a Writer Who Decided to Write About a Serial Killer) und so bekamen vermutlich die allerwenigsten mit, dass er auch zeitgleich (sehr zum Ärger der Festivalverantwortlichen) in der ARD-Mediathek als „Der Psycho-Coach“ zu sehen war.

„Der Psycho Coach“ ist der erste englischsprachige Film des türkischen Regisseurs und Drehbuchautors Tolga Karaçelik, der diesen rasant und sehr humorvoll inszeniert. Er macht Spaß, auch wenn er dem Genre nur wenig hinzufügt. Aber er verlässt sich auf das Prinzip der fortwährenden Eskalation, was hervorragend funktioniert. Dies liegt auch an dem sehr guten Ensemble. Steve Buscemi hat sichtlich Freude an seiner Rolle als Serienkiller („Im Ruhestand!“) und John Magaro als verwuschelter Keane ist ein sympathischer Loser, den man gerne hat. Das Juwel ist allerdings Britt Lower als Keanes Ehefrau Suzie, die im Laufe des Films immer mehr eigene Abgründe offenbart.

Der Humor ist sehr schwarz, was einige im Publikum erschreckt hat, wenn hier mal ein Kopf zerplatzt oder dort jemand durchsiebt wird. Im Grunde fühlt man sich an die Zeit Mitte/Ende der 90er zurückversetzt, als der Erfolg von „Pulp Fiction“ eine ganze Reihe solcher Filme inspiriert hat. Ich hatte meine Freude.

Danach gab es eine leckere Pizza bei Vera Delizia, die so riesig war, dass ich fast „Bayaan“ im City46 verpasst hätte. Tatsächlich kamen wir an, als der Film gerade eben begonnen hatte. Leider war das Bild auf der Leinwand in diesen ersten Minuten sehr dunkel. Und erstmals wurde mir bewusst, wie vollkommen die Dunkelheit in einem Kinosaal sein kann. So stolperte ich mehr oder weniger, immer eine Hand an der Wand, nach vorne. Völlig ohne Orientierung, wo denn die Reihen anfangen und ob da überhaupt Menschen sitzen. Auch eine Erfahrung. Irgendwann entschieden wir uns dann für eine Reihe, scheuchten einige Leute auf, ich trat aus Versehen und blind auf den einen oder anderen Fuß, dann ließ ich mich endlich im Kinosessel nieder. Als das Bild auf der Leinwand heller wurde, konnte man deutlich sehen, dass alle Reihen vor uns leer waren. Man hätte also nur einen Meter weiter gehen müssen und hätte sich das Spektakel erspart. Na ja…

BAYAAN

Die junge Kommissarin Roohi wird in eine kleine Stadt in Indien geschickt. Hier soll sie die Vorgänge um einen geheimnisvollen Brief aufklären. In diesem wird dem Kultführer Maharaj vorgeworfen, minderjährige Anhängerinnen seines Kultes systematisch zu missbrauchen. Roohi ist die Tochter eines erfolgreichen Polizeibeamten, der auf der Karriereleiter gerade auf dem Sprung nach ganz oben ist. Der Job ist für sie die Chance, sich von ihm zu emanzipieren und gleichzeitig zu zeigen, dass sie eine gute Polizistin ist. Doch dies gestaltet sich schwierig, denn Roohi trifft auf eine Mauer des Schweigens. Maharaj wird hier wie ein barmherziger Gott bedingungslos verehrt und hat die Kontrolle nicht nur über die Mitglieder seines Kults, sondern auch über die ganze Stadt, die von ihm abhängig ist. Dies betrifft auch die Beamtinnen und Beamten, mit denen Roohi zusammenarbeiten muss. Nur langsam und mit viel Mühe und Anfeindungen gelingt es Roohi, ein wenig Licht ins Dunkel zu bringen.

„Bayaan“, was so viel wie „Erklärung“ bedeutet, beruht auf einer wahren Geschichte. Der Thriller gewährt nicht nur Einblicke in eine fremde Kultur, sondern seziert auch die Mechanismen von Macht und Einfluss. Maharaj ist nicht nur ein Bösewicht, sondern hat tatsächlich viel für die kleine Stadt und die Region getan. Für viele Bewohner hat er ihr Leben zum Besseren gewendet, was aber auch dazu führt, dass man von ihm abhängig ist. Einmal an die Spitze der Macht gekommen, kann Maharaj handeln, wie er will – das von ihm geschaffene System von Günstlingen, männlich, aber vor allem auch weiblich, schützt ihn. Das muss Roohi auch in ihrem eigenen Team feststellen. Zudem herrscht auch „von oben“ Zweifel daran, ob Roohi dem mächtigen und wichtigen Maharaj nicht zu nahe kommt. Und auch ihr eigener, hochangesehener Vater und ihr großes Vorbild stellt hier Karriere bei der Polizei über Integrität und möchte ihr den Fall entziehen.

Roohi kämpft also an mehreren Fronten und rennt sich wortwörtlich den Schädel ein. Nur langsam kann sie das Dickicht der Abhängigkeiten und des Glaubens an Maharaj durchdringen, und immer wieder wird sie zurückgeworfen. Es ist vor allem Huma Qureshis sehr präsenter und sensibler Darstellung der Roohi zu verdanken, dass man immer mit ihr mitfiebert. Qureshi ist ebenso verletzlich wie robust und entspricht nicht dem üblichen Klischee des Rookies, der sich beweisen muss. Dazu ist ihre Figur zu vielschichtig angelegt. Wie man hervorheben muss, dass dies für alle Charaktere in diesem Film gilt. Maharaj ist gütig und zuvorkommend – und da man seine Taten nie sieht, könnte man ihm schnell auf den Leim gehen. Man fühlt sich hier an solche Gurus wie Maharishi Mahesh Yogi oder Bikram Choudhury erinnert. Auch den Opfern fällt es schwer, ihr Schweigen zu brechen und sich von ihrem Guru abzuwenden.

Regisseur Bikas Ranjan Mishra entscheidet sich spätestens ab der Hälfte des Films, Genre-Konventionen zu folgen und Roohis Team zusammenzuschweißen, damit sie gemeinsam gegen Maharaj vorgehen und seinen Opfern eine Stimme geben. Einerseits orientiert sich der Film nun an westlichen Standards, andererseits ist er dadurch auch für ein westliches Publikum vorhersehbarer und einfacher zu konsumieren, und Mishra weiß die Spannungsschraube anzuziehen. Ein guter Film mit überzeugenden Schauspielerinnen und Schauspielern, von denen vor allem Huma Qureshi mit ihrer zurückhaltenden, aber gleichzeitig selbstbewussten Darstellung glänzt.

Danach dann allein zurück in die Schauburg. Im kleinen Saal lief der russische Film „Sanding Dreams“. Ein Familiendrama mit leichtem magischem Realismus.

SANDING DREAMS

Der hochbegabte Student Pasha hat einen großen Traum: Er will unbedingt Teil eines internationalen Raumfahrtprogramms werden, denn das Weltall hat ihn schon immer fasziniert und begeistert. Tatsächlich steht Pasha kurz davor, seinen Traum verwirklichen zu können. Doch dann erhält er einen Brief aus seinem Heimatdorf. Seine Mutter kommt nicht über den Tod des Vaters hinweg und verbringt ihre Tage im Dämmerzustand, und sein kleiner Bruder ist mit der Situation überfordert. Also macht sich Pasha auf den Weg in die Heimat. Das Dorf (eigentlich eine willkürliche Anhäufung einzelner Holzhäuser) liegt in der Nähe zum Meer inmitten einer wüstenähnlichen Umgebung, die die Häuser unter Sand zu vergraben droht. Pascha kümmert sich um seinen kleinen Bruder, der selbst ein genialer Bastler ist, und übernimmt die Aufgabe, mit dem Traktor der Familie die Häuser vom Sand zu befreien. Doch dann geschieht eine Katastrophe und Pasha weiß, dass er seine Familie nicht so einfach verlassen kann, um seinem Traum zu folgen.

Der russische Film von Anton Mamykin lebt vor allem von seinen Bildern und der in den magischen Realismus kippenden Stimmung. Das Heimatdorf von Pasha, welches langsam unter dem Sand versinkt und immer wieder freigeschaufelt werden muss, ist eine tolle Idee, die natürlich sehr zur Metapher taugt. Überhaupt die Landschaften: die unendlichen, wüstenartigen Dünen und das Meer, welches nicht so weit weg ist. Die Raketen, die von irgendwoher immer wieder aufsteigen, und die skandinavischen Fischer, denen man die Gemälde der Mutter verkaufen will.

Dies alles fügt sich zu einem sehr stimmungsvollen Gesamtbild, welches allerdings einen etwas merkwürdigen Beigeschmack hat. Denn man kann all dies auch als ein Plädoyer dafür lesen, dass man seine persönlichen Bedürfnisse denen der Familie und der Gemeinschaft unterordnen soll, um ein erfülltes Leben zu führen. Und ist nicht der allgegenwärtige Sand die Moderne, welche droht, die traditionelle Familie und die „gute alte Zeit“ zu begraben und in Vergessenheit geraten zu lassen? Liest man den Film auf diese Art und Weise, bekommt er – je nach eigener Lebensanschauung – einen unangenehmen, reaktionären Touch.

So sehr ein gewisses Pflichtgefühl eine durchaus gute Tugend ist und so schön auch das Ende geraten ist, so zwiespältig bleibt man doch auch zurück.

Beim Verlassen des Saales traf ich Norbert Paffenbichler wieder. Denn im Anschluss an „Sanding Dreams“ sollte am selben Ort die zweite Weird-Xperience-Vorstellung auf dem diesjährigen Filmfest stattfinden. Noch einmal „2551.03 – The End“ mit mir als Moderator des Q&A. Ein drittes Mal (ich hatte den Film ja auch bereits im Rahmen der Sichtungskommission „Innovation“ gesehen) habe ich ihn mir dann aber nicht mehr angeschaut. Stattdessen habe ich mich mit Regisseur Norbert Paffenbichler sehr nett im Foyer unterhalten. Und nach dem Film führten wir unsere Unterhaltung fort und als „guter Gastgeber“ habe ich ihn danach sicher durch den Werder-Fan-Mob, der gerade sehr exzessiv den Sieg über den HSV „feierte“, zum Parkhotel gebracht, wo die Filmfest-Gäste untergebracht waren. Das lag auch so halbwegs auf dem Heimweg. Ein intensiver und auch schöner Tag.

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Bericht vom 11. Filmfest Bremen – Tag 2

Veröffentlicht am 19. Juni 2026 von Marco Koch

Der zweite Tag bestätigte für mich darin, dass sich das Programm des Filmfests dieses Jahr wieder auf extrem hohem Niveau befand. Denn der Tag begann in der Schauburg gleich mit dem fantastischen „Anorgasmia“ vom isländischen Filmemacher Jon Einarsson Gustafsson, der in der Q&A sehr viel Interessantes zu erzählen hatte, wodurch ich leider die eigentlich fest eingeplant Case Study zu „2551.03 – The End“ im Institute Francais verpasst habe. Schade.

ANORGASMIA (all the things we do to survive)

Der Fotograf Sam ist Engländer – beziehungsunfähig, aber stets auf der Suche nach dem nächsten unverbindlichen, emotionslosen Sex. Die Touristin Naomi ist Französin – unsicher in ihrer Beziehung und voller Sorge, die falsche Entscheidung für ihre Zukunft zu treffen. Die beiden begegnen sich in Reykjavík, und ihre erste Begegnung ist nicht unbedingt von gegenseitiger Zuneigung geprägt. Trotzdem verbringen sie den Abend miteinander, nähern sich an, und beinahe kommt es zu einem One-Night-Stand, doch Naomi flüchtet im letzten Moment.

Eigentlich sollten sie sich danach nicht wiedersehen, doch ein Vulkanausbruch verhindert ihre Abreise in die jeweiligen Heimatländer. Sam macht sich auf, um als Erster Bilder vom Vulkan zu machen, und Naomi schließt sich ihm an. Das passt Sam zwar überhaupt nicht, doch widerwillig lässt er sich darauf ein, und so begeben sie sich gemeinsam auf die Reise.

Von hier aus könnte der Film viele wohlbekannte Wege einschlagen: Er könnte zur Romantic Comedy, zum Buddy-Movie oder zu einem kitschigen Liebesfilm werden. Doch Regisseur Rúnar Rúnarsson ignoriert all diese Routen und begleitet einfach dieses ungleiche Paar, das in seiner Verlorenheit doch auch Gemeinsamkeiten aufweist. Sam ist dabei nicht unbedingt sympathisch. Im Gegenteil: Er ist schroff, verschlossen, abweisend und trägt eine schwere Last mit sich. Auch Naomi hat ihre Probleme, ist aber auf eine Weise von Sam fasziniert und versucht, hinter seine Fassade zu blicken. Was die beiden auf ihrer Reise erleben, ist nicht sonderlich spektakulär. Es gibt keine Action, kein großes Geheimnis, und die Menschen, denen sie begegnen, sind allesamt liebenswürdig.

Weshalb ist dieser Film also ein kleines Meisterwerk? Das liegt zum einen an der isländischen Landschaft, die der gelernte Landschaftsfotograf Rúnarsson beeindruckend in Szene setzt. Noch viel mehr aber liegt es an dem Paar Sam und Naomi und ihren beiden Darstellern, Edward Hayter und vor allem der wundervollen Mathilde Warnier. Beide spielen so natürlich und unaufgeregt, dass man als Zuschauer unmittelbar mit den Figuren mitfühlt. Die Chemie zwischen ihnen springt geradezu körperlich spürbar auf das Publikum über. So überrascht es kaum, wenn der Regisseur im Publikumsgespräch verriet, dass die beiden während des Drehs ein Paar wurden und ihr erstes Kind erwarten.

Und dies ist auch absolut nachvollziehbar. Ich muss zugeben, dass auch ich mich während des Films in Mathilde Warnier (beziehungsweise ihre Figur Naomi) verliebt habe. Ihre quirlige, ein wenig verrückte und entschlossene Art, durch die aber auch eine gewisse Verletzlichkeit durchscheint, hat mich tief berührt. Umso trauriger war ich, als der Abspann lief und ich mich von ihr verabschieden musste. Getröstet wurde ich jedoch durch ein perfektes Filmende, bei dem Rúnarsson allen möglichen Fallstricken geschickt aus dem Weg geht und der Versuchung widersteht, es dem Publikum recht machen zu wollen. Der Film blieb mir so noch lange im Kopf und im Herzen. Laut Rúnarsson beruht der Film auf einem persönlichen Erlebnis – und das merkt man ihm in jeder Sekunde an.

Danach ging es mit meinem Kompagnon Holger ins Cinema, wo der koreanische Thriller „Sisterhood“ von Yoon Eun-kyoung, die ebenfalls anwesend war, lief. Yoon Eun-kyoung war bereits das zweite Mal auf dem Filmfest Bremen. Vor zwei Jahren war sie mit dem surreal-paranoiden „The Tenants“ dabei. Und jener Film, den ich später nach dem Festival schauen konnte, hatte mich damals sehr begeistern. Umso gespannter war ich auf ihren neuen Film.

SISTERHOOD

Nach ihrer Scheidung zieht die erfolgreiche Schriftstellerin Yul-hee mit ihrer Tochter in ein neues Haus. Für ihre Teenager-Tochter So-hee ist dieser Umzug nicht einfach. Sie pflegt ein gutes Verhältnis zu ihrem Vater und muss sich in der neuen Umgebung erst einen Freundeskreis aufbauen. Durch einen Zufall trifft sie auf die etwas ältere Mi-jee, die sich als glühende Verehrerin von Yul-hees letztem Buch „Sisterhood“ herausstellt. Geschmeichelt von der Bewunderung, stellt Yul-hee Mi-jee als Haushaltshilfe ein. Doch schon bald geschehen seltsame Dinge: Yul-hee und ihre Tochter entfernen sich immer mehr voneinander, und in Yul-hee wächst der Verdacht, dass Mi-jee etwas im Schilde führen könnte.

So weit, so bekannt. Tatsächlich birgt der Film für Zuschauer*innen, die bereits den einen oder anderen Film dieses Genres gesehen haben, nur wenige Überraschungen. Dies mag auch die eher unterdurchschnittliche Bewertung auf IMDb erklären. Was den Film jedoch über den üblichen Thriller-Durchschnitt hebt, sind seine Figuren. Blickt man nämlich hinter die Fassade der durchaus spannend inszenierten Thriller-Handlung, entdeckt man tiefer liegende psychologische Mechanismen.

Da ist zum einen das Verhältnis zwischen der erfolgsorientierten, vielleicht sogar krankhaft ehrgeizigen Mutter und ihrer Tochter, die sich nach einem harmonischen Zuhause sehnt. So-hee weiß nicht so recht, wo sie im Leben steht, und sucht in dieser schweren Zeit nach Führung. Sie sehnt sich einerseits nach Emanzipation von ihrer übermächtigen Mutter, andererseits aber auch nach deren Liebe und Zuwendung. Gleichzeitig quält sich Yul-hee mit dem Gedanken, ihrer Tochter nicht die Mutter sein zu können, die sie sein sollte – und es vielleicht auch gar nicht sein zu wollen, was ihr Gewissensbisse bereitet. In diesem fragilen Gefüge wird Mi-jee zum Katalysator, der die angespannte Beziehung zur Eskalation bringt. Regisseurin Yoon Eun-kyoung inszeniert die letzten 15 Minuten voller atemloser Spannung und hält dabei doch noch die eine oder andere kleine Überraschung bereit.

Auch wenn „Sisterhood“ stellenweise etwas vorhersehbar ist und nicht an die surreal-unheimliche Qualität von „The Tenants“ heranreichen kann, ist Yoon Eun-kyoung ein sehr gutes Psychodrama gelungen, das zum Ende hin noch einmal erheblich an Spannung gewinnt.

Leider mussten wir die sicherlich interessante Q&A schwänzen, da um 20:00 Singer-Songwriter Ethan Gold aus dem großartigen Film „Brother Verses Brother“ – der ebenfalls auf dem Filmfest Bremen lief – im Eisen auftreten sollte. Das war auch wunderbar, fing allerdings erst mit großer Verspätung an. Das führte dazu, das wir leider nicht das ganze Konzert mitbekamen, und eher aufbrechen musste. Denn im etwas weiter weg gelegenen City46 wartete bereits der nächste Film auf uns. Auch hier wieder: Schade.

Dort lief der grandiose „Dreaming of Lions“. Der portugiesische Film von Paolo Marinou-Blanco ist knapp vor „Anorgasmia“ mein Liebling auf dem Filmfest geworden. Paolo Marinou-Blanco war auch persönlich anwesend, erzählte interessant und wortgewandt über seinen Film und stand auch nach dem Film noch für ein Pläuschen zur Verfügung.

DREAMING OF LIONS

Gilda ist eine Brasilianerin, die in Portugal lebt. Sie hat Krebs im Endstadium und weiß, dass sie nicht mehr lange zu leben hat. Bevor ihr Zustand sich jedoch zu sehr verschlechtert und ihr Leben nur noch künstlich verlängert wird, will sie selbstbestimmt entscheiden, wann sie von dieser Welt scheidet. Sie hat die Qualen ihrer Mutter miterlebt, als diese ebenfalls an Krebs starb – eine Erfahrung, die sie sich ersparen möchte. Es ist ihr Leben, also soll es auch ihr Tod sein.

Leider gestaltet sich dieses Vorhaben komplizierter als gedacht. Ihre bisherigen Versuche gingen spektakulär schief, und die darauffolgenden Krankenhausaufenthalte und Therapien empfindet sie nur noch als lästig. Daher sucht sie professionelle Hilfe in einem Institut, das Selbsthilfegruppen für Menschen mit missglückten Suizidversuchen anbietet. Hier lernt sie den jungen Amadeu kennen, der ebenfalls an einer tödlichen Krankheit leidet und dessen Versuche, aus dem Leben zu scheiden, bislang ebenso erfolglos waren. Schon bald entwickelt sich zwischen der älteren, kratzbürstigen Gilda und dem sensiblen jungen Amadeu eine zarte Liebesgeschichte. Gemeinsam erkennen sie, dass das Institut ein einziger Schwindel ist, und beschließen, ihr Schicksal selbst in die Hand zu nehmen. Ihr Plan: auf eine spanische Insel zu reisen, wo eine Ärztin sanfte und diskrete Sterbehilfe anbieten soll.

Das klingt alles sehr schwermütig und traurig, doch Paolo Marinou-Blanco inszeniert seinen Film als unglaublich komische Ode an das Leben – zu dem eben auch der Tod gehört. Getragen wird der Film von der herausragenden Denise Fraga, die ihrer Figur eine bemerkenswerte Energie, triefenden Sarkasmus und tiefschwarzen Humor verleiht. Es ist unmöglich, für ihre Gilda keine Sympathie zu empfinden, auch wenn (oder gerade weil) sie mit pointiertem Zynismus um sich wirft. Ihr zur Seite steht João Nunes Monteiro als Amadeu, der handlungsbedingt zurückhaltender agiert, aber gerade deshalb der perfekte Partner für Denise Fraga ist. Die Liebesgeschichte, die sich zwischen ihnen entspinnt, wirkt zu keiner Sekunde aufgesetzt und entwickelt sich vollkommen natürlich. Man kann Amadeu gut verstehen, dass er sich in Gilda verliebt, die nicht nur älter ist, sondern auch charakterlich sein genaues Gegenteil darstellt. Gilda ist eine tolle, kluge und vor allem lebensbejahende Frau.

Dennoch lässt sie sich durch die Liebe von und zu Amadeu nicht von ihrem festen Wunsch abbringen, ihrem Leben ein Ende zu setzen, bevor der Krebs die Überhand gewinnt. Dazu ist ihre Persönlichkeit zu stark. Aber sie will die ihr verbleibende Zeit in vollen Zügen auskosten. Marinou-Blanco streut zudem einen Hauch von magischem Realismus in seinen Film ein: Amadeu, der als Leichenpräparator arbeitet, kann mit den Toten sprechen (oder bildet er es sich nur ein?), und Gilda durchbricht zu Beginn die vierte Wand. Auch diese Elemente fügen sich harmonisch in das Gesamtwerk ein. Ist der Film anfangs teilweise brüllend komisch, so wird er mit fortschreitender Laufzeit ruhiger, verliert aber nie seinen liebenswerten Humanismus und nimmt seine Figuren stets ernst. Marinou-Blanco hat viel über das selbstbestimmte Leben zu erzählen und nutzt den Humor seines Films, um diese Botschaft unaufdringlich in das Bewusstsein des Publikums zu schmuggeln. Ähnlich wie in dem Film „Anorgasmia“ findet er auch hier ein perfektes Ende, das jeder Versuchung der Anbiederung widersteht. Großartig gemacht, Señor Marinou-Blanco

Damit endete dieser an Highlights reicher zweite Tag auf dem 11. Filmfest Bremen.

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Bericht vom 11. Filmfest Bremen – Tag 1

Veröffentlicht am 18. Juni 2026 von Marco Koch

Der erste Tag des 11. Filmfest Bremen fing für mich beruflich bedingt etwas später an. Mein Highlight an diesem Donnerstag war es natürlich, den Film „2551.03 – The End“ im Rahmen unserer Weird-Xperience-Kooperation mit dem Filmfest moderieren zu dürfen, und die Q&A mit dem sympathischen Filmemacher Norbert Pfaffenbichler zu leiten.

Doch zuvor sah ich mir um 17:00 Uhr den Film „The Winter of the Crow“ von Kasia Adamik (Tochter von Agnieszka Holland) an, der auf einer Novelle meiner Lieblingsautorin Olga Tokarczuk beruht.

THE WINTER OF THE CROW

Die englische Psychologie-Professorin Joan Andrews wird im Winter 1981 nach Warschau eingeladen, um im dortigen Kulturpalast eine Lesung zu halten. Zu ihrem großen Ärger wird diese jedoch von protestierenden Studenten gestört. Auch sonst verläuft die Reise nicht wie vorgestellt: Statt im Hotel wird sie im Apartment ihrer polnischen Kontaktperson, der jungen Nadia, einquartiert. Als am nächsten Tag das Kriegsrecht ausgerufen wird, ist Joan von der Außenwelt abgeschnitten. Der Sprache nicht mächtig, gerät sie in einen Strudel aus Gewalt und Repression, denn Nadia und ihr Bruder gehören zum Widerstand gegen das kommunistische Regime, das eine gnadenlose Jagd auf den Untergrund macht. Bald schon wird Joan Zeugin eines politischen Mordes und gerät selbst ins Visier der Behörden.

„Winter of the Crow“ ist ein klassischer Polit- und Paranoia-Thriller vor dem historischen Hintergrund der Solidarność-Bewegung und des Kriegsrechts unter General Jaruzelski. Die Stimmung ist durchgehend trist und finster, das Bild grau und trüb. Warschau wirkt wie der siebte Kreis der Hölle – ein Labyrinth, aus dem es kein Entkommen zu geben scheint. Die unwirklichen Computergrafiken, die die Stadt ins Jahr 1981 zurückversetzen, erzeugen die Ästhetik eines dystopischen Science-Fiction-Films und fügen sich damit kongenial in die spannende Geschichte und die hervorragende Fotografie des Kameramanns Tomasz Naumiuk ein.

Getragen wird der Film von seinen herausragenden Darstellern. Allen voran brilliert Lesley Manville, die ihre „Fish out of water“-Figur facettenreich porträtiert: zunächst arrogant und unsympathisch, später bedauernswert und hilflos, aber zugleich auch kämpferisch. Sie formt einen höchst komplexen, dreidimensionalen Charakter, mit dem man bis zur letzten Minute mitfiebert.

„Winter of the Crow“ ist ein hochspannender, atmosphärischer Thriller, der sein Publikum packt und auch nach dem Ende nicht so schnell wieder loslässt. Ich kenne die zugrundeliegende Novelle von Nobelpreisträgerin Olga Tokarczuk noch nicht, bin nach diesem Film aber sehr gespannt auf die literarische Vorlage.

Bedauerlich war lediglich, dass zu dieser Vorstellung noch kein Gast anwesend sein konnte, da Co-Drehbuchautorin Sandra Buchta erst für das nächste Screening zwei Tage später anreiste.

Danach dann noch eine kurze Vorbereitung auf die Moderation. Im Foyer des Cinema entdeckte ich auch Regisseur Norbert Paffenbichler, so dass ich ein zwei Sachen vorab besprechen konnte. Dann gesellte sich noch Holger dazu, der wie ich auch zur Sichtungskommission „Innovation“ gehörte, und mit dem ich die meisten Filme beim Filmfest zusammen sehen sollte. Was sehr schön war.

2551.03 – THE END

In einer nicht allzu fernen Zukunft irrt ein Mann mit Affenmaske durch eine feindselige, dystopische Unterwelt. Er trifft auf seinen lange vermissten Sohn, gerät in die Mühlen eines absolutistischen Systems und unterzieht sich einem Geschlechterwechsel.

„2551.03 – The End“ ist der dritte Teil einer Trilogie, deren Teile aufeinander aufbauen, aber auch unabhängig voneinander funktionieren. Die Stimmung wird maßgeblich von den schroffen, zweifarbigen Bildern und dem industriellen Soundtrack getragen.

Der No-Budget-Film gleicht sein fehlendes Budget durch überbordende Kreativität und Improvisationstalent aus. Dass die Kulissen aus Sperrmüll und vor Ort vorgefundenem Material gebaut wurden, kommt der dichten Atmosphäre nur zugute. Man mag kaum glauben, dass hier kein Studio im Hintergrund stand, sondern alles in langer Kleinarbeit vom Regisseur und einer kleinen Crew geschaffen wurde. Bis auf den großartigen Kameramann Martin Putz und Regisseur Norbert Paffenbichler selbst waren keine Profis am Werk – was man dem Film erstaunlicherweise nicht ansieht.

Da der Film ohne Sprache gedreht wurde, muss sich das Publikum die Handlung rein über die Bilder erschließen. Dies funktioniert meistens sehr gut, lediglich in der Transformationsszene ist die Vorstellungskraft des Zuschauers besonders gefragt. Denn manches lässt sich hier eher erfühlen als rational verstehen. Alle Darstellerinnen und Darsteller tragen Masken, was die düstere und geheimnisvolle Stimmung weiter verstärkt. Der Film bewegt sich beinahe im Territorium von „Begotten“, erreicht jedoch nie dessen drastische Konsequenz.

Wer möchte, kann viele kluge Filmzitate entdecken. Insgesamt erschafft der Film einen verstörenden Sog aus seltsamen Bildern, dem man sich kaum entziehen kann. Stilistisch erinnert er an den bereits erwähnten „Begotten“, an die Werke von Guy Maddin, „Thunderscrack!“ und vielleicht auch ein wenig an den Landsmann Carl Andersen. Es erübrigt sich fast zu erwähnen, dass ich den Film sehr mochte. Er hätte für meinen Geschmack zwar ruhig noch etwas drastischer sein können, doch dem „normalen“ Publikum dürfte das Gesehene bereits mehr als ausgereicht haben.

Nach der schönen Q&A, die ich mit Norbert Paffenbichler halten durfte, hätte ich mich gerne noch ein wenig mit ihm unterhalten. Aber nachdem ich meine sieben Sachen zusammengerafft hatte, war er schon in die Nacht entschwunden. So tat ich es ihm dann irgendwann gleich und war verhältnismäßig früh wieder Zuhause. Am nächsten Tag ging es ja auch für meine Verhältnisse wieder früh weiter.

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Bericht vom 11. Filmfest Bremen – Die Eröffnungsgala

Veröffentlicht am 16. Juni 2026 von Marco Koch

Das Filmfest Bremen ist nun schon wieder zwei Monate her. Aufgrund anderweitiger Verpflichtungen bin ich aber bislang nicht dazu gekommen, diese wundervolle Veranstaltung – die mich in diesem Jahr wieder sehr begeistern konnte – noch einmal Revue passieren zu lassen. Wie immer begann das Filmfest Bremen mit seiner Eröffnungsgala am Mittwoch im Theater am Goetheplatz.

Wie immer wird zu diesem Anlass auch der Bremer Filmpreis vergeben. Dieser ging in diesem Jahr an Vanessa Redgrave, die aus nachvollziehbaren, gesundheitlichen Gründen leider nicht persönlich zugegen sein konnte. Sie schickte aber eine berührende Videobotschaft.

Stattdessen nahm ihre Enkelin Daisy Bevan den Goldenen Mops entgegen. Die sehr schöne und humorvolle Laudatio hielte Drehbuchautor und Regisseur David Hare, dessen Regiedebüt „Wetherby“ mit Redgrave in der Hauptrolle im Anschluss an die Gala im Theater gezeigt wurde. Per Grußvideo wurde auch noch Ralph Finnes virtuell auf die Bühne geholt. Ich vermute daher mal stark, dass er ursprünglich als Laudator angedacht war, aber dann abgesagt hat. Wie gesagt: Nur eine Vermutung.

Die ganze Zeremonie wurde zackig durchgeführt, sodass es keine ewig langen Reden gab und damit auch keine Langeweile aufkam. Das erfreut, denn oftmals geraten solche Veranstaltungen zäh und respektiv. Hier keine Spur davon, auch dank der mal wieder sehr souveränen und eloquente Moderation durch buten-un-binnen-Moderator Felix Krömer.

Nach einer 20minütigen Pause gab es dann im großen Theatersaal zu Ehren der Preisträgerin Vanessa Redgrave den Film „Wetherby“, welchen Laudator David Hare 1985 inszenierte. Und den dann leider nur ein Bruchteil der Anwesenden schaute. Der überwiegende Teil des Publikums netzwerkte fröhlich und laut an der Bar. Und verpasste einen durchaus interessanten Film mit den schlimmsten und schlechtesten Untertiteln, die ich jemals ertragen musste. Da wurde aus einem „Right“ (im Sinne von genau) ein „Recht“, aus „Who?“ die Weltgesundheitsorganisation „WHO“, aus Orson Welles „Orson Brunnen“ und Cilla Black „cilla-schwarz“. Und so ging das in einer Tour. Da ist die offensichtlich genutzte KI wohl noch nicht ganz ausgereift. Hätte mal jemand Reales noch mal drüber schauen sollen. Aber genug davon.

WETHERBY
„Wetherby“ ist ein rätselhafter Film des New British Cinema, der vor allem als psychologisches Drama funktioniert. Der aber auch viele Fragezeichen beim Publikum hinterlässt. Eine alleinstehende Lehrerin (Redgrave) gibt eine Party mit zwei befreundeten Ehepaaren (darunter sind Ian Holm, Tom Wilkinson und Judy Dench). Ebenfalls anwesend ist ein junger Mann, von dem jeder denkt, die jeweils andere Person hätte ihn mitgebracht. Tatsächlich taucht er am nächsten Tag wieder bei der Lehrerin auf, gibt zu verstehen, dass er niemanden der Anwesenden kannte – und erschießt sich dann. Der Film spielt mit Rückblenden, konzentriert sich auf die Lehrerin und ihren Versuch etwas über den jungen Mann herauszufinden. Weshalb war er da? Warum brachte er sich um? Welche Beziehung hatte er zu ihr? Auch ein Polizeibeamter, der den Fall untersucht, wird hineingezogen. Es geht um verpasste Gelegenheiten, Lebenslügen und falsche Beziehungen. Irgendwann taucht eine junge Frau auf, die in einer Beziehung zum jungen Mann stand und prompt bei der Lehrerin einzieht. Aber auch die Ereignisse des Party-Abends stehen irgendwann in neuem Licht. Vanessa Redgrave spielt die Lehrerin mit starker Präsenz. Wie sie sich langsam den Lügen und Verhärmungen ihres Lebens stellt, wie es noch unter ihrer spröden Oberfläche kocht ist brillant dargestellt. Unterstützt wird sie von einem furiosen Schauspielensemble, alle voran Tim McInnerny als mysteriöser junger Mann. Ein Film der es einem nicht immer leicht macht. Der in der Zeit springt und auch nicht alles auflöst. Der aber lange im Gedächtnis bleibt.

Insgesamt war es ein sehr gelungener und kurzweiliger Abend und der perfekte Startschuss für das 11. Bremer Filmfest.

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Blu-ray-Rezension: „Das Syndikat des Grauens“

Veröffentlicht am 28. Februar 2026 von Marco Koch

Währen der neapolitanische Schmuggler Luca (Fabio Testi) und seine Mitstreiter am traditionellen Tabakschmuggel festhalten, drängt eine neue, skrupellose Gruppierung aus Marseille auf den Markt und will den deutlich profitableren Drogenhandel etablieren. Der Konflikt zwischen alter Ordnung und neuer Profitlogik führt zu Verrat, Gewalt und persönlichen Tragödien. Luca sieht sich zunehmend isoliert und muss entscheiden, ob er seine Prinzipien bewahrt oder sich den veränderten Machtverhältnissen beugt.

Man schreibt das Jahr 1980. Im Vorjahr ist Lucio Fulci mit „Woodoo – Schreckensinsel der Zombies“ in seine dritte Karrierephase gestartet. Jene Phase, die dem leider bereits 1996 verstorbenen Regisseur bis heute noch viele Fans einbringt – und auf die er zum Teil komplett reduziert wird. Man muss nicht unbedingt Fan seiner Komödien mit dem sehr anstrengenden Komiker-Duo Franco & Ciccio sein, aber sein Oeuvre hat noch viel mehr zu bieten. Gerade in den späten 60ern und frühen 70ern. Bevor Fulci sich ganz auf seine berüchtigten „Zombie“-Filme konzentrierte (von denen allerdings nur der erste ein echter Zombiefilm ist; bei den übrigen wurden vor allem durch die deutsche Titelschmiede Zombies „hinzugefügt“), entstand „Das Syndikat des Grauens“. Dessen deutscher Titel sollte „Luca, der Schmuggler“ (direkt Übersetzung des Originaltitels) höchstwahrscheinlich in die Nähe der gerade populären Horrorschocker aus Italien rücken.

„Das Syndikat des Grauens“ gehört zu den letzten Ausläufern der großen Poliziotteschi-Welle der 70er-Jahre. Hauptdarsteller Fabio Testi, der mit Fulci bereits beim Spätwestern „Zeit zu leben – Zeit zu sterben“ zusammengearbeitet hat, kennt dieses Genre gut. Vor allem zusammen mit Action-Spezialist Enzo G. Castellari hat er mit Filmen wie „Racket“ und „Dealer Connection“ (ebenfalls bei filmArt erschienen, Rezi hier) Großes fürs Genre geleistet. Aber auch in „Der Gorilla“ (ebenfalls in der FilmArt-Reihe erhältlich, Rezi hier) konnte er zeigen, dass er der richtige Darsteller für einen Poliziottesco ist. Hier passt er als Schmuggler Luca wie die sprichwörtliche Faust aufs Auge. Und das ist durchaus wörtlich zu nehmen, da Testi seinen Luca gewohnt körperlich-maskulin, wenn auch stets mit einem Hauch Melancholie, anlegt.

In Saverio Marconi hat er einen durchtriebenen Gegenspieler, der vor keiner Schandtat zurückschreckt und für seine Ziele auch einmal seine engsten Mitarbeiter und seine Geliebte eiskalt über die Klinge springen lässt. Marconi gab sein Leinwanddebüt ausgerechnet im bereits erwähnten „Der Gorilla“, wo er noch Fabio Testis kleinen Bruder spielte. Dort fiel er mit einem psychotischen Blick und aggressiver Hyperaktivität auf, die ihn zum idealen Darsteller eines unzuverlässigen, durch seine hitzige Art alle in Gefahr bringenden Kleinkriminellen machten. Hier hingegen spielt er den Intriganten schlangenhaft unterkühlt.

Neben Marconi ist der Franzose Marcel Bozzuffi als „Marseillaner“ die destruktive Kraft des Bösen. Der Mann, der von außen kommt, um die alteingesessenen italienischen Tabakschmuggler mit ihrem altmodischen Ehrenkodex auszuschalten und eine neue, „moderne“ Art des Verbrechens einzuführen: den Drogenhandel. Bozzuffi ist ein Veteran des Poliziottesco, der bereits in vielen Filmen des Genres mitwirkte – wenn auch interessanterweise fast immer als hochrangiger Polizeibeamter auf der anderen Seite des Gesetzes.

Der Konflikt zwischen Tradition und Moderne spielt die zentrale Rolle in Fulcis Film. Der Hintergrund ist dabei durchaus real. Tatsächlich gab es in den 70ern Verbindungen der Organisierten Kriminalität nach Marseille, als Marseiller Drogenexperten nach Italien geholt wurden – allerdings auf Veranlassung der sizilianischen Mafia. Diese „Konkurrenz“ zwischen Frankreich und Italien im Drogenhandel (die Italien letztlich für sich entschied) spielt in vielen italienischen Gangster- und Polizeifilmen eine Rolle. Ein interessantes Feld, dem man durchaus einmal nachgehen könnte – doch hier soll sich auf die Besprechung von „Das Syndikat des Grauens“ konzentriert werden.

Wie bereits erwähnt, steht hier der Konflikt zwischen einer (romantisierten) Tradition und der Moderne im Mittelpunkt. Wobei es diese Tradition in der Realität so nicht gab. Schon Ende der 60er-Jahre wurde auch in Neapel vom Zigarettenschmuggel auf Drogenschmuggel umgestellt. Dieses „Wir wollen mit Drogen nichts zu tun haben und bleiben beim traditionellen Schmuggel“ stammt vermutlich eher aus dem Roman (und späteren Verfilmung) „Der Pate“. In Wirklichkeit dürfte sich kaum ein Schmuggler solche Gedanken gemacht haben. Im Film funktioniert dieser Ansatz jedoch sehr gut, auch wenn dadurch mal wieder das altbekannte Bild des „guten Kriminellen“ in der „Robin-Hood“-Rolle gepflegt wird.

Am Ende sind es dann auch „die Alten“, die den Status quo wiederherstellen. Sehr gelungen sind dabei jene zunächst willkürlich und wie ein Fremdkörper wirkenden Szenen mit einem Western-Liebhaber im Pensionsalter. Der klassische Western zeigt schließlich ebenfalls ein idealisiertes Bild des „Wilden Westens“, das mit der Realität nur bedingt übereinstimmt. Somit fügt sich alles stimmig in einen Film, der durch die Hintertür vielleicht sogar sein selbst propagiertes Bild der „ehrenwerten“ neapolitanischen Unterwelt hinterfragt.

Davon abgesehen ist die Welt, die Fulci hier zeigt, keine schöne. Durch das Eindringen der fremden Übeltäter und ihrer Mitläufer innerhalb der italienischen Unterwelt existiert kein Ehrenkodex mehr. Mit unerhörter Brutalität gehen die Gegner der – dieser Widerspruch sei erlaubt – „rechtschaffenen“ Zigarettenschmuggler vor. Und Fulci scheut sich nicht, diese Brutalität auch zu zeigen. Menschen werden nicht nur getötet, sondern regelrecht zerstört.

Am Ende steht eine der widerlichsten, verstörendsten und abstoßendsten Vergewaltigungsszenen, die ich bislang im Kino erleben musste. Ein Moment, in dem sich das Blatt nicht nur für den Protagonisten Luca, sondern auch für den Zuschauer wendet. Plötzlich wünscht man sich, dass Luca einknickt, dass er aufgibt – damit diese Szene endet. Damit die betroffene Person vor dem Schlimmsten bewahrt wird. Doch er schweigt. Und man möchte ihn anschreien: „Tu doch etwas!“ Auch wenn es eine Niederlage ist – aber beende es! Eine Reaktion, die man bei sich selbst als Zuschauer nur selten erlebt.

Technisch befand sich Fulci zu dieser Zeit noch auf dem Höhepunkt seines Schaffens. Was auch an seinen herausragenden Mitarbeitern liegt. Allen voran Kameramann Sergio Salvati, mit dem Fulci bis einschließlich „Das Haus an der Friedhofsmauer“ zusammenarbeitete und der seine sogenannten „Zombiefilme“ visuell entscheidend prägte. Vincenzo Tomassi war für den Schnitt verantwortlich und blieb Fulci bis in dessen Spätwerk treu. Die großartige Filmmusik stammt einmal mehr von Fabio Frizzi, ebenfalls ein langjähriger Weggefährte Fulcis, der maßgeblich für den speziellen Sound seiner Filme verantwortlich war. Die krassen und schockierenden Effekte schließlich gehen auf das Konto von Germano Natali, der auch mit Dario Argento an dessen Meisterwerken „Deep Red“, „Suspiria“ und „Horror Infernal“ zusammenarbeitete.

Ich durfte „Das Syndikat des Grauens“ bereits zweimal von 35mm auf der großen Leinwand bewundern. Die neue Blu-ray bringt dieses Erlebnis nun adäquat auf den heimischen Bildschirm. Lange wurde auf diese Veröffentlichung gewartet – und sie dürfte eine der am meisten herbeigesehnten Blu-rays unter Italo-affinen Genrefans gewesen sein. Das lange Warten hat sich gelohnt.

Das Bild ist sehr gut. Das Filmkorn wurde beibehalten und nicht weggefiltert, so dass man ein hervorragendes Bild mit echtem Kinofeeling hat. So muss es sein. Zu Beginn kann man aus drei unterschiedlichen Anfängen wählen: Mit deutschem oder der italienischen Vorspann mit Nachtfilter oder alternativ ohne den Nachtfilter, also nicht mit dunklem blauen Nachtfilter, sondern hell und vollfarbig. Es liegen drei Tonspuren vor: Deutsch, Italienisch und Englisch. Die deutsche Tonspur klingt am Besten und lebendigsten. Die italienische und englische ist etwas leiser und klingt etwas lebloser, wobei die Sprecher der englische Version – wie damals eigentlich immer – recht künstlich/abgelesen klingen. Untertitel sind in Deutsch und Englisch vorhanden. Sehr schön auch die Extras dieser Veröffentlichung für die sich filmArt gut ins Zeug gelegt hat. Es gibt eine gute, 11-minütige Einführung von Marcus Stiglegger, die für Leute, die sich schon länger mit dem Thema beschäftigen zwar nicht viel Neues bringt, aber für Einsteiger – und an die richtet sie sich – sehr wertvoll ist. Dann unterhalten sich Patrick Lohmeier und Heiko Hartmann in einem 55-minütiger Spezial ihres Bahnhofskino-Podcasts, der vor einem starren Filmbild abgespielt werden kann, sehr ausführlich über Fulci, den Film und Begleitendes. Sehr spannend ist ein 10-minütiges Interview mit einem noch erstaunlich jung aussehenden Uwe Schier, der für die Synchronisation unzähliger „Bahnhofskinofilme“ in den 70er und frühen 80er Jahren zuständig war – und auch „Das Syndikat des Grauens“ in deutsche Kinos brachte. Neben dem deutschen, italienischen und englischen Trailer und einer Bildgalerie, muss unbedingt noch das umfangreiche Booklet erwähnt werden. Dieses wurde gemeinsam von Marcus Stiglegger und Pelle Felsch geschrieben. Es unterteilt sich in vier Abschnitte: Über Lucio Fulci, über Poliziotteschi und die bleierne Zeit in Italien Ende der 70er Jahre, über den Film selber und abschließend noch eine hübsche Würdigung Fulcis. Insgesamt also eine sehr empfehlenswerte und liebevoll gemacht Edition.

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Mein ganz persönlicher Jahresrückblick 2025

Veröffentlicht am 30. Dezember 2025 von Marco Koch

Und wieder neigt sich ein weiteres Jahr dem Ende zu und erfüllt mich mit dem Wunsch, es einmal Revue passieren zu lassen. In der Rückschau fallen mir nicht unbedingt einmalige Ereignisse ein, die es ganz besonders gemacht hätten. Zumindest auf der Filmseite und im privaten Leben. Da lief alles in normalen, geregelten Bahnen. Was ja schon mal etwas Gutes ist, wenn schon der Rest der Welt immer düsterer und verrückter (im negativen Sinne) wird. Da tut es gut, wenn man sich seine kleinen Fluchten bewahren kann.

Höhepunkte waren wieder einmal (in chronologischer Reihenfolge) der Mondo Bizarr Weekender in Düsseldorf (Ticketreservierung und Hotelbuchung für 2026 sind auch schon eingetütet), das Filmfest in Bremen (wo ich in diesem Jahr eine aktive Rolle hatte und das wirklich toll war), das Internationale Filmfest in Oldenburg (mit einem saustarken Programm), das jährliche Forentreffen mit Deliria-Italiano.de (auch dies in Düsseldorf, nächstes Jahr dann in Freiburg, worauf ich mich auch schon sehr freue – erste Weichen dafür wurden hier schon gestellt) und der wunderbare Abend bei „Monster machen mobil“ in Hamburg mit einem absoluten Traumprogramm und die erste Gelegenheit für mich „Nightmare – Mörderische Träume“ von 35mm und auf der großen Leinwand zu sehen. Ein Film, der für mich im Videothekenzeitalter super wichtig gewesen war. Nichts von all dem wäre aber dasselbe gewesen ohne die tollen Menschen, die mich dabei begleitet habe, die ich dort treffen konnte und die vielen wunderbaren Gespräche. Film und Kino, das ist für mich auch immer ein Zusammenkommen mit Freund*innen und Gleichgesinnten. Und mir sehr wichtig.

Weiter ging es auch mit unserer Reihe Weird Xperience im Cinema Ostertor. Dieses Jahr ist die Reihe scheinbar nach 13 Jahren endlich etabliert. Haben wir uns lange Zeit darüber gefreut, wenn die Zuschauerzahl es in den zweistelligen Bereich geschafft hat, so waren in diesem Jahr im Schnitt um die 45 Leute da. Viele auch, die jedes Mal kommen. Das tut gut und macht viel Freude. Unsere Vermutung ist ja, dass das Cineville-Abo dabei eine nicht kleine Rolle spielt. Aber egal – die Leute kommen wieder, haben nette Worte für uns und allein das zählt. Danke dafür!

Geschrieben habe ich auch sehr viel. Gefühlt hatte ich ständig eine Deadline vor Augen, was das Hobby oft zur Last werden ließ. Was nicht gut ist. Ich muss zusehen, dass ich da 2026 etwas kürzertrete oder zumindest mir das besser einteile. Texte habe ich natürlich für die 35 Millimeter – Das Retro-Filmmagazin, die von mir selbst verantwortete 70 Millimeter und ein Sonderheft verfasst, aber auch für drei Booklets (plus einen Audiokommentar). Da ist auch für 2026 noch was in der Pipeline.

Daher war auch auf dem Blog hier eher weniger los. Immerhin sind es (ohne diesen hier) 22 Artikel geworden. Das sind deutlich mehr als letztes Jahr und sie sind auch regelmäßiger erschienen. Finde ich jetzt nicht schlecht. Vor allem, da ich mit klangundvision.de einen weiteren Blog (über Musik) habe, den ich dieses Jahr auch regelmäßig bedient habe.

Was mich dazu bringt, weshalb ich hier relativ wenig Zeit investiere. In der Eck- und Kulturkneipe „Helga“ hier in Bremen, Stadtteil Walle, war ich auch dieses Jahr extrem aktiv. Habe dort 13 Konzerte mitveranstaltet und mir mit einem wunderbaren Sonntagnachmittag, bei dem der Bremer „Filmgelehrte“ Christian Keßler und viele Freunde zu Besuch waren, einen kleinen Wunsch erfüllt. Christians Lesung war auch eins der Highlights in diesem Jahr. Neben den Helga-Geschichten, war ich natürlich auch noch auf zahlreichen anderen Konzerten, habe sehr, SEHR viel Vinyl (und auch noch CDs) gekauft und generell hat sich einiges von der Leidenschaft Film auf die Leidenschaft Musik verschoben. Was natürlich auch Zeit wegfrisst.

Trotzdem habe ich es geschafft in diesem Jahr ganze 189 Filme zu schauen. Eigentlich sogar noch viel, viel mehr. Denn auch in diesem Jahr bin ich Mitglied der Sichtungskommission „Innovation/Experimentelles“ beim Filmfest Bremen. Und da habe ich natürlich sehr, sehr viele eingereichte Kurz- und Langfilme geschaut. Die jetzt bis auf ein paar Ausnahmen bei den Langfilmen nicht in den 189 inkludiert sind. Hier nun die obligatorischen Highlights des Jahres.

Top 10 aktuelle Filme (Produktionsjahre 2024/2025)

1. In die Sonne schauen (Mascha Schilinski, 2025)*
2. Los inocentes (Germán Tejada, 2025)* – REVIEW 
3. Flow (Gints Zilbalodis, 2024)*
4. Gatillero (Cristian Tapia Marchiori, 2025)* – REVIEW
5. Jenseits von Schuld (Katharina Köster/Katrin Nemec, 2024)* – REVIEW
6. Cocodrilos (J. Xavier Velasco, 2025)* – REVIEW
7. U Are the Universe (Pavlo Ostrikov, 2024)*
8. Reflection in a Dead Diamond (Hélène Cattet/Bruno Forzani, 2025)*
9. Like A Complete Unknown (James Mangold, 2024)*
10. Another German Tank Story (Jannis Alexander Kiefer, 2024)* – REVIEW

Top 10 ältere Filme (nur Erstsichtungen)

1. Whiplash (Damien Chazelle, 2014)
2. Hunting Ground (Jorge Grau, 1983)
3. Inside Llewyn Davis (Joel & Ethan Coen, 2013)
4. Harley Davidson 344 (James William Guercio, 1973)
5. Dogtooth (Yorgos Lanthimos, 2009)
6. Licorice Pizza (Paul Thomas Anderson, 2021)
7. Rififi am Karfreitag (John Mackenzie, 1980)
8. Die Melodie des Meeres (Tomm Moore, 2014)
9. Phase IV (Saul Bass, 1974)
10. Tödliche Ferien (Robert Fuest, 1970)

* im Kino gesehen

Ich wünsche allen meinen Leser*innen einen guten Rutsch ins neue Jahr! Bleibt gesund! Wir lesen/sehen uns wieder in 2026!

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Bericht: Das Filmmuseum Potsdam

Veröffentlicht am 19. Dezember 2025 von Marco Koch

Im Sommer war ich mit meiner Familie drei Nächte in Potsdam. Für uns alle war es der erste Besuch dort, und wir kamen aus dem Staunen nicht mehr heraus. Eine Stadt wie ein Museum. Irgendwann schaut man gar nicht mehr auf die prachtvollen Fassaden, Villen und Paläste, sondern versucht, irgendwo ein ganz normales Haus zu finden – was erstaunlich schwer ist. Alle touristischen Hotspots haben wir nicht geschafft, beschlossen aber schon, den Besuch im nächsten Jahr zu wiederholen. Eine wunderschöne Stadt.

Auf dem Programm stand natürlich auch das relativ kleine Filmmuseum, das wirklich hübsch ist. Zunächst hatten wir ein wenig Probleme, den Eingang zu finden. Denn scheinbar befand er sich früher an der Ecke des Hauses, und für Unbedarfte sieht es dort so aus, als sei er immer noch dort. Weit gefehlt: Dort ist inzwischen eine Bar. Ein sehr netter Angestellter wies uns schließlich den richtigen Weg. Aus der Bar zur Seite der Hauptstraße hinaus und dann noch ein Stück nach rechts (bzw. links, wenn man vor dem Gebäude steht), dann findet man den eher unscheinbaren Eingang.

Der Besuch ist nicht übermäßig teuer. Sehr schön fanden wir außerdem, dass wir im Foyer von einem etwas älteren Herrn angesprochen wurden, der zum Filmmuseum gehört. Ich vermute, dass er ehrenamtlich dort tätig ist – zumindest hatte ich diesen Eindruck, zumal auf seinem Namensschild ein Doktortitel prangte. Der Herr erzählte uns einiges über das Museum, seinen Aufbau und darüber, was für Kinder besonders interessant sein könnte. Er warnte uns auch davor, dass die Sonderausstellung im ersten Stock (separat vom Filmmuseum, aber im Eintrittspreis inbegriffen) möglicherweise nichts für Kinder im Alter unserer Kinder sei. Dort ging es um einen Netflix-Film, der die Entführung Adolf Eichmanns durch den Mossad und seine spätere Verurteilung in Israel thematisiert. In diesem Zusammenhang wurden Dokumente, Fotos und Filme zum Fall Eichmann gezeigt. Ich habe mir die Ausstellung später allein angesehen und denke, dass unsere Kinder sie in Begleitung durchaus hätten sehen können. Den Hinweis verstehe ich dennoch, da einiges recht hart war.

Doch zurück zum eigentlichen Museum: Im Vergleich zu dem in Berlin ist es regelrecht winzig, im Vergleich zu Düsseldorf klein. Durch die unmittelbare Nähe zum Studio Babelsberg ist es natürlich stark auf Ufa und Defa fokussiert – was für uns „Wessis“ besonders spannend ist. In Berlin und Düsseldorf (mehr Filmmuseen kenne ich bislang nicht) ist der Blick auf die deutsche Filmgeschichte stark bundesdeutsch geprägt. In Potsdam hingegen wird zunächst die Geschichte der Ufa im Deutschen Reich behandelt, anschließend die Defa als deren Fortsetzung, und nach der Wiedervereinigung schließlich Babelsberg als Filmproduktionsstandort. Auch die zahlreichen ausländischen Filmemacher*innen, die dort arbeiteten, werden berücksichtigt.

 

 

Das ist spannend, da es einerseits einen konsequenten roten Faden (Babelsberg) gibt und andererseits die Defa-Produktionen gewürdigt werden, die im Westen oft unter den Tisch fallen. Große Überraschungen bleiben zwar aus, denn die prominent präsentierten Filme waren meist auch in der BRD bekannt, etwa „Die Legende von Paul und Paula“ oder „Solo Sunny“. Die Aufbereitung ist jedoch sehr gelungen. Überall gibt es Möglichkeiten, mithilfe zusätzlicher Infotafeln, Audiostationen und Videogeräte tiefer einzutauchen. Vitrinen mit Requisiten, Modellen und Kostümen kennt man aus anderen Museen ebenfalls, hier wurden jedoch zusätzlich schöne Kulissen gebaut. Auffällig ist, wie liebevoll alles gestaltet ist. Man spürt, dass eine klare Idee dahintersteckt und sich viele Gedanken gemacht wurden.

Im hinteren Teil geht es um Technik – allerdings nicht als seelenlose Parade von Geräten, sondern interaktiv. Schnitt wird anhand eines Interviews erklärt, und man kann selbst aktiv werden, ebenso bei der Vertonung. Dafür steht ein kleines Tonstudio zur Verfügung, in dem man Filmszenen unterschiedliche Tonspuren unterlegen kann, um deren Wirkung zu vergleichen. Das ist sehr schön umgesetzt.

Den Abschluss bildet ein kleines Kino, in dem man es sich gemütlich machen und Ausschnitte aus Ufa-, Defa- und Nachwendeproduktionen ansehen kann. Die Tonqualität könnte hier besser sein, ist aber noch akzeptabel. Spaß macht es auf jeden Fall.

Als Fazit würde ich sagen, dass der Spruch „Klein, aber fein“ hier absolut zutrifft. Das Filmmuseum Potsdam ist für Filminteressierte definitiv einen Besuch wert. Da es übersichtlich ist und einem klaren roten Faden folgt, erschlägt es einen nicht, sondern führt gut durch die Ausstellung. Durch die Interaktivität und die vielen Möglichkeiten, sich intensiver mit der Filmgeschichte Babelsbergs zu beschäftigen, wird es zudem nicht langweilig.

Im Nachhinein fällt mir allerdings auf, dass das kritische Thema des Propagandafilms – das gerade in Bezug auf Babelsberg sowohl zu Ufa- als auch zu Defa-Zeiten relevant ist – sowie ein offensiver Umgang mit der nicht immer einfachen Geschichte des Standorts weitgehend ausgeblendet werden. Stattdessen konzentriert sich die Ausstellung auf positive und ruhmreiche Episoden. Lehrreich ist sie dennoch.

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Die aktuelle Ausgabe des Retro-Filmmagazin 70MM (#9) ist da

Veröffentlicht am 18. Dezember 2025 von Marco Koch

Pünktlich zum Fest ist die neunte Ausgabe des von mir als Chefredakteur betreuten Magazins „70 Millimeter“ erschienen. Dieses beschäftigt sich mit der Filmgeschichte von 1966 bis 1979.

Ich habe darin über den „Citizen Kane des Surf-Films“ geschrieben. Den eher unbekannten „Crystal Voyager“, welcher nicht nur durch die musikalische Begleitung durch Pink Floyds‘ „Echoes“ im letzten Drittel, sondern auch die spektakuläre und damals hoch innovative Kameraarbeit legendär geworden ist.

Ich habe mich auch sehr über die tollen Artikel meiner 70MM-Redakteure und der Gastautoren gefreut. So geht auch Christian Keßlers Kolumne „Christians Pizza-Stüble“ in die nächste Runde und beschäftigt sich diesmal mit italienischen Superhelden.

Die 70 Millimeter #9 gibt es HIER für 4,80 zzgl. Versand.

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