Filmforum Bremen

Bericht vom 33. Internationalen Filmfest Oldenburg – Tag 3

Veröffentlicht am 5. November 2026 von Marco Koch

Am dritten Tag hatte ich auf dem Internationalen Filmfest Oldenburg wieder Begleitung. Stefan und Holger gestellten sich dazu. Den ersten Film schaute ich allerdings allein. Im Vorfeld war ich von Regisseur Boris Mojsovski angeschrieben worden (seltsamerweise über meine Weird-Xperience-Adresse), sich für meine Vorabberichterstattung bedankt und seiner Hoffnung Ausdruck gegeben, dass ich mir seinen Film auch im Kino anschauen würde. Ursprünglich hatte das gar nicht in meinen Guck-Fahrplan gepasst, aber dadurch, dass ich diesen aufgrund der ausverkauften Vorstellung von „Big Daddy’s Flowers“ umwerfen musste, passte es dann doch. Was mich im Nachhinein sehr freute.

FOREIGN TONGUE ist eine erfrischende Mischung aus RomCom und Hinweis auf soziale Ungerechtigkeit und Vorurteile. Mit einem Hauch von Fantasy. Wobei die das Leiden der Protagonistin auf einer realen Krankheit beruht. Tatsächlich ist es in sehr seltenen Fällen schon passiert, dass jemand aus einem Koma erwacht ist und plötzlich in einer ihm fremden Sprache kommunizierte.

Der Kanadierin Kathy geschieht ähnliches. Die junge Frau lebt ein ziemlich einsames und leeres Leben. Sie hat zusammen mit ihrer Schwester eine Personalagentur. Aber das ist schon so ziemlich einzige Kontakt, den sie zu anderen Menschen hat. Sie versucht über Online-Dating einen Partner zu finden, doch dies erweist sich als ziemlich katastrophal. Mittlerweile hat Kathy auch einen Hang zum Zynismus und ein mittelschweres Alkoholproblem entwickelt. Letzteres sorgt dafür, dass sie bei einer bizarren Speed-Dating-Party mit dem Kopf an eine Tischkante schlägt und ins Koma fällt. Als sie aufwacht, spricht sie mit einem starken bosnischen Akzent.

Auf einmal wird Kathy damit konfrontiert, was es heißt, fremd in einem Land zu sein. Als Schutzengel steht ihr die Schauspielerin Visnja zur Seite. Einst in ihrem Heimatland ein gefeierter Filmstar, nun in Kanda Putzfrau im Krankenhaus. Sie führt Kathy in die Community der Migranten ein, wo diese sich den Namen „Emila“ gibt. Kathy fühlt sich dort wohl, hat erstmals ein Umfeld, indem Menschen füreinander einstehen, Gefühle und eine Geschichte haben. Vor allem lernt sie hier aber David kennen. Einen gutaussehenden, sympathischen und reichen Kanadier, der eine Filmprojekt durchführt, mit dem er die Community unterstützt.

Dieser Teil des Drehbuchs ist einerseits der schwächere, denn die „Märchenprinz“-Ebene unterstreicht zwar den magischen Anteil des Filmes, wirkt andererseits dann auch wie das Klischee eines billigen Liebesromans. David ist dann aber auch die Figur, die den „Comedy“-Anteil ins Rollen bringt. Denn Kathy tut nun alles, um vor David nicht aufzufliegen, da dieser eine große Faszination für die ihm fremde Community und vor allem die „Bosnierin“ Kathy entwickelt hat. Dieser Teil ist dann auch recht vorhersagbar.

Ganz anders sieht es aus, wenn der Film sich der Community und den Teilnehmer*innen eines Kurses zur korrekten englischen Aussprache zuwendet. Hier sind die Figuren bunt und bekommen die Möglichkeit zu glänzen und ihre Geschichte zu erzählen. Wie schwer es ist, akzeptiert zu werden, wenn die Sprache einen als jemanden aus einem „zweitklassigen“ Land verrät.

Die wunderbarste und intensivste Szene gehört dann auch dem iranischen Ingenieur Faroukh (gespielt von Cas Anvar), der in seinem Heimatland Brücken baute und weltweit ein gefragter Spezialist war – nun in Kanda aber wieder zur Schule gehen soll, um eine Hilfstätigkeit annehmen zu müssen. Ihm gehört eine großartige Solo-Szene, in der all die Frustration, die Zurückweisung, das Kleinmachen, Nicht-Anerkennen und der alltägliche Kampf mit Rassismus aus einem verzweifelten Faroukh hrvorbricht.

Eine ähnlich starke Szene wird Visnja gegeben, die bei einem Vorsprechen die Verantwortlichen zu Tränen rührt, dann aber der dann doch lieber genommenen kanadischen Schauspielerin beibringen soll, wie die Rolle zu spielen sei. Diese harten Themen werden in eine wunderbare Herzlichkeit gepackt, die aus dem Film heraus auf das Publikum überspringt.

Hervorheben muss man hier auch die fabelhafte Kimberly-Sue Murray, die Kathy so brillant spielt, dass man sich einfach in sie verlieben muss und mit ihr mitfiebert. Murray ist das Zentrum und das Herz des Films, die anderen großartig aufspielenden Schauspieler*innen der Körper. Hier muss man unbedingt auch Cynthia Ashperger erwähnen, die unter ihrem Geburtsnamen Cintija Asperger im früheren Jugoslawien als Schauspielerin gearbeitet hatte und auch die Idee für den Film hatte, sowie am Drehbuch mitschrieb. Hier sollte auch noch erwähnt werden, dass auch Regisseur Boris Mojsovski ursprünglich aus Bosnien stammt und selber Erfahrungen damit hat, wie es ist, in einem neuen Land Fuss fassen zu müssen.

Ein sehr schöner Film, der das Herz berührt und zum Schmunzeln anregt. Und über dessen realen Hintergrund man noch länger nachdenkt. Völlig zurecht gewann er dann auch den Publikumspreis des Filmfests.

Das Genre des Gefängnisfilms folgt oftmals bestimmten Formen und Mustern. Daher zählt es nicht unbedingt zu meinem Lieblingsgenres. Ausnahmen bestätigen immer wieder die Regel, trotzdem hätte BRUTON nicht unbedingt oben auf meiner Liste gestanden, wenn Regisseur Vincent Grashaw nicht im Vorjahr den sehr guten KEEP QUITE in Oldenburg gezeigt hätte. Hier bewies Grashaw bereits sein Talent lebensechte Figuren und Milieus zu inszenieren. Und auch bei BRUTON gelingt ihm dies wieder.

BRUTON erzählt die Lebensgeschichte von Bryan Bruton, der sich eine kleine Karriere mit Rauschgifthandel aufgebaut hat. Als die Tochter einer kriminellen Familie, die er mit Drogen versorgt, behauptet von ihm schwanger zu sein, kommt es zum Konflikt, bei dem es ein Todesopfer gibt und Bruton für mehrere Jahre im Knast verschwindet. Hier braut er sich ein erfolgreiches Schatten-Unternehmen auf, doch dies weckt Begehrlichkeiten bei der herrschenden Knast-Clique, was zu einer tödlichen Auseinandersetzung führt und in Bruton die Erkenntnis weckt, dass er um zu Überleben schnell raus muss. So schmiedet er einen Fluchtplan, bei dem eine der Wärterinnen eine entscheidende Rolle einnimmt.

Grashaw erzählt in seinem Film mehrere Geschichten, die aber perfekt ineinander gewoben wurden und dem Film zum Vorteil gereicht. Denn immer, wenn man aufgrund der vielen Gefängnisfilme, die man so gesehen hat, denkt, man weiß, wie der Hase läuft und was als nächstes passiert, ändert sich die Richtung und der Ton. Erzählt der Film erst in durchaus leichtem Ton, wie Bruton mit ein paar Freunden dem System ein Schnippchen schlägt und sozusagen erfolgreicher Unternehmer wird, so wird es nach einem tödlichen Zwischenfall sehr viel düsterer.

Wenn Bruton dann seinen Fluchtplan schmiedet und umsetzt, führt dies zu einigen bizarren-schwarzhumorigen Situationen. Doch wenn Bruton dann wieder im Gefängnis ist und das System mit voller Härte zuschlägt, dann leidet man mit Bruton mit, ist der Film eine kraftvolle Anklage gegen das Gefängnis- und Justizsystem in Florida. Brutons Hauptanliegen ist es, seine geliebte Tochter sehen zu dürfen. Doch dies wird ihm verwehrt. Bruton kämpft im Gefängnis dafür, seine mittlerweile 17jährige Tochter außerhalb. Die Verzweiflung, die beide immer wieder überkommt, ist praktisch fühlbar und großes, intensives Kino.

Theo Rossi spielt Bruton so authentisch, dass man Mühe hat, Schauspieler und Rolle auseinanderzuhalten. Hervorzuheben ist auch, dass die Figur des Bruton nicht eindimensional gezeichnet wird, sondern wirkliche Tiefe hat und im Rahmen der Handlung auch dazulernt und eine Wandlung durchmacht. Nein, Bruton ist kein unschuldig im Knast gelandeter Engel. Er nutzt beispielsweise skrupellos die Einsamkeit einer seiner Wärterinnen aus, um zu bekommen, was er braucht. Tammy Blanchard verleiht dieser verlorenen Seele viel Persönlichkeit, mit der man mitleidet und nur allzu gut versteht, weshalb sie auf Bruton reinfällt und welche traurigen Sehnsüchte in ihr schlummern.

Zum Screening waren nicht nur Vincent Grashaw mit seinem Produzenten zu Gast, sondern auch der echte Bryan Bruton! Da war es natürlich hochspannend, was er der charismatische Mann (der so ganz anders aussieht als sein schauspielerisches Double) so alles zu erzählen hatte.

Produzent, Vincent Grashaw, Bryan Bruton, Moderatorin

Nach der schweren Kost ging es rüber ins Casablanca, wo der neue Quentin Dupieux auf der Speisekarte stand. Auf dem Weg dorthin kamen wir am Pferdemarkt an einem Autokino vorbei, in dem DEATH PROOF vom anderen Quentin gezeigt wurde. Das war natürlich im Rahmen der Zoe-Bell-Retro und vom Filmfest Oldenburg organisiert. Ganz große klasse! Und es wurde auch zahlreich genutzt. Imbiss-Stände waren auch aufgebaut. Eine ganz tolle Aktion, wie man sie glaube ich nicht nur vom Filmfest Oldenburg erwarten kann.

FULL PHIL entpuppte sich wie erwartet als typischer Dupieux-Wahnsinn. Prominent besetzt mit Woody Harrelson und Kirsten Stewart. Beide hatten offensichtlich Spaß an ihren Rollen als Vater und Tochter auf „Annäherungskurs“ in einem Pariser Luxushotel. Das heißt „L’Argento“ und einer der Angestellten dort trägt eine Namensplakette auf der „Dario“ steht. Nebenbei sieht sich Kirsten Stewart einen trashigen Schwarz-Weiß-Creature-Feature, welches ebenso bizarr wie das ist, was sich im Hotel „L’Argento“ zuträgt.

Man sollte hier nicht zu viel verraten, um den Spaß nicht zu verderben. Denn eine der Hauptfreuden ist es, ständig mit großen Augen „WTF!“ zu denken. Alles drin: Paranoia, Body-Horror, Drama und Pümpel. Großartig: Die mir vorher unbekannte Charlotte Le Bon als fürsorgliche Hotelangestellte, die aufpasst, dass der von Woody Harrelson gespielte Vater nicht gewalttätig wird. Die kurzen 78 Minuten rasen nur so vorbei.

Als wir aus dem Kino kamen, war das Autokino und alle Spuren davon schon restlos verschwunden. Das nötigte uns dann noch einmal ordentlich Respekt ab. Durch die Nacht ging es dann zurück nach Bremen.

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Bericht vom 33. Internationalen Filmfest Oldenburg – Tag 2

Veröffentlicht am 2. November 2026 von Marco Koch

Trotz eines enormen Verkehrschaos durch einen auf der B6 abgebrannten LKW und dem damit verbundenen Problem aus Bremen rauszukommen, schaffte ich es am Freitag über Schleichwege pünktlich nach Oldenburg im cineK Studio.

Der nordmazedonische Thriller YOU WON‘T BELIEVE WHAT HAPPENED BEFORE zeichnet das Heimatland des Regisseurs Srdjan Janicijevic als einen höllischen Ort voller Korruption und Mächten, die innerhalb weniger Minuten über Leben und Tod der Bürger*innen entscheiden können. Wo homophobe Übergriffe genauso zur Tagesordnung gehören, wie Attentate auf unliebsamen Journalisten*innen und deren Angehörige.

Journalist Bodan kauft dem Kleinkriminellen Deki eine SD-Karte mit einem für den Führer des Landes kompromittierenden und peinlichen Aufnahmen ab. Sein Ziel: Ein Interview mit dem politischen Führer. Auf dem Weg dorthin holt er die Freundin seines transsexuellen Kindes ab und gerät später in eine fingierte Polizeikontrolle.

Das erste Drittel des Filmes spielt fast ausschließlich im Auto, von wo aus Bogdan versucht sowohl seinen beruflichen Plan wie auch sein Privatleben zu organisieren. Dazu nutzt Regisseur Janicijevic immer wieder Handybildschirme, die ins Bild eingeblendet werden. Was als bloßes Gimmick hätte werden können, macht hier erzählerisch viel Sinn. Auch das zweite Drittel spielt fast ausschließlich im Auto. Diesmal allerdings in dem der Journalistin Sophia, die ebenfalls hinter dem Video her ist und dazu Deki mit dabeihat. Als sie erfährt, dass dieser das Video bereits verkauft hat, eskalieren die Dinge. Sophie ist vor allem von Rache getrieben und will die Regierung zu Fall bringen.

Die Handlungen mit Bogdan und Sophia laufen parallel und überschneiden sich zum Teil, wodurch der Zuschauer erst nach und nach alle Informationen bekommt, um die Geschichte zusammenzusetzen. Abgesehen von diesen verschiedenen Zeitebenen spielt Janicijevic auch mit den Bildern. In einer überwältigenden Aufnahme am Anfang schwebt die Kamera über die Stadt, die wie ein Puppenstübchen aussieht. Ein Effekt, der in der Post-Produktion erzielt wurde, aber maximale Wirkung entfaltet.

Die Nachtaufnahmen haben eine teilweise traumartige Qualität, wenn überall riesige, leuchtende Kreuze in der Stadt stehen. Etwas, was laut Janicijevic in Skopje tatsächlich der Fall ist. Getragen wird der Film von seinen beiden sehr starken Protagonisten, gespielt von einem abgeklärten, halbresignierten Nikola Ristanovski und der zornigen, idealistischen Darja Rizova. Ein spannender und bitterer Paranoia-Thriller.

Nach einer interessanten Q&A mit Srdjan Janicijevic fiel ich quasi direkt vom cineK Studio ins kleine cineK Muvi. Zeit, um sich etwas zum Verspeisen zu organisieren oder zumindest ein Kaltgetränk blieb da leider nicht.

Regisseur Zachary Aaron Nichols ist kein gelernter Filmemacher. Er ist bildender Künstler und drehte VARIATIONS ON VIOLENCE nur, weil seine ursprüngliche Kreation zu groß wurde und er das Gefühl hatte, mehr davon zu machen. Es geht um Johny, einen Dronen-Piloten, der unter Posttraumatischer Störung und Depression leidet. Auslöser sind die vielen Menschen, die er anonym vom bequemen Stuhl in einem Schutzraum aus, tausende Kilometer entfernt getötet hat. Wie in einem Computerspiel. Doch die Opfer lassen ihn nicht los. Er kehrt zu seiner Schwester Mary zurück, die ihre ganz eigenen Probleme mit ihrem Leben hat. Mary kümmert sich um Johnny, der sich immer mehr zurückzieht, sich einkapselt und von verstörenden Visionen geplagt wird.

Jene erinnern visuell stark an die dritte Staffel von „Twin Peaks“, insbesondere an die legendäre Episode Nummer 8. Nichols macht es dem Publikum nicht leicht. Zu verschlossen und passiv ist sein Protagonist. Niemand kommt an ihn heran, er existiert teilweise nur. Das frustriert und macht es fast unmöglich mit ihm zu sympathisieren.

Auch Mary kommt nicht an ihn heran. Die Visionen scheinen teilweise nicht zum Film zu passen. Sind mysteriös und schwer zu dechiffrieren. Machen aber zusammen mit dem Sounddesign zumindest fühlbar, was in der Figur vor sich geht – auch wenn das von außen, also der Kamera, nicht eingefangen werden kann. Anders bei Mary, deren Frustration und Hilflosigkeit deutlich merkbar ist. So ist dieses im Grunde Zwei-Personen-Stück eine intensive Darstellung, wie Krieg und damit verbundene Täterschaft nicht nur das Leben der direkt Betroffenen, sondern deren Umfeld kaputt macht. Ein interessanter, ambitionierter Film, über den man noch länger nachdenkt.

Nach dem Film hatte ich dann ein wenig Zeit kurz Luft zu holen, das Gesehene gedanklich einzuordnen und etwas zu trinken. Dann ging es aber schon weiter im cineK Studio.

Es kommt nicht oft vor (eigentlich nie), dass ich nach einem Film das Gespräch mit meinem Filmemacher suche, um ihm die Hand auf die Schulter zu legen und mitzuteilen, wie großartig ich seinen Film fand. Aber genau dies passierte nach dem Screening von ASPHALT GUERILLA von Edgar Pera. Dieser Film hat mich 100% abgeholt, sodass ich mit einem beglückten Gefühl im Bauch und tausend Bildern im Kopf aus dem Kino kam.

Endlich, möchte ich sagen, denn ich war damals traurig, dass sich vor drei Jahren bei Peras „The Nothingless Club“ leider keinerlei Zugang zum Film gefunden hatte. Obwohl ich das Thema sehr spannend fand und damals bei der Q&A Edgar Pera als hoch intelligenten und sympathischen Menschen mit dem Herzen am rechten Fleck erlebt habe. Nun hat es endlich gefunkt. Und wie.

Die Handlung von ASPHALT GUERILLA zu beschreiben, fällt schwer. Der Film ist eher ein experimentelles Essay über die portugiesische Vergangenheit, Revolution und Filmemachen. Und wie alles ineinander übergeht. Eingewoben in die Lebensgeschichte Peras. Die Aktionen der linksextremistischen Untergrundorganisation Forcas Populares 25 de Abril, von denen er hier berichtet, erscheinen zu absurd, um real zu sein. Sind sie aber scheinbar.

Dieses für den uneingeweihten undurchsichtige Spiel mit Realität und Fiktion macht einen Teil des Reizes von ASPHALT GUERILLA aus. Aber es geht eben um mehr. Es geht um Pera selbst. Seine langjährigen Versuche die Geschichte in einen Film zu formen. Es geht ums Filmemachen. Materialen liegen auf Super8, 16mm, 35mm, VHS, Digital und, ja, auch AI geniert vor. Letzteres macht in dem Zusammenhang Sinn, weil eines der vielen Themen des Filmes auch ist, wie sich das Filmemachen entwickelt hat.

Dabei lässt Pera aber nie auch die politischen und dahinterstehenden philosophischen Fragen außer Acht. Und dies prasselt in schnellen Szenenabfolgen auf ein an, dass einem kaum Luft bleibt, um seine Gedanken zu ordnen. Punk dröhnt aus den Boxen. Am Anfang gibt es eine hollywoodreifen Autoverfolgungsjagd zu Suicides „Ghost Rider“, später ein satirisches „Making Of“ dazu. Ein wundersamer Overkill, den man bereit sein muss, sich auszuliefern. Wer es kann, der wird mit vielen Eindrücken und Denkanstößen belohnt. Als ich aus dem Kino kam, war ich von der unbändigen Lust erfüllt, selbst einen Punk-DIY-Underground-Film zu drehen. Am besten jetzt. Und sofort!

Wie oben bereits geschrieben, konnte ich danach mit dem supernetten Edgar Pera ein paar Worte wechseln. Dann ging es auf die Autobahn Richtung Bremen. Die Gefahr, dass ich am Steuer einschlief, bestand nicht, denn zu viele Bilder und Gedanken zu ASPHALT GUERILLA schossen mir noch munter kreuz und quer durch den Kopf.

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Bericht vom 33. Internationalen Filmfest Oldenburg – Tag 1

Veröffentlicht am 4. Oktober 2026 von Marco Koch

Spätestens im August fängt das Kribbeln an, denn das Internationale Filmfest Oldenburg wirft dann langsam seine Schatten voraus. Dann werden die ersten Filme angekündigt, man setzt sich mit dem diesjährigen Programm auseinander und wenn dann endlich der Timetable da ist, beginnt die kunstvolle Zusammenstellung des eigenen Fahrplans. Welcher dann in sich zusammenfällt, wenn eine der geplanten Vorstellungen dann doch ausverkauft ist.

Was in diesem Jahr tatsächlich wieder der Fall war, obwohl ich bereits am Donnerstag eingereist war. Aber dies entpuppte sich im Nachhinein nicht als Nachteil, denn so sah ich den Gewinner des Publikumspreis.

Aber das war am Donnerstag noch Zukunftsmusik. Erst einmal galt es das diesjährige Festival-Center zu finden, welches sich im Hotel Aspire befand. Da wäre ich fast zum falschen, weiter auswärts gelegenen Hotel gefahren. Gottseidank machte mich mein Weird-Xperience-Kollege Stefan aber rechtzeitig auf meinen Irrtum aufmerksam. So wurde dann doch alles gut, nur auf den Film „Big Daddy’s Flowers“ musste ich in diesem Jahr verzichten. Stattdessen ging es ins Casablanca-Kino zu ROMA ELASTICA, den ich eigentlich erst Samstag auf dem Programm hatte. Dort hatte ich mit Stefan aber eine nette Begleitung.

Von Regisseur Bertrand Mandico haben wir im Rahmen unser Reihe Weird Xperience bereits den wundervoll verrückten „The Wild Boys“ gezeigt. Sein neusten Film ROMA ELASTICA glänzt ebenfalls mit fieberhaften und surealen Szenen und einer irrealen Stimmung. Glänzend besetzt mit der wunderbaren Marion Cotillard als Filmstar in der Krise, sowie der ebenfalls großartigen Noémie Merlant als deren Visagistin/Freundin/Bodyguard/Sekretärin. Merlant war 2012 bereits persönlich als Hauptdarstellerin des Filmes „The Orphan Girl Without an Arm “ in Oldenburg zu Gast . Damals noch ganz am Anfang ihrer Karriere. Heute gehört sie zu den großen Stars in Frankreich – und war leider nicht anwesend.

Wie überhaupt ROMA ELASTICA einer der wenigen Filme der diesjährigen Ausgabe des Internationalen Filmfests Oldenburg war, der völlig ohne Gäste auskommen musste. Das ist in diesem Falle zwar sehr schade, aber angesichts des Kalibers der Beteiligten nicht verwunderlich.

ROMA ELASTICA handelt von einer Schauspielerin, deren Karriere sich im Jahre 1982 dem Ende zuneigt und die in den USA vor allem noch in obskuren Indie-Filmen auftritt. Ein neuer Film in Rom soll noch einmal den alten Glanz bringen. Eine tödliche Krankheit, das Alter und die aufgeregten Filmmenschen um sie herum treiben die Schauspielerin zum Zusammenbruch.

ROMA ELASTICA fühlt sich so an, als hätten die „Amer„-Macher*innen Cattet & Forzani eine Überdosis Fellini eingeatmet. Bizarre Gestalten, eine Filmparty die direkt aus „Toby Dammit“ stammen könnte, eine Fernsehsendung wie aus einem seltsamen Fiebertraum. Die Art die Stadt zu Filmen wiederum erinnert tatsächlich an die Frühen 80er. An Filme wie „Diva“ oder „Stimme des Mondes“. Stillecht sind die Farben in einem leicht blassen Grün-Blau-Ton gehalten, wie man ihn aus italienischen Produktionen Mitte der 80er kennt.

Es gibt Auftritten von Ornella Muti und Franco Nero. Aus den Boxen kommt ein kongenialer Musikmix, bei dem natürlich auch Morricone anklingt. Am Ende findet sich die Schauspielerin in einem irreal-künstlichen Science-Fiction-Film wieder. Jener Art von Film, die man nur als Film-im-Film über das filmemach kennt. Irgendwo zwischen Theater-Performance und Avantgarde.

Die Handlung funktioniert vor allem auf der Metaebene. Aber das ist auch so gewollt. Hier ist nichts geerdet. Alles ist künstlich, alles wie der Traum von einem Film und einer anderen Zeit. Themen wie unter anderem Alter, Öffentliches Image, Sexismus, Queerness, Tod und die Unfähigkeit loszulassen werden verhandelt. Generell ist der Film vollgestopft mit Einfällen und Ideen, aber auch der Liebe zum Film – gerade den italienischen – und den großen Vorbildern.

Mittendrin Marion Cotillard, die sich Kopfüber in ihre Rolle stürzt und auch einmal Isabelle Adjani in Zulawskis „Possession“ reenacted. Wie generell „Possession“ im Film sehr direkt angesprochen wird, man aber auch an andere Filme von Zulawski wie „Die öffentliche Frau“ und „Nachtblende“ denken muss, womit Zulawski neben dem bereits erwähnten Fellini der zweite große Einfluss auf ROMA ELASTICA ist. Noémie Merlant stielt der glänzend ausspielenden Cotillard sogar noch die Schau als deren coole und taffe Freundin.

Ein hochgradig seltsamer, aber auch faszinierender Film, in dem Bava und Fulci als die großen „Maestros“ erwähnt werden. Kein Film für jedermann, doch wer ein Herz für solche aus der Norm fallenden Filme und vor allem für das italienische Kino der 60er, 70er und frühen 80er hat, der muss ROMA ELASTICA einfach lieben. Ich bin zumindest mit einem breiten Lächeln aus dem Casablanca-Kino gekommen.

Dann ging es geschwind in die Kulturetage. Viel Zeit zum Kinowechsel blieb nicht. Dank Deutschland-Ticket sprangen wir in einen vorbeifahrenden Zug, der zwar zum Bahnhof fuhr, nicht aber unsere gedachte Route einschlug. Aber egal – wir waren rechtzeitig da und machten es uns im cineK Studio bequem, wo sich direkt vor uns die Crew des nun dort laufenden Films drappierte.

DEAD DROP ist viel. Horrorfilm, Mystery, Allegorie und ja, auch schwarze Komödie. Acht Menschen sind in einem Lieferaufzug gefangen, welchen sie als Abkürzung nehmen wollten, als der reguläre Personenaufzug auf sich warten ließ. Nichts geht mehr und eine mechanische Stimme aus der Notruf-Gegensprechanlage fordert die Eingeschlossenen auf, den „Instruktionen zu folgen“. Nur welche dies sind, bleibt ungelöst. Natürlich macht sich jede und jeder dazu eigene Gedanken. Die Anspannung steigt. Plötzlich ist ein erster Todesfall zu beklagen und es zeichnet sich ganz offensichtlich ab, dass hier etwas ganz und gar nicht mit rechten Dingen vor sich geht.

Die Figuren sind allesamt Stereotype und haben noch nicht einmal Rollennamen. Im Abspann sind sie nur mit ihren Eigenschaften bezeichnet. Aber das funktioniert. Sie beginnen sich aneinander zu reiben, nie hat man das Gefühl, das hier Tiefe fehlen würde. Dazu sind diese Stereotype (und ihre Darsteller*innen) zu interessant, das Geheimnis zu groß und die Dialoge zu geschliffen. Die Zeit vergeht wie im Fluge.

Trotz der Beschränkung der Handlung auf nur einen Spielort hat man niemals das Gefühl, hier einem „Theaterstück“ zuzuschauen. Schnitt und Kamera halten den ganzen Film über das Interesse wach. Ebenso die scharfzüngigen Dialoge. Und da ist natürlich auch das große Rätselraten: Was steckt dahinter, wie kann man sich retten, wer ist als nächstes dran. Auch wenn der Film nicht alle Karten aufdeckt (was gut ist), hat man nicht das Gefühl betrogen zu werden.

Was auch an den sehr guten Schauspieler*innen liegt, die ihre Stereotypen mit viel Leben füllen. Da möchte man auch niemanden hervorheben, wenn auch Melissa Neal als die Figur, die einer Protagonistin am nächsten kommt, und Victor Rivera als nerviger Troll ein wenig im Vordergrund stehen. Riveras Figur mit seinen unzähligen Popkultur-Referenzen und seinem unsensiblen Egoismus sorgt manchmal für Lacher, vor allem aber für eine fortwährende Spannung zwischen den Figuren. Und seine Bereitschaft ständig neue „Verschwörungstheorie“ zu entwerfen, ist auch ein pointierter Kommentar auf unsere Gegenwart.

Generell ist DEAD DROP sehr unterhaltsamer US-Film, der Horror/Mystery und Escape Room miteinander verbindet, philosophische Fragen anreißt, aber in erster Linie viel Spaß macht.

Ned Crowley

Alexandra Kate, Melissa Neal, John O’Mahony

Zufrieden ging es mit dem Auto nach Hause. Schließlich wartete am nächsten Tag noch früh am Morgen mein Broterwerbsjob auf mich.

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Blu-ray-Rezension: “Lizard in a Woman’s Skin“

Veröffentlicht am 11. September 2026 von Marco Koch

Carol Hammond (Florinda Bolkan), eine wohlhabende Londonerin, wird von verstörenden Träumen und sexuellen Fantasien geplagt, in denen sie ihre freizügige Nachbarin Julia erlebt. Als Julia eines Tages ermordet aufgefunden wird, gerät Carol unter Mordverdacht. Sie kann sich an die Tat nicht erinnern und beginnt zunehmend, an ihrer eigenen Wahrnehmung zu zweifeln. Während die Polizei ermittelt, vermischen sich Traum und Wirklichkeit immer stärker, bis eine überraschende Wendung die wahren Hintergründe des Mordes enthüllt.

1971 hatte sich Lucio Fulci von seiner Rolle als Komödienregisseur (vor allem für das in Italien höchst erfolgreiche Duo Franco & Ciccio) emanzipiert und zwei Jahre zuvor mit Nackt über Leichen seinen ersten Giallo gedreht. Nun hatte im Vorjahr gerade Dario Argento mit seinem „Das Geheimnis der schwarzen Handschuhe“ das Genre nicht nur neu definiert, sondern auch einen ganzen Schwall an ähnlich gelagerten Filmen ausgelöst. Plötzlich schien jeder von den eben noch erfolgreichen Italo-Western auf die urbanen Thriller umzuschwenken. Gerne mit einem Tier im Titel, da Argentos Film im italienischen Original einen „Vogel“ im Titel hatte. So wimmelte es plötzlich vor Skorpionen, Taranteln, Katzen, Fliegen und Entchen. So ist es kein Wunder, dass Fulcis nächster Giallo eine Eidechse im Titel aufweisen kann. Laut dem kompetenten Audiokommentar auf dieser Veröffentlichung war dies eine kurzfristige Entscheidung des Produzenten. Auch wenn die Kommentierenden Pelle Felsch und Markus Stiglegger ihre ganz eigenen, interessanten Interpretationen für „Lizard in a Woman’s Skin“ finden, glaube ich doch, dass dies eine Vorgabe war, um sich an Argentos Erfolg zu hängen. Daher könnte auch die Dialogzeile, in der eine Eidechse erwähnt wird, die sich in einer Drogenhalluzination aus der Haut einer Frau schält, nachträglich ins Drehbuch eingebaut worden sein, um den Titel zu rechtfertigen.

„Lizard in a Woman’s Skin“ galt lange Zeit als Geheimtipp. War er doch nie in Deutschland erschienen, wo Fulci vor allem als „Godfather of Gore“ gefeiert wurde. Seine Verdienste vor seinen berühmt-berüchtigten Zombiefilmen fielen da häufig unter den Tisch. Was vielleicht auch mit der Nichtverfügbarkeit zu tun hatte, denn neben diesem Film fand sich auch für sein Meisterstück „Don’t Torture a Duckling“ und „The Psychic“ kein deutscher Verleih. Weder für das Kino noch später eine VHS-Auswertung. Erst im DVD-Zeitalter fanden die Werke zu uns. „Lizard in a Woman’s Skin“ musste sogar bis jetzt warten. Dabei ist gerade „Lizard in a Woman’s Skin“ ein kleines Meisterwerk, welches es verdient hätte, schon vor dieser sehr schönen Veröffentlichung durch filmArt seinen Weg in unsere Gefilde gefunden zu haben.

Dies allerdings nicht zwangsläufig aufgrund der Handlung, welche die zu dieser Zeit gängigen Giallo-Zutaten durchexerziert und zu denen auch die nicht unbedingt logische Auflösung gehört, sondern aufgrund der Meisterschaft Fulcis, seine Figuren im Bild zu platzieren. In Räumen sind diese immer präzise so angeordnet, dass die Distanz oder Nähe spürbar ist. Und wie Fulci sie dann in großen, leeren Räumen inszeniert, ist im wahrsten Sinne des Wortes großes Kino. Beispielhaft soll hier jene Szene angeführt werden, in der die Protagonistin in einer scheinbar leerstehenden Kirche von einem Killer verfolgt wird. Wie hier Fulci erst die Räume verengt, um diese dann urplötzlich zu erweitern und seine Figuren einsam und schutzlos in einer riesigen Leere zu zeigen, ist meisterhaft. Hier wird werden die Räume ausgenutzt, um ein unangenehmes Gefühl der Bedrohung zu inszenieren. Da ist Fulci auch nah an Hitchcock und gerade diese eine Szene lässt einem den Puls rasen.

Aber auch sonst weiß Fulci effektiv Albtraum-Sequenzen zu inszenieren und lässt seiner Kreativität freien Lauf. Wobei er zielstrebig einer Traumlogik folgt, wie man sie in Filmen nicht so häufig sieht, denn er geht hier nicht linear vor, sondern sprunghaft. Abläufe verändern sich plötzlich und die Wahrnehmung springt hin und her. Da wirkt die berühmt-berüchtigte Szene mit den verstümmelten Hunden fast ein wenig plump und ganz auf Schock ausgelegt. Wobei sie im Kontext der entsprechenden Szene gerade durch dieses übertriebene, völlig aus dem Nichts kommende Extrem durchaus funktioniert, wenn auch keinen großen Sinn macht. Aber darum geht es nicht. Die Szene unterstreicht noch einmal das Unvorhergesehene; die wortwörtlich hinter der Ecke lauernde Grausamkeit und Gefahr, die unser Leben bedroht. Eine Schraube, die Fulci in seinen späteren „Zombiefilmen“ dann noch einmal zwei Umdrehungen weiter dreht, und die eine Weltsicht offenbart, welche scheinbar Teil seines Wesens war.

Die Brasilianerin Florinda Bolkan ist die perfekte Besetzung der Frau, die scheinbar ihre Sexualität und heimlichen Wünsche unterdrückt. Ihre spröde Schönheit, die eine Distanz ausstrahlt, wird von den glutvollen Augen Lügen gestraft. Sie ist einerseits eine Frau, die wie der Fels in der Brandung wirkt, aber jederzeit von dem Getöse um sie herum umgeworfen und an die Ufer des Wahnsinns gespült wird. Dagegen wirkt der mit grauem Haaransatz auf alt getrimmte Jean Sorel reichlich blass. Perfekt gecastet ist auch die Schwedin Anita Strindberg als geheimnisvolles Mordopfer, welche in Rückblenden ihre dominante Erotik offenbart. Und letztendlich ist da noch Leo Glenn in einer ambivalenten Rolle als Carols Vater. Ihm gelingt der Spagat zwischen sorgenvoller Liebe und tiefem Abgrund.

Natürlich muss man auch die Musik Ennio Morricones erwähnen. Wie schon in seinen Arbeiten für die frühen Argento-Gialli mischt er ein wunderbar süßes und einprägsames Hauptthema mit bedrohlichen Dissonanzen und nervenzerrenden, avantgardistischen Tönen. Das klingt anstrengend, fügt sich aber – wie auch schon bei Argento – perfekt in den Film ein.

„Lizard in a Woman’s Skin“ ist bei filmArt als Nummer 10 ihrer „Filmart Giallo Edition“ erschienen. Für diese Veröffentlichung wurde erstmals eine deutsche Synchronfassung erstellt, die erfreulicherweise nicht zu modern klingt und solide bis gute Sprecher*innen aufweist. Allein die Synchronstimme für Leo Glenn ist für meinen Geschmack viel zu jung geraten. Es liegen auch die italienische und die englische Tonspur in guter Qualität und mit deutschen Untertiteln vor. Das HD-Bild ist gestochen scharf (was zur Folge hat, dass man manchmal Dinge sieht, die man eigentlich nicht sehen möchte – wie z. B. Frau Strindbergs Brust-OP-Narben), aber nicht totgefiltert, sodass ein sehr guter Filmlook erhalten geblieben ist. Als Extras gibt es den bereits oben erwähnten Audiokommentar von Pelle Felsch & Marcus Stiglegger, eine „Deleted Scene“, die allerdings keinen Mehrwert bringt, sowie Trailer und eine Bildgalerie. Ferner liegt der Veröffentlichung ein 32-seitiges Booklet mit Texten verschiedener Autor*innen zum Film bei.

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Vorschau: Das 33. Internationale Filmfest Oldenburg – Die erste Filme sind angekündigt

Veröffentlicht am 22. August 2026 von Marco Koch

Die ersten Filme des 33. Internationale Filmfest Oldenburg sind angekündigt. Bald ist es schließlich auch soweit. Das Filmfest findet in diesem Jahr vom vom 16. bis 20. September statt.

Ich muss sagen, die ersten Ankündigungen steigern meine Vorfreude noch einmal. Wenn ich mir die Filme so anschaue, ist da keiner darunter, den ich mir nicht angucken würde. Ich stelle sie mal in der Reihenfolge vor, wie sie bei mir auf der „Must-see“-Liste stehen. Wobei selbst der dort letztplatzierte eine Film ist, den ich mir gerne ansehen würde.

Wie in den letzten Jahren auch immer, habe ich hier die Ankündigungstexte der Pressemeldung übernommen und diese im Anschluss mit meinen eigenen Anmerkungen (in kursiv) versehen.

Roma Elastica, Frankreich/Italien 2026, Bertrand Mandico (Deutschlandpremiere)

In Bertrand Mandicos neuestem Film, mit Marion Cotillard und Noémie Merlant in den Hauptrollen, reisen wir in das Rom des Jahres 1982. Dort trifft Eddie – eine Schauspielerin, die ihren großen Moment des Ruhms in Amerika bereits hinter sich hat – ein, um in einem Science-Fiction-Film mitzuwirken, der ihr letzter sein könnte. Begleitet von ihrer treuen Maskenbildnerin Valentina taucht Eddie in eine Welt aus schwindendem Glamour, seltsamen Begegnungen und einer Filmbranche im Umbruch ein. »Roma Elastica«, der seine Premiere in Cannes feierte, ist ein traumartiges Porträt einer Schauspielerin im Spätherbst ihrer Karriere und eine Hommage an die Geister des italienischen Kinos. Der Film wird in Deutschland von Rapid Eye Movies verliehen. – Wow, Regisseur Bertrand Mandico hat auch den fierbertraumartigen und sehr tollen „The Wild Boys“ gedreht, wecher in unserer Filmreihe Weird Xperience lief. Das Sujet des Filmes spricht alle Nerven bei mir an, die Kritiken sind sehr gespalten und Ornella Muti und Franco Nero haben Kurzauftritte. Um es kurz zu machen: „Roma Elastica“ ist in diesem Jahr mein „Must see“. Wunderbar, ich freue mich drauf.

You Won’t Believe What Happened Before, Nordmazedonien 2026, Srdjan Janicijevic (Weltpremiere)

Als ein kompromittierendes Video, das einen korrupten Autokraten entlarvt, in die Hände zweier eigenwilliger Journalisten gelangt, entwickelt sich der verzweifelte Versuch, der Gegenseite einen Schritt voraus zu bleiben, zu einer chaotischen Reise voller Verrat, Erpressung und Mord. Der Film bewegt sich durch eine politische Landschaft, in der jeder etwas zu verbergen hat, und verbindet die Spannung eines Polit-Thrillers mit schwarzem Humor und der Struktur eines ungewöhnlichen Roadmovies. Mit seiner nicht-linearen Erzählweise und der stetig wachsenden Bedrohung ist Srdjan Janicijevics Spielfilmdebüt eine scharfsinnige und unvorhersehbare Geschichte über Journalismus, Macht und die extremen Mittel, zu denen Menschen greifen, um ihre Geheimnisse zu wahren. – Bisher sind überwiegen amerikanische Filme im Programm. Aus Nordeuropa, den Osteuropa und Belgien ( 🙂 ) ist noch nichts dabei. Was ich schade finde. Aber mit Nord-Madedonien ist immerhin ein osteuropäisches Land vertreten, welches auch nicht unbedingt für seine Filmlandschaft bekannt ist. Das finde ich immer besonders spannend. Zudem weckt die Beschreibung große Erwartungen. Ich denke nicht, dass der Film die Intensität wie „Crocodiles“ im letzten Jahr haben wird, aber es scheint ja irgendwie in die Richtung zu gehen. Ich bin auf jeden Fall sehr gespannt.

Bruton, USA 2026, Vincent Grashaw (Deutschlandpremiere)

Inspiriert von der wahren Geschichte von Bryan Bruton – einem charismatischen Kleinkriminellen aus Jacksonville, dessen einziger verhängnisvoller Fehler zu einer zehnjährigen Haftstrafe führt –, verbindet diese wilde, mitreißende True-Crime-Geschichte Hoffnung, Humor und hart erkämpfte Resilienz hinter Gittern. Nach der Weltpremiere in Locarno markiert »Bruton« Vincent Grashaws erneute Rückkehr nach Oldenburg – nach »Bang Bang« und dem letztjährigen Gewinner des „Spirit of Cinema Award“, »Keep Quiet«. Erneut erzählt er eine Geschichte vom Rand der Gesellschaft und gibt seinem glänzenden Ensemble um Hauptdarsteller Theo Rossi viel Raum für schauspielerische Glanzleistungen. – „Keep Quite“ war einer der Höhepunkte auf dem letztjährigen Filmfest in Oldenburg. Dementsprechend hoch sind meine Erwartungen an diesen Film. Grashaw hat auch bewiesen, dass er tolle Figurenzeichnungen kann und das Umfeld seiner Filme gut rechcheriert.

Superbuhei, Deutschland 2026, Josef Brandl (Europapremiere)

Jesse Bronske ist überzeugt, dass sein Zwillingsbruder Aaron ihn aufgespürt hat und nun Schritt für Schritt sein Leben übernehmen will. Je tiefer er in Paranoia versinkt und versucht, seine Ängste im Alkohol zu ertränken, desto mehr gerät sein Leben aus den Fugen. Oliver Korittke glänzt in der Doppel-Hauptrolle in dieser grotesken Tragikomödie. Gedreht wurde in Hannover-Langenhagen, das allein schon der Inbegriff des Albtraums kleinstädtischer Spießigkeit. Was Josef Brandl in seinem Spielfilmdebüt daraus inklusive eines Cameos von Scorpions-Frontmann Klaus Meine zaubert, ist Deutsches Kino befreit von allem provinziellen Ballast: Ein düsterer, urkomischer und befreiender Aufschrei gegen jede Unterdrückung. Die Musik der Düsseldorf Düsterboys findet ihre perfekte visuelle Heimat in Josef Brandls Hommage an große Kinovorbilder von Kaufman bis Lynch. – Na, Kaufman und Lynch sind schon mächtige Ansagen. Wenn der Film dies nur zur Hälfte einlöst, bin ich bereits zufrieden. Oliver Korittke mag ich sehr gerne und glaube, er ist die Idealbesetzung für solch eine Paranoia-Geschichte. Regisseur Brandl kommt aus dem Art Department und war da für einige große Hollywood-Filme von Wes Anderson bis Steven Spielberg zuständig. Klingt vielversprechend.

Big Daddy’s Flowers, USA 2026, Matthew Osubor (Weltpremiere)

Unter der Mentorschaft der Indie-Ikone Alexandre Rockwell macht Matthew Osubor seine Heimatstadt Providence zur Kulisse für sein Spielfilmdebüt um den ominösen Big Daddy und seinen florierenden Blumenlieferservice. Osubor übernimmt die Hauptrolle als ahnungsloser Blumenlieferant, der seinen neuen Job so ernst nimmt, dass es lange dauert, bis ihm dämmert, warum er sich so viel mehr um die prachtvollen Blumengebinde sorgt, als seine Klienten. Eine liebevolle Story um kleine Ganoven und große Gefühle, dessen Leichtigkeit der Inszenierung ansteckend wirkt. – Hier kann ich aus der Zusammenfassung noch nicht recht herauslesen, in welche Richtung der Film geht. Andererseits meint man den Film schon zu kennen, denn er klingt wie ein typischer US-Indie-Film, wie er schon oft in Oldenburg lief. Was aber nun kein Vorwurf darstellen soll. Da war schon einiges Gold dabei. Ich bin gepannt, ob uns hier Indie-Film-Malen-nach-Zahlen oder eine eigenenwillige Perle erwartet.

Kill Me Now, USA 2026, Michael Polish (Weltpremiere)

Eine Autorin, die unter Zeitdruck ihren ersten Hollywood-Thriller fertigstellt, sucht Zuflucht in ihrem Zuhause – nur um festzustellen, dass ihr eigenes Leben zunehmend der Geschichte ähnelt, an der sie gerade schreibt. Als sie davon überzeugt ist, dass ihr Nachbar einen Mord an ihr plant, verschwimmen die Grenzen zwischen Paranoia, Fantasie und Realität. Neben so wunderbaren Darstellern wie Mena Suvari, Mario Van Peebles und Keith Carradine übernimmt die Autorin Jacqueline Singer die Hauptrolle in ihrer eigenen Story und gibt so dem neuesten Film der Indie-Ikone Michael Polish eine weitere Ebene zwischen Realität und Fantasie. Ein düster-verspielter Thriller über die Geschichten, die wir uns selbst erzählen – und darüber, was geschieht, wenn diese sich plötzlich gefährlich real anfühlen. – Nochmal Paranoia. Das trifft bei mir ja immer einen Nerv. Dazu noch gern gesehene Gesichter aus dem Videothekenfutter der 80er und 90er Jahren. Die letzten Filme von Michael Polish wurden in der IMDb ziemlich abgewatscht. Aber das waren auch B-Filme mit alternden Action-Stars wie Sylvester Stallone und Mel Gibson. Ich gebe dem hier mal eine Chance, zumal ich vermute, dass der Film keine Auftragsarbeit, sondern persönlicher ist. Hauptdarstellerin Jacqueline Singer hat auch das Drehbuch geschrieben, und Michael Polish und sein Bruder Mark spielen auch mit.

Asphalt Guerilla, Portugal 2026, Edgar Pêra (Deutschlandpremiere)

In Edgar Pêras neuestem cineastischem Meta-Puzzle verwischen die Grenzen zwischen politischem Idealismus und filmischer Rebellion. Pera zeichnet die desaströse Geschichte einer Amateur-Guerillazelle der 1980er Jahre nach sowie den chaotischen Versuch der 1990er Jahre, deren Geschichte auf die große Leinwand zu bringen. »Asphalt Guerrilla« ist ein fiktionaler Film mit realem Hintergrund, der von einer utopischen Phase der portugiesischen Demokratie in den 80er Jahren erzählt. Fast unmerklich verwebt sich die eigene Geschichte des Regisseurs in diesem nostalgisch-anarchischen Blick auf den Kampf gegen das System, der dieser Tage so aktuell wie selten erscheint. – Mit Edgar Pêra hadere ich ja immer. Der Mann ist supersympathisch und seine Filme geistreich, ungewöhnlich und bearbeiten Themen, die mich brennend interessieren. Aber mit seinem Film „The Nothingness Club“ konnte ich leider überhaupt gar nichts anfangen, obwohl ich den Film sehr mögen wollte. Darum habe ich den nächsten, der in Oldenburg lief, „Telepathic Letters“, trotz interessanter Geschichte auch ausgelassen. Einem guten Freund hat der aber gut gefallen. Da werde ich ihm dieses Jahr, wenn es passt, noch einmal eine Chance geben. Klingt ja auch wieder nach meiner Baustelle.

The Joyless Economy, USA 2026, Marjorie Conrad (Deutschlandpremiere)

Marjorie Conrads filmischer Essay über die Biographie einer unbekannten Frau ist formal und erzählerisch ein einzigartiges, hypnotisches und vieldeutiges cineastisches Erlebnis. Anhand der Videosammlung dieser Frau erzählt Conrad frei von jeder Pose vom Begehren, von sexueller Entdeckung und von der Untreue dieser Frau. Pures Kino, poetisch und wahrhaft existentiell entsteht ein feministisches Portrait eines cinephilen Lebens, erkundet Wechselwirkung von Filmvorlieben und Leben. Der Film feierte seine Premiere beim Festival in Cannes und war selbst da ein Singulär an Radikalität und Originalität. – Auch hier weiß ich nicht, was mich erwartet. Das kann aber richtig gut werden. Die Imdb schreibt: „A documentary that explores how a woman’s movie collection triggers her infidelity.“ Das klingt sehr interessant und geht auch nur 58 Minuten. Wenn es passt, schaue ich gerne mal rein.

Foreign Tongue, Kanada 2026, Boris Mojsovski (Weltpremiere)

In diesem Liebesbrief an die Erfahrung des Einwandererdaseins werden Sprachbarrieren, kulturelle Missverständnisse und Isolation mit lyrischer Absurdität, Humor und vor allem Empathie dargestellt. Mit dem komödiantischen Talent von Kimberly Sue Murray in der Hauptrolle wird der emotionale Weg von Einwanderern und die an sie gerichtete Erwartungshaltung von perfekter Integration zu einem skurrilen und respektlosen komödiantischen Juwel. Regisseur Boris Mojsovski, selbst bosnischer Flüchtling, bringt Humor und persönliche Erfahrungen in einen Film ein, der im zutiefst Fremden das Universelle entdeckt. – Klingt interessant. Ich vermute mal einen typischen Filmfestival-Film, der eben dort sein Publikum findet. Wobei die Imdb noch ergänzt: „A romantic comedy infused with magical realism, embracing the absurdity of everyday life while offering a grounded, honest portrayal of the world we all pretend to understand.“, was dann für mich gleich nochmal etwas anders klingt, denn „magischer Realismus“ ist schon so mein Ding. Und Drehbuchautorin Cynthia Ashperger, eigentlich Schauspielerin, stammt auch aus dem ehemaligen Jugoslawien, hat hier also scheinbar eigene erfahrungen verarbeitet.

Mackenzie, USA 2026, Mylissa Fitzsimmons (Weltpremiere)

Basierend auf einer wahren Begebenheit aus der Kindheit der Regisseurin Mylissa Fitzsimmons, ist „Mackenzie“ eine einfühlsame Reflexion über das Erwachsenwerden und jenen Moment, in dem die kindliche Fantasie auf die Realität des Erwachsenenlebens trifft. Vor der Kulisse der Wüste von Utah träumt die elfjährige Juniper davon, nach Kalifornien durchzubrennen, um ihren Fernsehschwarm – den Herzensbrecher der 1980er Jahre, Mackenzie Astin – zu heiraten. Der Film, der in nur acht Tagen mit einem zweiköpfigen Team und einer Kinderdarstellerin ohne Vorerfahrung entstand, macht die Produktionsbeschränkungen zu einem Teil seines Charmes. Intim, humorvoll und zutiefst persönlich ist »Mackenzie« ein kleiner Film mit großem Herzen. – Für mich eine Wundertüte. Das kann ein sehr anrührender, herzlicher Film werden, oder ein ganz kalkuliert auf „Kindchenschema“ spekulierender. Wahrscheinlich ruht der Film ganz auf den Schultern der kindlichen Hauptdarstellerin.

Laut dem Filmfest Oldenburg, werden Filmschaffende der internationalen Filme in Oldenburg anwesend sein, um ihre Filme vorzustellen.

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Blu-ray-Rezension: “Lethal Dragon“

Veröffentlicht am 17. Juli 2026 von Marco Koch

Die japanische Polizistin Sho-Ko (so zumindest in der deutschen Fassung) versucht auf den Philippinen, einer Gangsterbande das Handwerk zu legen. Diese plant die Entführung eines Geschäftsmannes. Gleichzeitig will ein Hard-Boiled-Polizist Rache für die Ermordung seiner Ehefrau nehmen.

Oder so ähnlich. Denn das wirre Drehbuch, welches wirkt, als hätten gleichzeitig mindestens fünf Autoren daran geschrieben, ohne dass der eine vom anderen wusste, quetscht so viel in die 93 Minuten Laufzeit, dass man schon nach wenigen Minuten die Übersicht verliert. Den Regisseuren erging es anscheinend nicht anders. Laut IMDb sollen es deren drei sein – Phillip Ko, Erwin T. Lanado und für die internationale Version Fung Chow (unter dem Alias Cindy Chow). Personen tauchen auf, Personen verschwinden. Und das ständig. Dauernd fragt man sich: „Wer ist das?“, „Wo kommt er/sie auf einmal her?“ und kurz darauf: „Wo sind die abgeblieben?“. Lange Zeit ist nicht klar, wie die vielen Nebenstränge zusammengehören sollen. Dann werden sie gewaltsam zusammengeführt. Vielleicht liegt dies an der „Internationalen Version“, die den handelnden Personen nicht nur andere Namen gibt, sondern auch den Film mit einer großen Schlacht beginnen lässt, welche allerdings das Finale des philippinischen Films „Kakambal ko sa tapang“ ist. Dieser entstand im selben Jahr wie „Lethal Dragon“ und teilt sich auch einen Teil des Casts, wie Cynthia Luster und Monsour Del Rosario, sowie Regisseur Philipp Ko.

Die biedere Videotheken-Synchro von der Stange hilft dem Film auch nicht, und erst recht nicht der Schnitt. Dieser ist so willkürlich und ohne rechtes Timing, dass er mehr verwirrt, als den Actionszenen noch mehr Dynamik zu verleihen. Diese damals noch wunderbarerweise handgemachten Actionszenen, mit denen der Film ordentlich ranklotzt, schwanken zwischen beeindruckend und spektakulär und hektischem Wirework, welches im wahrsten Sinne des Wortes komplett abgehoben ist. Ständig schaut das große Vorbild John Woo um die Ecke, wenn mal wieder Zeitlupenaufnahmen eingesetzt werden. Hier stand eindeutig „Hardboiled“ Pate. Doch zu keinem Zeitpunkt erreichen die Actionszenen die Wucht des Vorbildes. Die Schauspieler und Schauspielerinnen schwanken in ihren Leistungen. Dem Amerikaner Edu Manzano (alias Jess Babida) als Held der Geschichte mangelt es an Sympathie und Charisma. Dies versucht er durch tiefgründiges Gucken und Posieren auszugleichen. Der Bösewicht verrenkt den Kiefer und lacht gerne irre. Da liegt es an den Damen des Films, für einen positiven Ausgleich zu sorgen. Und das gelingt recht gut. Sharon Kwok als Kollegin der Heldin und Sheila Ysrael als schlagkräftiges Love Interest des Helden machen ihre Sache gut.

Star des Films (wenn auch ihre Rolle ständig in das zweite Glied gedrängt wird) ist Cynthia Luster, deren echter Name Yukari Ôshima lautet und die in den 80er-Jahren als B-Star der zweiten Reihe hinter Cynthia Rothrock und Cynthia Khan aufgebaut werden sollte. Ich habe die hochagile und durchaus Persönlichkeit zeigende Cynthia Luster schon zu Videothekenzeiten gerne gesehen. Und an diese Zeiten erinnert der Film dann auch angenehm. Denn er steht stellvertretend für das ganze Heer an preisgünstigen, aber immer unterhaltsamen und actionreichen Hongkong-Actionern im Gefolge der großen Erfolge von John Woo, Tsui Hark und auch Ringo Lam, welche die Regale in den Videotheken verstopften. Mit billig-repetitiver Synthiemucke und geklauten Melodien aus größeren Filmen (hier wird „Spiel mir das Lied vom Tod“ und „Terminator“ gekapert).

Das Bild der Blu-ray ist keine Referenzklasse, aber durchaus akzeptabel. Scheinbar stammt es von einer MAZ, da man ab und zu die typischen Störungen sieht, die aber nicht weiter nerven. Es gibt eine deutsche Tonspur mit der bereits erwähnten, eher blutleeren und aufgesagten Synchro sowie eine englische Tonspur, die allerdings sehr dumpf ist, sodass man nur schwer etwas versteht. Das Bild liegt in 1,33:1 vor, wobei es im Bonusbereich noch eine 16:9-Fassung gibt, die mir allerdings hineingezoomt vorkommt. Neben einem Trailer ist der weitere Bonus überraschenderweise ein weiterer Film mit Cynthia Luster: ANGEL DRAGON.

Hier spielt Cynthia Luster die Sozialarbeiterin Miss Fan, die sich um die Familie des alten Tseng kümmert. Dieser hat einen spastisch gelähmten Sohn und ist körperlich versehrt, seitdem ihm von chinesischen Soldaten die Beine zertrümmert wurden. Da er dadurch keinen Job bekommt, muss seine Frau anschaffen gehen, worunter Tseng leidet und immer wieder zu gewalttätigen Wutausbrüchen neigt. Um diesem Leben zu entfliehen, holt Tseng seine Cousins aus China nach Hongkong, um für den gewissenlosen Ex-Cop Hang einen Juwelenraub durchzuführen. Mit Hang hat auch der Polizist Peter eine Rechnung offen. Und Peter verliebt sich in Miss Fan. Als Hang versucht, die Chinesen um ihre Beute und auch ihr Leben zu bringen, eskalieren die Dinge und alle Beteiligten werden in einen Strudel der Gewalt gezogen.

„Angel Dragon“ ist gegenüber „Lethal Dragon“ der bessere Film. Das Drehbuch birst zwar auch vor unzähligen Nebenhandlungen, doch diese hat Regisseur Chiu Lee weitaus besser im Griff als seine Kollegen bei „Lethal Dragon“. Und am Ende fügen sich die Teile auch halbwegs solide zusammen. Schade nur, dass Cynthia Luster hier zwar drei große Kämpfe bestreiten darf, aber ansonsten nicht so viel zur Handlung beiträgt und vor dem großen Finale ganz aus dem Spiel genommen wird. Dieses Finale ist dann aber recht spektakulär und außergewöhnlich brutal geraten. Der eigentliche Hauptdarsteller Ben Lam, der nicht unbedingt durch großes Charisma auffällt, kann hier zeigen, dass er zumindest körperlich eine ganze Menge draufhat. Gelungen auch die tragische Geschichte um die Familie Tseng, die der Story ein wenig sozialkritische Tiefe gibt. Der Hauptschurke überzieht demgegenüber ziemlich und ist hübsch hassenswert.

Weshalb der bessere Film ins Bonusmaterial verbannt wurde, kann man recht deutlich sehen. Die Bildqualität würde keine eigenständige Veröffentlichung rechtfertigen. Im Nahbereich gibt es zwar keine großen Probleme, aber sobald Figuren in den Hintergrund wechseln, verschwimmen die Gesichtskonturen so stark, dass man sie kaum noch erkennt. Das Format ist 16:9. Die deutsche Synchro fällt unter die Rubrik „lustlos“ und führt manchmal durch eigenwillige Satzbetonung in die Irre. Eine englische Tonspur gibt es aber auch; allerdings sind die Sprecher hier auch nicht viel besser. Trotzdem schön, dass uns filmArt diesen Film als „Goodie“ spendiert.

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Blu-ray-Rezension: “Schön, nackt und liebestoll“

Veröffentlicht am 13. Juli 2026 von Marco Koch

In Rom werden immer wieder Frauen mit durchschnittener Kehle aufgefunden. Um sie herum verstreut liegen Fotos, die die verheirateten Damen beim Ehebruch zeigen. Bei dem psychopathischen Mörder scheint es sich also um jemanden zu handeln, der es sich zur Aufgabe gemacht hat, untreue Frauen der feinen Gesellschaft ins Jenseits zu befördern. Inspektor Capuana ermittelt, kann aber den nächsten Mord nicht verhindern.

Dieser Giallo, der neben dem wunderbaren Titel „Schön, nackt und liebestoll“ (ich spare mir jetzt an dieser Stelle naheliegende Scherze darüber) auch unter dem etwas zurückhaltenderen Titel „So schön – so nackt – so tot“ firmiert, gehört zur unteren Hälfte der zweiten Liga dieses Genres. Der größte Teil des Budgets dürfte hier in die Gage des ehemaligen Hitchcock-Stars Farley Granger geflossen sein. Dieser spielt seine Rolle als Capuana dann auch professionell, aber merklich ohne allzu großen Enthusiasmus.

Der Originaltitel „Rivelazioni di un maniaco sessuale al capo della squadra mobile“, übersetzt „Geständnisse eines Sexualstraftäters gegenüber dem Leiter der Kriminalpolizei“, spielt einerseits auf Damiano Damianis Mafia-Meisterwerk „Confessione di un commissario di polizia al procuratore della repubblica“ (mit dem der Film überhaupt nichts zu tun hat) und gibt andererseits die Richtung vor, mit der das Publikum ins Kino gelockt werden soll: Sex und nackte Haut. So werden einige unnötig lange Sexszenen, u. a. zwischen Silvano Tranquilli und Nieves Navarro aka Susan Scott, eingestreut. In den USA ging man sogar noch einige Schritte weiter und schnitt den Film in einen Hardcore-Porno namens „Penetrations“ mit Harry Reems um. Worüber Farley Granger selbstverständlich nicht im Geringsten amüsiert war, da dieses Werk mit seinem Namen beworben wurde.

Was Granger möglicherweise an „Schön, nackt und liebestoll“ gereizt haben könnte, ist die Tiefgründigkeit seiner Figur. Während Inspektor Capuana zu Beginn des Films als glücklicher Ehemann und ordnungsliebender Polizist gezeigt wird, kippt dies am Ende des Films – und es zeigt sich, wie wenig es benötigt, um einen sich selbst als aufrechten Bürger definierenden Menschen auf eine Stufe mit einem wahnsinnigen Mörder zu stoßen. Unter diesem Aspekt hat der Film durchaus eine Botschaft.

Leider wird diese durch ein sehr wirres Drehbuch torpediert. Natürlich ist der italienische Giallo per se kein Genre, welches durch messerscharfe Logik glänzt. Hier hat man allerdings das Gefühl, dass die Autoren (Luigi Angelo, Italo Fasan und Regisseur Roberto Bianchi Montero) zeitweise gar nicht so recht wussten, was sie in ihrem Film eigentlich erzählen wollen. Völlig ohne Not machen sie diverse Nebenhandlungen auf, wie beispielsweise die um den wie immer wahnsinnig großartigen Luciano Rossi als nekrophilen Pathologiemitarbeiter oder die von der Tochter eines Verdächtigen und ihrem revolutionären Studentenfreund. Nur um diese auf ihrem Höhepunkt nicht weiter zu verfolgen und die Figuren abrupt aus der Handlung verschwinden zu lassen. Man hat geradezu das Gefühl, die Schauspielerinnen und Schauspieler hätten nicht mehr bezahlt werden können und wären tatsächlich spontan nach Hause gefahren. Im Gegenzug taucht am Ende eine wichtige Figur auf, die vorher noch nicht einmal erwähnt wurde.

Auch sonst bewegt sich die Plausibilität auf gewohntem Giallo-Terrain. Wie Inspektor Capuana auf wichtige Spuren kommt, ist genauso an den Haaren herbeigezogen wie die mal wieder unfassbar willkürlichen Motive des Täters. Was bleibt, sind also die Schauwerte: Die Messermorde des natürlich an den Killer aus Mario Bavas Über-Giallo „Blutige Seide“ angelehnten „Sex Maniacs“ und viel Nacktheit der weiblichen Besetzungsmitglieder. Beides wird allerdings von Roberto Bianchi Montero eher unspektakulär und nicht besonders kreativ in Szene gesetzt.

Am Ende bleibt ein zwar arg uninspirierter, aber in der richtigen Stimmung gerade aufgrund seiner offenkundigen Schwächen durchaus unterhaltsamer Vertreter des Giallo-Kinos. Man sollte nur vorher wissen, worauf man sich einlässt (was bei einem Titel wie „Schön, nackt und liebestoll“ nicht so schwer sein sollte), dann kann man durchaus seine Freude haben. Und immerhin gibt es zwei interessante Aspekte, die man dem Film zugutehalten kann: Einerseits das Verhältnis zwischen Inspektor Capuana und seiner Ehefrau, welches durch große Liebe geprägt zu sein scheint, aber dann in eine Tragödie kippt. Und dann die Grundidee, dass der Täter Frauen für ihre Untreue/Selbstbestimmtheit zum Tode verurteilt. Ein zutiefst katholischer und misogyner Blickwinkel, der zum Nachdenken anregt und sich in einen aktuellen Kontext (Stichwort: Ehrenmord) stellen lässt.

Das HD-Bild des als neunter Teil der filmArt-Giallo-Edition erschienenen „Schön, nackt und liebestoll“ ist sehr gut. Bei der leicht längeren italienischen Kinofassung, die als Extra enthalten ist, fallen die eingefügten Szenen deutlich ab. Offensichtlich stand kein HD-brauchbares Material zur Verfügung. Da die Szenen auch kurz sind, stört dies auch nicht. Der Ton wird auf Deutsch (in einer soliden Synchronisation), Englisch und Italienisch angeboten. Als Extras sei zuallererst der Audiokommentar von Christian Keßler und Prof. Dr. Markus Stiglegger erwähnt, der sehr unterhaltsam ist. Denn während Prof. Stiglegger immer wieder versucht, sich ernsthaft mit dem Film auseinanderzusetzen, schwärmt Christian Keßler auch schon mal länger über die schöne Nase einer der Darstellerinnen oder erleidet Lachanfälle. Das ergänzt sich perfekt und die beiden geben ein tolles Duo ab. Aufmerksam machen muss man auch auf das Extra, welches sich unter „Selbstlaufende Bildergalerie“ versteckt. Denn dabei handelt es sich um einen französischen Fotoroman des Films. Der ihn natürlich stark kürzt, teilweise vom Film abweicht und vor allem aus Fotos besteht, die am Set aufgenommen wurden und damit keine Bilder direkt aus dem Filmmaterial sind. Dieser alternative Blick auf die Handlung ist besonders reizvoll. Hinter dem Extra „Revelations of a Sex Maniac“ verbirgt sich ein 21-minütiges Interview mit Giorgio Gaslini, der den sehr schönen Soundtrack zu „Schön, nackt und liebestoll“ komponierte. Alle Extras inklusive Audiokommentar wurden von der alten Cinema-Obscura-DVD übernommen.

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Bericht vom 11. Filmfest Bremen – Tag 4 (Preisverleihung und letzte Filme)

Veröffentlicht am 9. Juli 2026 von Marco Koch

Am letzten Tag ging es (für mich sozusagen früh morgens) um 11:00 Uhr zur Preisverleihung des 11. Bremer Filmfests. Eine schöne Überraschung war für mich, dass Xav Clarke die musikalische Begleitung übernommen hatte. Der Gute spielte nämlich letztes Jahr in der Helga-Kneipe, wo ich als Teil der Veranstaltungsgruppe des Kneipenvereins Konzerte organisiere. Und dabei habe ich Xav nicht nur als hochtalentierten, sondern auch als supersympathischen Künstler kennengelernt. Daher habe ich mich sehr gefreut, ihn wiederzusehen und zu hören.

Auch bei dieser Abschlussveranstaltung merkte man, dass auf die Zeit geachtet und das Ganze, was bei so vielen zu vergebenden Preisen eh schon seine Zeit dauerte, nicht noch künstlich in die Länge gezogen wurde. Die Moderation übernahmen Ilona und Marc, für mich die Gesichter des Filmfests. Ich weiß natürlich, dass der Mann ganz oben an der Spitze Matthias Greving ist; aber da ich ihn immer nur bei der Gala und dem Abschluss wahrnehme, mag er der kühle Kopf sein, aber für mich schlägt das feurige Herz des Filmfests eben woanders.

Wenn man zu einer der Sichtungsgruppen gehört und auch noch Moderationen übernimmt bzw. mit seiner Kinoreihe Teil des Filmfests sein darf, dann ist man natürlich ganz besonders involviert. Als Mitglied der Sichtungskommission „Innovation“ hat man den Auswahlprozess der Filme ein halbes Jahr begleitet, in dieser Zeit Favoriten gehabt und um diese gekämpft (wobei das immer eine sehr harmonische Diskussion war). Dann hat man natürlich ein ganz anderes Verhältnis zu den Filmen und hofft, dass diese auch etwas gewinnen. Und als dann „When the Phone Rang“ und „Farewell, Emille“ jeweils einen Preis gewannen, freute mich das dann auch persönlich sehr.

Und mein Favorit aus meinen Besuchen beim Filmfest, „Dreaming of Lions“, gewann auch etwas. Wunderbar. Verkündet wurde dieser Gewinn übrigens vom Schauspieler Florian Lukas, der hier auch in der Jury saß.

Spannend auch, dass in diesem Jahr ein Film, „I Am Gitxsan“, gleich in zwei Kategorien (Publikumspreis und den neuen „Global Lokal“-Preis) gewann. Das gab es bislang auch noch nie. Den Film holte ich dann später mal nach – und der Preisregen fand völlig zu Recht statt. Und ein weiterer meiner Favoriten, „Winter of the Crow“, erhielt den 2. Preis bei der Publikumsabstimmung. Da war ich auch mit zufrieden.

Und zu guter Letzt freute ich mich auch sehr darüber, dass der extrem intensive und empfehlenswerte Dokumentarfilm „Einhundertvier“, welcher aufgrund seiner ungewöhnlichen Bildkomposition (die Leinwand ist fast immer in sechs statische Kameraeinstellungen aufgeteilt) auch in der Innovations-Sparte nominiert war, als Bester Langfilm in der Kategorie „Gateways to the World“ gewann.

Mein persönliches Highlight war dann, dass mein Bekannter Jan van Hasselt mit seinem „Manche Dinge sollten ansteckend sein“ völlig zu Recht den Preis für den besten Bremer Kurzfilm gewann. Was für ihn sichtbar eine völlige Überraschung war. Super! Gefreut habe ich mich auch für die Macherinnen der Doku „Freiraum“ über das ehemaligen Bremer Frauenprojekt Buntentor. Den muss ich unbedingt mal nachholen.

Eine wirklich schöne und gelungene Veranstaltung, die auch gleich Appetit auf das nächste Jahr machte. Und irgendwie hatte es auch etwas Familiäres, wo man sich als Teil des Festivals und diesem irgendwie zugehörig fühlte. Und nicht als „bloßer“ Zuschauer.

Da es draußen in Strömen regnete, blieben wir im Noon – dem Foyer des kleinen Theaters –, wo ich ein paar schöne Gespräche führte und mich mit Jan und Mops ablichten ließ. Zudem konnte man dort für günstiges Geld auch noch etwas zu Essen kaufen, was bei einem so langen Tag immer von Vorteil ist.

Um 17:00 Uhr ging es dann mit Kino weiter, denn in der kleinen Schauburg gab es den Film „Kein Koks für Sherlock Holmes“ in der Vanessa-Redgrave-Retro.

KEIN KOKS FÜR SHERLOCK HOLMES

Der weltberühmte Meisterdetektiv Sherlock Holmes leidet nicht nur unter seiner Drogenabhängigkeit, sondern auch an der daraus resultierenden Paranoia. Diese konzentriert sich vor allem auf einen seiner einstigen Hauslehrer, Moriarty, welchen er für ein kriminelles Genie hält, welches die ganze Welt terrorisiert. Holmes’ Freund Doktor Watson macht sich daher die größten Sorgen und lockt Holmes unter dem Vorwand, Moriarty das Handwerk zu legen, nach Wien. Dort soll der Sigmund Freud Holmes von seiner Abhängigkeit heilen. Doch in Wien angekommen, werden Holmes, Watson und Freud in einen Kriminalfall hineingezogen.

Ein durchaus ungewöhnlicher Sherlock-Holmes-Film, bei dem mehr der junge Sigmund Freud im Vordergrund steht, dessen psychologischer Ansatz es durchaus mit Holmes’ legendärer Deduktion aufnehmen kann. Dabei umschifft der Film eine genaue Genre-Zugehörigkeit. Man hätte das als Komödie inszenieren können, doch obwohl der Tonfall oft leicht ist, entscheidet sich Regisseur Herbert Ross gegen diesen Weg. Auch ein psychologisches Drama wäre möglich, doch dafür ist der Film nicht finster genug, auch wenn Holmes hier eine tragische, von Traumata gepeinigte Figur ist. Natürlich ist es irgendwo auch ein Krimi, selbst wenn die Krimihandlung nicht unbedingt im Vordergrund steht. Und am Ende ist es ein Actionfilm mit einer unfassbaren Verfolgungsjagd Zug gegen Zug.

Was man von diesem Genremix aber mit Sicherheit sagen kann, ist, dass er sehr unterhaltsam ist. Daran sind die Hauptdarsteller nicht unschuldig. Allem voran ist „Kein Koks für Sherlock Holmes“ ein Vehikel für Alan Arkin, der seinen Freud mit viel Charme und begeisterter Energie verkörpert. Nicol Williamson ist perfekt als der verzweifelte, paranoide Holmes. Und der Ur-Amerikaner Robert Duvall gibt einen überraschend britischen Watson. Und natürlich der großartige Jeremy Kemp in seiner Paraderolle als aristokratischer Fiesling Baron von Leinsdorf. Dagegen hat Schauspiellegende Sir Laurence Olivier als Moriarty nur sehr wenig zu tun. Was leider auch für Vanessa Redgrave gilt, die eine zwar wichtige Rolle innehat – allerdings nur kurz auf der Leinwand zu sehen ist.

Ein großes Plus dieses Films ist eine atemberaubende Art-déco-Ausstattung und Kostüme. Und natürlich das clevere Drehbuch des unbedingt wiederzuentdeckenden Nicholas Meyer, welches vielleicht manchmal etwas dialoglastig wirkt, aber mit seinem wilden Mix nie langweilig wird. Dafür sorgen Szenen wie das Tennisduell zwischen Freud und von Leinsdorf, der Mordanschlag per Lipizzaner und die bereits erwähnte finale Verfolgungsjagd.

Danach radelte ich blitzschnell ins Cinema, wo unser zweiter Weird-Xperience-Film „Vampire Zombies… from Space“ lief. Statt mit meinem langjährigen Partner Stefan (der im Urlaub weilte) hielt ich die Einführung diesmal mit der wunderbaren Johanna vom HyperHorrorHappening. Das war auch klasse.

VAMPIRE ZOMBIES… FROM SPACE!

Space Dracula will die Herrschaft über die Erde übernehmen, wird aber beim ersten Versuch – den er über eine Tabakplantage in der Provinz durchführt – unbeabsichtigt durch ein kleines Mädchen, welches ein Kreuz um den Hals trägt, zurückgeschlagen. 10 Jahre später kehrt er mit einer größeren Flotte und einem von seinem missratenen Sohn entwickelten Gegenmittel gegen Kreuze zurück. Dummerweise hat das Gegenmittel einen Nebeneffekt. Denn nun verwandelt sich jedes von einem „geimpften“ Vampir gebissene Wesen in einen Zombie-Vampir. Können die Bewohnerinnen und Bewohner der nahegelegenen Kleinstadt die „Vampire Zombies… From Space!“ zurückschlagen?

Diese kanadische Komödie ist eine durchaus liebevolle Hommage sowohl an Ed Woods „Plan 9 From Outer Space“ als auch an George A. Romeros „The Night of the Living Dead“. Wie diese beiden ebenfalls in Schwarz-Weiß gehalten, gibt es hier und da zahlreiche Anspielungen auf diese Klassiker und Artverwandtes.

Der erste Drehbuchentwurf entstand scheinbar schon zur Uni-Zeit der Macher. Und das merkt man auch, was man sowohl als Vor- als auch als Nachteil auffassen kann. Der Vorteil ist der spürbare Enthusiasmus und die Freude am „Anything Goes“. Da wird wild drauflos gesplattert und alle Klischees und Stereotype werden genussvoll ausgewalzt. Das macht nicht immer viel Sinn, aber man merkt den Machern den Spaß an, den sie mit dem Film hatten. Und der sich im besten Falle auf das Publikum überträgt.

Allerdings sind dementsprechend auch viele Jokes nicht immer zielsicher und tragen das „Gütezeichen“ (männlicher) Pennäler-Humor. Da hört man förmlich die Spätpubertierenden hinter der Ecke kichern. Subtilität oder feine Ironie sollte man also besser nicht erwarten. Dafür viele wirklich hübsche und einfallsreiche, von Hand gemachte Effekte. Diese wechseln sich allerdings mit sehr durchschaubaren CGI-Effekten ab, was etwas schade ist.

Die Darsteller changieren zwischen solide und „überenthusiastisch“. Auf jeden gelungenen Gag kommen mindestens drei geschmacksunsichere, die auch mal nach hinten losgehen. In der richtigen Stimmung und einem voll besetzten Kino macht der Film von Regisseur und Mit-Autor Mike Stasko sehr viel Laune. Allein vor dem Laptopbildschirm kann es etwas zäh werden.

Zum Abschluss kamen noch Ilona und Marc von der Filmfestleitung vorbei, und es gab „einen Film, der nicht genannt werden durfte“. Daran werde ich mich auch jetzt halten und lediglich erwähnen, dass dieser für offene Münder sorgte und ganz viel (positiven) Gesprächsbedarf bei einigen Zuschauern auslöste, sodass ich erst um 1:15 Uhr zu Hause war. Es waren fünf wunderbare Tage, voller toller Filme und schöner Begegnungen. Danke an Ilona und Marc, Herz & Seele des Filmfests. Johanna für die super Einführung. Und vor allem Holger Jekel für die Begleitung und gute Zeit!

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Bericht vom 11. Filmfest Bremen – Tag 3

Veröffentlicht am 26. Juni 2026 von Marco Koch

Tag 3 auf dem Filmfest Bremen, Samstag, ging sehr früh mit „Der Psycho Coach“ in der Schauburg los. Eine gelungene Komödie um einen Serienkiller im Ruhestand und einen Autor mit Eheproblemen. Der hochsympathische Regisseur Tolga Karaçelik war mit seiner bezaubernden Frau anwesend und ebenso unterhaltsam wie sein Film.

DER PSYCHO COACH

Keane ist ein Schriftsteller, dessen erstes Buch kein besonders großer Erfolg war, auch wenn er noch immer stolz darauf ist, den 1. Preis eines universitären Lesezirkels gewonnen zu haben. Sein neues Buch soll von Urmenschen und Neandertalern in der Slowakei handeln. Kein Stoff mit Publikumsappell. Da trifft es sich gut, dass Keane eines Tages von einem Unbekannten angesprochen wird, der sich als Fan seines Erstlings zu erkennen gibt und Keane vorschlägt, doch seine Lebensgeschichte in Romanform zu bringen. Denn der Mann, der sich als Kollmick vorstellt, ist Serienkiller im Ruhestand. Und so nimmt eine Handlung voller Missverständnisse ihren Lauf. Denn während Kollmick Keane in die Feinheiten des Tötens einweist, gibt dieser Kollmick gegenüber seiner Frau Suzie als Eheberater aus, der die kriselnde Beziehung der beiden kitten soll. Bald schon aber glaubt Suzie, Keane plane sie umzubringen, während dieser dank Kollmick Stress mit der lokalen Mafia bekommt.

Man sieht also, es ist viel los in dieser schwarzen Komödie, die man mit Fug und Recht als „Crowd-Pleaser“ bezeichnen kann. Mit Steve Buscemi als Kollmick befindet sich auch ein bekannter Name in der Besetzung, was bei Festivals immer für viel Publikum sorgt. Und so war auch dieser Film ausgesprochen gut besucht. Angekündigt war er unter dem Originaltitel „Psycho Therapy” (Langtitel: Psycho Therapy: The Shallow Tale of a Writer Who Decided to Write About a Serial Killer) und so bekamen vermutlich die allerwenigsten mit, dass er auch zeitgleich (sehr zum Ärger der Festivalverantwortlichen) in der ARD-Mediathek als „Der Psycho-Coach“ zu sehen war.

„Der Psycho Coach“ ist der erste englischsprachige Film des türkischen Regisseurs und Drehbuchautors Tolga Karaçelik, der diesen rasant und sehr humorvoll inszeniert. Er macht Spaß, auch wenn er dem Genre nur wenig hinzufügt. Aber er verlässt sich auf das Prinzip der fortwährenden Eskalation, was hervorragend funktioniert. Dies liegt auch an dem sehr guten Ensemble. Steve Buscemi hat sichtlich Freude an seiner Rolle als Serienkiller („Im Ruhestand!“) und John Magaro als verwuschelter Keane ist ein sympathischer Loser, den man gerne hat. Das Juwel ist allerdings Britt Lower als Keanes Ehefrau Suzie, die im Laufe des Films immer mehr eigene Abgründe offenbart.

Der Humor ist sehr schwarz, was einige im Publikum erschreckt hat, wenn hier mal ein Kopf zerplatzt oder dort jemand durchsiebt wird. Im Grunde fühlt man sich an die Zeit Mitte/Ende der 90er zurückversetzt, als der Erfolg von „Pulp Fiction“ eine ganze Reihe solcher Filme inspiriert hat. Ich hatte meine Freude.

Danach gab es eine leckere Pizza bei Vera Delizia, die so riesig war, dass ich fast „Bayaan“ im City46 verpasst hätte. Tatsächlich kamen wir an, als der Film gerade eben begonnen hatte. Leider war das Bild auf der Leinwand in diesen ersten Minuten sehr dunkel. Und erstmals wurde mir bewusst, wie vollkommen die Dunkelheit in einem Kinosaal sein kann. So stolperte ich mehr oder weniger, immer eine Hand an der Wand, nach vorne. Völlig ohne Orientierung, wo denn die Reihen anfangen und ob da überhaupt Menschen sitzen. Auch eine Erfahrung. Irgendwann entschieden wir uns dann für eine Reihe, scheuchten einige Leute auf, ich trat aus Versehen und blind auf den einen oder anderen Fuß, dann ließ ich mich endlich im Kinosessel nieder. Als das Bild auf der Leinwand heller wurde, konnte man deutlich sehen, dass alle Reihen vor uns leer waren. Man hätte also nur einen Meter weiter gehen müssen und hätte sich das Spektakel erspart. Na ja…

BAYAAN

Die junge Kommissarin Roohi wird in eine kleine Stadt in Indien geschickt. Hier soll sie die Vorgänge um einen geheimnisvollen Brief aufklären. In diesem wird dem Kultführer Maharaj vorgeworfen, minderjährige Anhängerinnen seines Kultes systematisch zu missbrauchen. Roohi ist die Tochter eines erfolgreichen Polizeibeamten, der auf der Karriereleiter gerade auf dem Sprung nach ganz oben ist. Der Job ist für sie die Chance, sich von ihm zu emanzipieren und gleichzeitig zu zeigen, dass sie eine gute Polizistin ist. Doch dies gestaltet sich schwierig, denn Roohi trifft auf eine Mauer des Schweigens. Maharaj wird hier wie ein barmherziger Gott bedingungslos verehrt und hat die Kontrolle nicht nur über die Mitglieder seines Kults, sondern auch über die ganze Stadt, die von ihm abhängig ist. Dies betrifft auch die Beamtinnen und Beamten, mit denen Roohi zusammenarbeiten muss. Nur langsam und mit viel Mühe und Anfeindungen gelingt es Roohi, ein wenig Licht ins Dunkel zu bringen.

„Bayaan“, was so viel wie „Erklärung“ bedeutet, beruht auf einer wahren Geschichte. Der Thriller gewährt nicht nur Einblicke in eine fremde Kultur, sondern seziert auch die Mechanismen von Macht und Einfluss. Maharaj ist nicht nur ein Bösewicht, sondern hat tatsächlich viel für die kleine Stadt und die Region getan. Für viele Bewohner hat er ihr Leben zum Besseren gewendet, was aber auch dazu führt, dass man von ihm abhängig ist. Einmal an die Spitze der Macht gekommen, kann Maharaj handeln, wie er will – das von ihm geschaffene System von Günstlingen, männlich, aber vor allem auch weiblich, schützt ihn. Das muss Roohi auch in ihrem eigenen Team feststellen. Zudem herrscht auch „von oben“ Zweifel daran, ob Roohi dem mächtigen und wichtigen Maharaj nicht zu nahe kommt. Und auch ihr eigener, hochangesehener Vater und ihr großes Vorbild stellt hier Karriere bei der Polizei über Integrität und möchte ihr den Fall entziehen.

Roohi kämpft also an mehreren Fronten und rennt sich wortwörtlich den Schädel ein. Nur langsam kann sie das Dickicht der Abhängigkeiten und des Glaubens an Maharaj durchdringen, und immer wieder wird sie zurückgeworfen. Es ist vor allem Huma Qureshis sehr präsenter und sensibler Darstellung der Roohi zu verdanken, dass man immer mit ihr mitfiebert. Qureshi ist ebenso verletzlich wie robust und entspricht nicht dem üblichen Klischee des Rookies, der sich beweisen muss. Dazu ist ihre Figur zu vielschichtig angelegt. Wie man hervorheben muss, dass dies für alle Charaktere in diesem Film gilt. Maharaj ist gütig und zuvorkommend – und da man seine Taten nie sieht, könnte man ihm schnell auf den Leim gehen. Man fühlt sich hier an solche Gurus wie Maharishi Mahesh Yogi oder Bikram Choudhury erinnert. Auch den Opfern fällt es schwer, ihr Schweigen zu brechen und sich von ihrem Guru abzuwenden.

Regisseur Bikas Ranjan Mishra entscheidet sich spätestens ab der Hälfte des Films, Genre-Konventionen zu folgen und Roohis Team zusammenzuschweißen, damit sie gemeinsam gegen Maharaj vorgehen und seinen Opfern eine Stimme geben. Einerseits orientiert sich der Film nun an westlichen Standards, andererseits ist er dadurch auch für ein westliches Publikum vorhersehbarer und einfacher zu konsumieren, und Mishra weiß die Spannungsschraube anzuziehen. Ein guter Film mit überzeugenden Schauspielerinnen und Schauspielern, von denen vor allem Huma Qureshi mit ihrer zurückhaltenden, aber gleichzeitig selbstbewussten Darstellung glänzt.

Danach dann allein zurück in die Schauburg. Im kleinen Saal lief der russische Film „Sanding Dreams“. Ein Familiendrama mit leichtem magischem Realismus.

SANDING DREAMS

Der hochbegabte Student Pasha hat einen großen Traum: Er will unbedingt Teil eines internationalen Raumfahrtprogramms werden, denn das Weltall hat ihn schon immer fasziniert und begeistert. Tatsächlich steht Pasha kurz davor, seinen Traum verwirklichen zu können. Doch dann erhält er einen Brief aus seinem Heimatdorf. Seine Mutter kommt nicht über den Tod des Vaters hinweg und verbringt ihre Tage im Dämmerzustand, und sein kleiner Bruder ist mit der Situation überfordert. Also macht sich Pasha auf den Weg in die Heimat. Das Dorf (eigentlich eine willkürliche Anhäufung einzelner Holzhäuser) liegt in der Nähe zum Meer inmitten einer wüstenähnlichen Umgebung, die die Häuser unter Sand zu vergraben droht. Pascha kümmert sich um seinen kleinen Bruder, der selbst ein genialer Bastler ist, und übernimmt die Aufgabe, mit dem Traktor der Familie die Häuser vom Sand zu befreien. Doch dann geschieht eine Katastrophe und Pasha weiß, dass er seine Familie nicht so einfach verlassen kann, um seinem Traum zu folgen.

Der russische Film von Anton Mamykin lebt vor allem von seinen Bildern und der in den magischen Realismus kippenden Stimmung. Das Heimatdorf von Pasha, welches langsam unter dem Sand versinkt und immer wieder freigeschaufelt werden muss, ist eine tolle Idee, die natürlich sehr zur Metapher taugt. Überhaupt die Landschaften: die unendlichen, wüstenartigen Dünen und das Meer, welches nicht so weit weg ist. Die Raketen, die von irgendwoher immer wieder aufsteigen, und die skandinavischen Fischer, denen man die Gemälde der Mutter verkaufen will.

Dies alles fügt sich zu einem sehr stimmungsvollen Gesamtbild, welches allerdings einen etwas merkwürdigen Beigeschmack hat. Denn man kann all dies auch als ein Plädoyer dafür lesen, dass man seine persönlichen Bedürfnisse denen der Familie und der Gemeinschaft unterordnen soll, um ein erfülltes Leben zu führen. Und ist nicht der allgegenwärtige Sand die Moderne, welche droht, die traditionelle Familie und die „gute alte Zeit“ zu begraben und in Vergessenheit geraten zu lassen? Liest man den Film auf diese Art und Weise, bekommt er – je nach eigener Lebensanschauung – einen unangenehmen, reaktionären Touch.

So sehr ein gewisses Pflichtgefühl eine durchaus gute Tugend ist und so schön auch das Ende geraten ist, so zwiespältig bleibt man doch auch zurück.

Beim Verlassen des Saales traf ich Norbert Paffenbichler wieder. Denn im Anschluss an „Sanding Dreams“ sollte am selben Ort die zweite Weird-Xperience-Vorstellung auf dem diesjährigen Filmfest stattfinden. Noch einmal „2551.03 – The End“ mit mir als Moderator des Q&A. Ein drittes Mal (ich hatte den Film ja auch bereits im Rahmen der Sichtungskommission „Innovation“ gesehen) habe ich ihn mir dann aber nicht mehr angeschaut. Stattdessen habe ich mich mit Regisseur Norbert Paffenbichler sehr nett im Foyer unterhalten. Und nach dem Film führten wir unsere Unterhaltung fort und als „guter Gastgeber“ habe ich ihn danach sicher durch den Werder-Fan-Mob, der gerade sehr exzessiv den Sieg über den HSV „feierte“, zum Parkhotel gebracht, wo die Filmfest-Gäste untergebracht waren. Das lag auch so halbwegs auf dem Heimweg. Ein intensiver und auch schöner Tag.

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Bericht vom 11. Filmfest Bremen – Tag 2

Veröffentlicht am 19. Juni 2026 von Marco Koch

Der zweite Tag bestätigte für mich darin, dass sich das Programm des Filmfests dieses Jahr wieder auf extrem hohem Niveau befand. Denn der Tag begann in der Schauburg gleich mit dem fantastischen „Anorgasmia“ vom isländischen Filmemacher Jon Einarsson Gustafsson, der in der Q&A sehr viel Interessantes zu erzählen hatte, wodurch ich leider die eigentlich fest eingeplant Case Study zu „2551.03 – The End“ im Institute Francais verpasst habe. Schade.

ANORGASMIA (all the things we do to survive)

Der Fotograf Sam ist Engländer – beziehungsunfähig, aber stets auf der Suche nach dem nächsten unverbindlichen, emotionslosen Sex. Die Touristin Naomi ist Französin – unsicher in ihrer Beziehung und voller Sorge, die falsche Entscheidung für ihre Zukunft zu treffen. Die beiden begegnen sich in Reykjavík, und ihre erste Begegnung ist nicht unbedingt von gegenseitiger Zuneigung geprägt. Trotzdem verbringen sie den Abend miteinander, nähern sich an, und beinahe kommt es zu einem One-Night-Stand, doch Naomi flüchtet im letzten Moment.

Eigentlich sollten sie sich danach nicht wiedersehen, doch ein Vulkanausbruch verhindert ihre Abreise in die jeweiligen Heimatländer. Sam macht sich auf, um als Erster Bilder vom Vulkan zu machen, und Naomi schließt sich ihm an. Das passt Sam zwar überhaupt nicht, doch widerwillig lässt er sich darauf ein, und so begeben sie sich gemeinsam auf die Reise.

Von hier aus könnte der Film viele wohlbekannte Wege einschlagen: Er könnte zur Romantic Comedy, zum Buddy-Movie oder zu einem kitschigen Liebesfilm werden. Doch Regisseur Rúnar Rúnarsson ignoriert all diese Routen und begleitet einfach dieses ungleiche Paar, das in seiner Verlorenheit doch auch Gemeinsamkeiten aufweist. Sam ist dabei nicht unbedingt sympathisch. Im Gegenteil: Er ist schroff, verschlossen, abweisend und trägt eine schwere Last mit sich. Auch Naomi hat ihre Probleme, ist aber auf eine Weise von Sam fasziniert und versucht, hinter seine Fassade zu blicken. Was die beiden auf ihrer Reise erleben, ist nicht sonderlich spektakulär. Es gibt keine Action, kein großes Geheimnis, und die Menschen, denen sie begegnen, sind allesamt liebenswürdig.

Weshalb ist dieser Film also ein kleines Meisterwerk? Das liegt zum einen an der isländischen Landschaft, die der gelernte Landschaftsfotograf Rúnarsson beeindruckend in Szene setzt. Noch viel mehr aber liegt es an dem Paar Sam und Naomi und ihren beiden Darstellern, Edward Hayter und vor allem der wundervollen Mathilde Warnier. Beide spielen so natürlich und unaufgeregt, dass man als Zuschauer unmittelbar mit den Figuren mitfühlt. Die Chemie zwischen ihnen springt geradezu körperlich spürbar auf das Publikum über. So überrascht es kaum, wenn der Regisseur im Publikumsgespräch verriet, dass die beiden während des Drehs ein Paar wurden und ihr erstes Kind erwarten.

Und dies ist auch absolut nachvollziehbar. Ich muss zugeben, dass auch ich mich während des Films in Mathilde Warnier (beziehungsweise ihre Figur Naomi) verliebt habe. Ihre quirlige, ein wenig verrückte und entschlossene Art, durch die aber auch eine gewisse Verletzlichkeit durchscheint, hat mich tief berührt. Umso trauriger war ich, als der Abspann lief und ich mich von ihr verabschieden musste. Getröstet wurde ich jedoch durch ein perfektes Filmende, bei dem Rúnarsson allen möglichen Fallstricken geschickt aus dem Weg geht und der Versuchung widersteht, es dem Publikum recht machen zu wollen. Der Film blieb mir so noch lange im Kopf und im Herzen. Laut Rúnarsson beruht der Film auf einem persönlichen Erlebnis – und das merkt man ihm in jeder Sekunde an.

Danach ging es mit meinem Kompagnon Holger ins Cinema, wo der koreanische Thriller „Sisterhood“ von Yoon Eun-kyoung, die ebenfalls anwesend war, lief. Yoon Eun-kyoung war bereits das zweite Mal auf dem Filmfest Bremen. Vor zwei Jahren war sie mit dem surreal-paranoiden „The Tenants“ dabei. Und jener Film, den ich später nach dem Festival schauen konnte, hatte mich damals sehr begeistern. Umso gespannter war ich auf ihren neuen Film.

SISTERHOOD

Nach ihrer Scheidung zieht die erfolgreiche Schriftstellerin Yul-hee mit ihrer Tochter in ein neues Haus. Für ihre Teenager-Tochter So-hee ist dieser Umzug nicht einfach. Sie pflegt ein gutes Verhältnis zu ihrem Vater und muss sich in der neuen Umgebung erst einen Freundeskreis aufbauen. Durch einen Zufall trifft sie auf die etwas ältere Mi-jee, die sich als glühende Verehrerin von Yul-hees letztem Buch „Sisterhood“ herausstellt. Geschmeichelt von der Bewunderung, stellt Yul-hee Mi-jee als Haushaltshilfe ein. Doch schon bald geschehen seltsame Dinge: Yul-hee und ihre Tochter entfernen sich immer mehr voneinander, und in Yul-hee wächst der Verdacht, dass Mi-jee etwas im Schilde führen könnte.

So weit, so bekannt. Tatsächlich birgt der Film für Zuschauer*innen, die bereits den einen oder anderen Film dieses Genres gesehen haben, nur wenige Überraschungen. Dies mag auch die eher unterdurchschnittliche Bewertung auf IMDb erklären. Was den Film jedoch über den üblichen Thriller-Durchschnitt hebt, sind seine Figuren. Blickt man nämlich hinter die Fassade der durchaus spannend inszenierten Thriller-Handlung, entdeckt man tiefer liegende psychologische Mechanismen.

Da ist zum einen das Verhältnis zwischen der erfolgsorientierten, vielleicht sogar krankhaft ehrgeizigen Mutter und ihrer Tochter, die sich nach einem harmonischen Zuhause sehnt. So-hee weiß nicht so recht, wo sie im Leben steht, und sucht in dieser schweren Zeit nach Führung. Sie sehnt sich einerseits nach Emanzipation von ihrer übermächtigen Mutter, andererseits aber auch nach deren Liebe und Zuwendung. Gleichzeitig quält sich Yul-hee mit dem Gedanken, ihrer Tochter nicht die Mutter sein zu können, die sie sein sollte – und es vielleicht auch gar nicht sein zu wollen, was ihr Gewissensbisse bereitet. In diesem fragilen Gefüge wird Mi-jee zum Katalysator, der die angespannte Beziehung zur Eskalation bringt. Regisseurin Yoon Eun-kyoung inszeniert die letzten 15 Minuten voller atemloser Spannung und hält dabei doch noch die eine oder andere kleine Überraschung bereit.

Auch wenn „Sisterhood“ stellenweise etwas vorhersehbar ist und nicht an die surreal-unheimliche Qualität von „The Tenants“ heranreichen kann, ist Yoon Eun-kyoung ein sehr gutes Psychodrama gelungen, das zum Ende hin noch einmal erheblich an Spannung gewinnt.

Leider mussten wir die sicherlich interessante Q&A schwänzen, da um 20:00 Singer-Songwriter Ethan Gold aus dem großartigen Film „Brother Verses Brother“ – der ebenfalls auf dem Filmfest Bremen lief – im Eisen auftreten sollte. Das war auch wunderbar, fing allerdings erst mit großer Verspätung an. Das führte dazu, das wir leider nicht das ganze Konzert mitbekamen, und eher aufbrechen musste. Denn im etwas weiter weg gelegenen City46 wartete bereits der nächste Film auf uns. Auch hier wieder: Schade.

Dort lief der grandiose „Dreaming of Lions“. Der portugiesische Film von Paolo Marinou-Blanco ist knapp vor „Anorgasmia“ mein Liebling auf dem Filmfest geworden. Paolo Marinou-Blanco war auch persönlich anwesend, erzählte interessant und wortgewandt über seinen Film und stand auch nach dem Film noch für ein Pläuschen zur Verfügung.

DREAMING OF LIONS

Gilda ist eine Brasilianerin, die in Portugal lebt. Sie hat Krebs im Endstadium und weiß, dass sie nicht mehr lange zu leben hat. Bevor ihr Zustand sich jedoch zu sehr verschlechtert und ihr Leben nur noch künstlich verlängert wird, will sie selbstbestimmt entscheiden, wann sie von dieser Welt scheidet. Sie hat die Qualen ihrer Mutter miterlebt, als diese ebenfalls an Krebs starb – eine Erfahrung, die sie sich ersparen möchte. Es ist ihr Leben, also soll es auch ihr Tod sein.

Leider gestaltet sich dieses Vorhaben komplizierter als gedacht. Ihre bisherigen Versuche gingen spektakulär schief, und die darauffolgenden Krankenhausaufenthalte und Therapien empfindet sie nur noch als lästig. Daher sucht sie professionelle Hilfe in einem Institut, das Selbsthilfegruppen für Menschen mit missglückten Suizidversuchen anbietet. Hier lernt sie den jungen Amadeu kennen, der ebenfalls an einer tödlichen Krankheit leidet und dessen Versuche, aus dem Leben zu scheiden, bislang ebenso erfolglos waren. Schon bald entwickelt sich zwischen der älteren, kratzbürstigen Gilda und dem sensiblen jungen Amadeu eine zarte Liebesgeschichte. Gemeinsam erkennen sie, dass das Institut ein einziger Schwindel ist, und beschließen, ihr Schicksal selbst in die Hand zu nehmen. Ihr Plan: auf eine spanische Insel zu reisen, wo eine Ärztin sanfte und diskrete Sterbehilfe anbieten soll.

Das klingt alles sehr schwermütig und traurig, doch Paolo Marinou-Blanco inszeniert seinen Film als unglaublich komische Ode an das Leben – zu dem eben auch der Tod gehört. Getragen wird der Film von der herausragenden Denise Fraga, die ihrer Figur eine bemerkenswerte Energie, triefenden Sarkasmus und tiefschwarzen Humor verleiht. Es ist unmöglich, für ihre Gilda keine Sympathie zu empfinden, auch wenn (oder gerade weil) sie mit pointiertem Zynismus um sich wirft. Ihr zur Seite steht João Nunes Monteiro als Amadeu, der handlungsbedingt zurückhaltender agiert, aber gerade deshalb der perfekte Partner für Denise Fraga ist. Die Liebesgeschichte, die sich zwischen ihnen entspinnt, wirkt zu keiner Sekunde aufgesetzt und entwickelt sich vollkommen natürlich. Man kann Amadeu gut verstehen, dass er sich in Gilda verliebt, die nicht nur älter ist, sondern auch charakterlich sein genaues Gegenteil darstellt. Gilda ist eine tolle, kluge und vor allem lebensbejahende Frau.

Dennoch lässt sie sich durch die Liebe von und zu Amadeu nicht von ihrem festen Wunsch abbringen, ihrem Leben ein Ende zu setzen, bevor der Krebs die Überhand gewinnt. Dazu ist ihre Persönlichkeit zu stark. Aber sie will die ihr verbleibende Zeit in vollen Zügen auskosten. Marinou-Blanco streut zudem einen Hauch von magischem Realismus in seinen Film ein: Amadeu, der als Leichenpräparator arbeitet, kann mit den Toten sprechen (oder bildet er es sich nur ein?), und Gilda durchbricht zu Beginn die vierte Wand. Auch diese Elemente fügen sich harmonisch in das Gesamtwerk ein. Ist der Film anfangs teilweise brüllend komisch, so wird er mit fortschreitender Laufzeit ruhiger, verliert aber nie seinen liebenswerten Humanismus und nimmt seine Figuren stets ernst. Marinou-Blanco hat viel über das selbstbestimmte Leben zu erzählen und nutzt den Humor seines Films, um diese Botschaft unaufdringlich in das Bewusstsein des Publikums zu schmuggeln. Ähnlich wie in dem Film „Anorgasmia“ findet er auch hier ein perfektes Ende, das jeder Versuchung der Anbiederung widersteht. Großartig gemacht, Señor Marinou-Blanco

Damit endete dieser an Highlights reicher zweite Tag auf dem 11. Filmfest Bremen.

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Filmforum Bremen

Bericht vom 33. Internationalen Filmfest Oldenburg – Tag 3

Bericht vom 33. Internationalen Filmfest Oldenburg – Tag 2

Bericht vom 33. Internationalen Filmfest Oldenburg – Tag 1

Blu-ray-Rezension: “Lizard in a Woman’s Skin“

Vorschau: Das 33. Internationale Filmfest Oldenburg – Die erste Filme sind angekündigt

Blu-ray-Rezension: “Lethal Dragon“

Blu-ray-Rezension: “Schön, nackt und liebestoll“

Bericht vom 11. Filmfest Bremen – Tag 4 (Preisverleihung und letzte Filme)

Bericht vom 11. Filmfest Bremen – Tag 3

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